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27 de enero de 2016

El Museo del Prado presenta el retrato de Don Pedro de Alcántara, IX duque de Osuna.

Realizado por Goya, lo exhibirá el Museo hasta el próximo 24 de abril, gracias a la colaboración de la Frick Collection de Nueva York, propietaria de la obra.



La obra está tradicionalmente fechada en torno a 1798 pero su reciente limpieza, llevada a cabo en el Metropolitan Museum de Nueva York, ha puesto de manifiesto una riqueza de la técnica y colorido que la situarían en un período más tardío, incluso después de la muerte de don Pedro en 1807.
 Don Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco, IX duque de Osuna (1755-1807) fue uno de los primeros y más eminentes patronos de Goya desde mediados del decenio de 1780. Después de su muerte, el artista trabajaría para su mujer y sus hijos hasta 1817.

Se trata de "un retrato íntimo", en el que también el duque "demuestra su estatus apoyándose en el bastón de mando", una forma de decir que "él era el heredero y que tendría el poder de la milicia". Por último, Mena ha destacado que la obra se enmarca "dentro de un contexto grandísimo histórico y social que tiene Goya en el Museo del Prado".
 Aunque la moda que viste es de fines del decenio de 1790, la tonalidad oscura y la ejecución de la casaca o de las manos acercan su realización a los tiempos de la guerra de la Independencia Española, hipótesis que se ve refrendada por la ausencia de la obra en los registros de la casa de Osuna donde se anotaron las compras efectuadas a finales del siglo XVIII, pero sí figura en la venta de la colección Osuna en 1896, y es posible que fuera el retrato que se cita en un inventario de la misma de hacia 1834 como un cuadro al óleo "de medio cuerpo del duque de Osuna, abuelo".

  Así, en este retrato el duque parece exhibir su personalidad "sensible y entusiasta" que hizo de él una figura popular entre los intelectuales de su época. Las medidas de la obra, similares a las del retrato de la duquesa de 1786 (colección Marita March), así como la posición del duque y la dirección de su mirada, podrían sugerir que Goya lo pintó probablemente a partir de una miniatura y para que fuera utilizado como pareja de la dama.
 Desde el Museo han asegurado que estos hechos parecen evidenciar que la obra fue encargada en un período agitado, tal vez cuando, tras la muerte del duque y ante la invasión francesa, la familia Osuna se trasladó a Cádiz.

Retrato de los duques de Osuna y sus hijos.
   El Prado conserva varias obras pintadas por Goya para los Osuna como el retrato de la familia al completo realizado en 1785. Obra de gran virtuosismo en la linea contenida de Goya. La familia y el amor maternal se refuerzan en el siglo XVIII, pero en esta obra aparece claramente expresado lo que socialmente se esperaba de ellos y ellas: el carácter protector del padre queda señalado en la relación que establece con los cuerpos de su esposa y de sus hijas. Las niñas vestidas como la madre buscan y reciben protección. Los niños aunque más pequeños, se mantiene autónomos, con juguetes que emulan futuros profesionales.

También el de la marquesa de Santa Cruz (1805) y el de la duquesa de Abrantes (1816), así como el especial 'Vuelo de brujas', uno de los "asuntos de brujas" de la serie que Goya vendió al duque en 1798.

La marquesa de Santa Cruz



El retrato de Joaquina Téllez-Girón y Pimentel (1784-1851), segunda hija de los novenos duques de Osuna y, por su matrimonio con José Gabriel de Silva y Walstein en 1801, X Marquesa de Santa Cruz, fue una de las mujeres más admiradas en su tiempo por su belleza, según las referencias contemporáneas, y amiga de poetas y literatos. Goya la había conocido de niña y había sido retratada ya por él, junto con el resto de su familia, en el Retrato de los duques de Osuna y sus hijos.

 La materia pictórica está aplicada aquí en algunas zonas en gruesos empastes, como en la gasa blanca del vestido,  allí donde la iluminación es más fuerte, o en la corona de hojas de vid y racimos de uvas y en la frente de la dama. En otros lugares Goya ha utilizado, sin embargo, pinceladas cortas, delicadas y sutiles, que contienen una gran variedad de tonos, como en el rostro o en la mano derecha, elaborados con minuciosidad. Las pinceladas largas, ligeras, para las que el artista ha disuelto los pigmentos en el óleo, casi a modo de acuarelas, están reservadas para los carmines, púrpuras y malvas del diván y del cortinaje del fondo, que por su función y naturaleza están hábilmente elaborados de forma más sumaria.
Los ricos empastes, la ligereza de las pinceladas y la variedad de toques, no deben, desviar al espectador por su efectismo deslumbrante de la esencia del arte de Goya, que reside por encima de todo en su magistral sencillez y veracidad, que se manifiesta aquí de forma clara gracias al buen estado de conservación de la obra.
En este retrato, en el que Goya va más allá del arte de su tiempo y rompe, voluntariamente, con el Neoclasicismo imperante, entrado de lleno en los nuevos modelos franceses surgidos tras la Revolución.

La duquesa de Abrantes.

Doña Manuela Isidra Téllez-Girón y Alonso de Pimentel (1793-1838) fue la hija menor de los duques de Osuna  y hermana de la marquesa de Santa Cruz, retratada asimismo por Goya. En 1813 casó con don Ángel María de Carvajal y Fernández de Córdoba y Gonzaga (1793-1839), futuro VIII duque de Abrantes (1816). Como el resto de sus hermanos recibió de su familia una educación ilustrada y entre sus aficiones estaba la música y el canto, como revela Goya en su retrato por medio de la partitura musical. Fue el último retrato que pintó Goya de una dama de la aristocracia, que en este caso fue pagado por la madre, la duquesa de Osuna, que siempre había protegido al artista .

Los duques de Osuna eran, junto con los de Alba, de las familias más importantes de la época. El matrimonio Osuna por sus riquezas, su inquietud intelectual y su mecenazgo con acreditados artistas, son  de los más significativos personajes. Contagiados por el espíritu de la Ilustración, se comprometieron con instituciones, con una voluntad reformista como la Sociedad Económica de Amigos del País de Madrid. A pesar de la resistencia a dar entrada a las mujeres, su constancia reivindicativa acabó por dar resultado en 1787, en que se crea la Junta de Damas De Honor y Mérito, presidida por la duquesa. Esta Junta desarrolló una importante labor para fomentar la educación femenina y mejorar las condiciones de vida de las cárceles de mujeres. las primeras campañas de vacunación y, en general lo que podríamos llamar políticas y sociales, especialmente para las mujeres y la infancia.

www.museodelprado.es









22 de enero de 2016

Constant: Nueva Babilonia, otra cuidad para otra vida.

La exposición, en el Museo REINA SOFÍA,  reunirá alrededor de 150 obras y abundante material documental. 
HASTA EL 29 DE FEBRERO.


Durante casi veinte años, Constant (Constant Anton Nieuwenhuys, Ámsterdam, 1920 - Utrecht, 2005) elaboró maquetas, pinturas, dibujos y collages que mostraban su concepción de la ciudad nómada del futuro – Nueva Babilonia–, un complejo y amplio laberinto que transformaba el mundo entero en una sola red. La tierra sería de propiedad colectiva, el trabajo estaría totalmente automatizado y a cargo de robots, las personas tendrían la libertad de dedicar el tiempo al juego creativo.




El Museo Reina Sofía y el Gemeentemuseum de La Haya pretenden difundir entre un público amplio el proyecto de Constant, por el que artistas, arquitectos y comisarios han manifestado un interés creciente en los últimos años. El núcleo principal de la muestra es Nueva Babilonia como «obra de arte» en el contexto social en el que se concibió. De aquí que se complementen los dibujos, collages, maquetas, pinturas y grabados con una serie de reconstrucciones, fragmentos de películas históricas y materiales de archivo.

La exposición no se circunscribe solo al período comprendido entre 1956 y 1974, en el que se suele enmarcar Nueva Babilonia; abarca también otras etapas, con el fin de evidenciar que las ideas expresadas en el proyecto de Nueva Babilonia ya estaban presentes en la obra de Constant, aunque formuladas con menos claridad, desde una época muy anterior –cuando formó parte del grupo CoBrA entre 1948 y 1951-, y no desaparecieron por completo con posterioridad a 1974.Se dedicará también un apartado a la influencia en el trabajo de Constant de un difuso imaginario cultural (lo gitano, lo flamenco, lo lumpen) que podría ser identificado con la cultura española.




El núcleo principal es ver la Nueva Babilonia como «obra de arte» en el contexto social en el que se concibió. De aquí que se complementen todos los materiales comentados anteriormente con fragmentos de películas históricas, materiales de archivo y dos reconstrucciones realizadas especialmente para esta exposición, fruto de la nueva labor de investigación llevada a cabo con motivo de la muestra. Se incluyen Een ruimte in kleur [Un espacio en color], instalación realizada originalmente para la exposición Mens en Huis [Hombre y casa], del Stedelijk Museum de Amsterdam (1952), en colaboración con Aldo van Eyck y Lucebert; y la reconstrucción de una sección del Deurenlabyrinth [Laberinto de puertas], cuyo original realizó para la exposición New Babylon del Gemeentemuseum (1974).





Pero la exposición no solo se circunscribe al período comprendido entre 1956 y 1974, en el que se suele enmarcar Nueva Babilonia; abarca también otras etapas, con el fin de mostrar que las ideas expresadas en este proyecto estaban ya presentes en la obra de Constant desde una época muy anterior y no desaparecieron por completo en los años posteriores a 1974.
http://www.museoreinasofia.es/prensa/nota-de-prensa/constant-nueva-babilonia

17 de enero de 2016

SaraLavispa



Sara Fernández Carramiñana, creadora de la firma LaAvispa: Inquieta, apasionada, vital y muy curiosa. Esa curiosidad, relacionada sobre todo con lo creativo, le llevó a estudiar Diseño de Joyería y Orfebrería en la Escuela de Arte 3 de Madrid después de terminar Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.

Desde hace años elabora sus propias piezas, todas ellas están diseñadas y elaboradas a mano. Utiliza una gran variedad de materiales, diferentes metales ( plata, oro, latón...), piedras naturales, maderas, metacrilatos... Y nunca de deja de buscar, de mirar, de investigar y de aprender nuevas técnicas, procesos, y materiales que aplica a todos sus objetos.


Dibujos para pulseras y brazaletes, realizadas por la diseñadora.



Piezas en plata diseñadas y cortadas una a una,  para colgantes y collares.



Brazalete en latón grabado, cortado y trabajado manualmente.
Pendientes en metacrilato existentes en varios colores.

Desde 2006 se exponen en Tíltide las piezas de joyería y bisutería que Sara ha ido elaborando durante estos años. La mayoría de ellas están pensadas para mujer, se componen de una base de metal, adornado con gemas o cuentas de cristal que aportan color y luminosidad a las piezas, y todas ellas forman un conjunto de elementos sencillos pero atractivos.


Collar de la colección  DRAVA.







Colgante realizado con piezas de cerámica y un anillo bañado en oro, cortado irregularmente y faceteado por la artista.










Pulseras con piedras naturales (jade, turquesa, onix...)  y metales, trabajados individualmente, cortados y pulidos.


Alfileres de la Colección Origami.  Latón bañados en oro.


También es integrante del Grupo Artístico “La Avispa Verde”, y ha presentado su primera exposición: "La atracción del Vintage” que se realizó en diciembre de 2010 en este mismo espacio y que posteriormente ha sido llevada a otras galerías como “ Artefacto” en Carboneras ( Almería). La segunda A Escena se presentó con gran éxito en diciembre de 2014, en Tiltide.



Aplauso de la Colección A Escena.. Tinta seriada de la Avispa verde.

SaraLavispa en Ciento y pico Market.






Su tienda en etsy:

https://www.etsy.com/es/people/saralavispa?ref =hdr_user_menu

 saralavispa@gmail.com.

http://tiltide.blogspot.com.es/2011/09/sara-fernandez.html
http://www.saralavispa.com/
http://joyeriasaralavispa.blogspot.com.es/
https://www.facebook.com/joyeriasaralavispa?fref=tl_fr_box 



10 de enero de 2016

JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ

Acuarelista, escultor, dedicado desde muy joven a la expresión artística en técnicas diversas: mixtas, collages y tintas. Creador e impulsor de la Galería Tíltide, desde el año 2.000, donde se encuentra ubicado su estudio; y  donde además de tener una exposición permanente de su obra, comparte el espacio de la Galería con grandes artistas.

 Acuarelas


         
      Donde el aire es verde  
Acuarela sobre papel. Marina.
        Medidas: 14 x 38 cms.
       




Aire de sol
Acuarela sobre papel. Marina.
Medidas: 56 x 76 cms





Arroyo del olvido
Acuarela sobre papel. Paisaje.
Medidas: 18 x 28 cms




   
Invierno
Acuarela sobre papel. Bodegón.
Medidas: 56 x 76 cms.





La Biblioteca
Acuarela sobre papel. Paisaje urbano.
Medidas: 28 x 38 cms.





La caricia del azul
Acuarela sobre papel. Marina.
Medidas: 76 x 100 cms.





La huella del aire
Acuarela sobre papel. Marina.
Medidas: 25 x 57 cms.




Verdes de Valencia
Acuarela sobre papel. Paisaje urbano.
Medidas: 28 x 38 cms.



Currículum

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

Desde 1988, hasta hoy, expone individualmente en diferentes Galerías
de Arte, en Madrid, Almería,  Zaragoza y Pedraza (Segovia).
A partir del año 2000, expone en la Galería Tíltide, donde instala su estudio
y realiza exposiciones anuales, estando su obra permanentemente a disposición
del público.

                                                         
CERTÁMENES


1986   X Certamen Nacional de Acuarela.Madrid      
           
1987   XI Certamen Nacional de Acuarela.Madrid

1990   XVII Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid.

1991   Exposición Nacional de Acuarela.Madrid.

1992   LIX Salón de Otoño.Madrid.

           XXX Exposición de San Isidro de Temas Madrileños.

           Certamen de Acuarela de la Casa del Reloj.Madrid.

1993   I Salón de Invierno de Acuarelas. Madrid.      
                      
1996   XXXIV Exposición de San Isidro de Temas Madrileños.

           XXIII Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid.

           LXIII Salón de Otoño.Madrid.

           IV Salón de Invierno de Acuarelas.Madrid.

1997   XXIV Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid

           Galería Gaudí.Colectiva.Madrid.

          VIII Certamen de Acuarelas "El Tormo".Cuenca.

1998     I Salón de Acuarela y la Navidad. Madrid.    
           
                                                    1999    VI Salón de Invierno de Acuarelas . Madrid.
                                                                                          
2007    IV Certamen Francisco Revelles de Acuarela

                                                              
OBRA PERMANENTE EN INSTITUCIONES Y COLECCIONES

Mural escultórico taurino (25 mts) situado en el vestíbulo de la estación de Metro de la Plaza de Toros de Ventas. Madrid.
Obra Cultural de la Caja de Ahorros de Almería.   
Ayuntamiento de Madrid.
Comunidad de Madrid.
Ayuntamiento de Pedraza. Segovia.
Colecciones privadas en España: Madrid, Barcelona, Mallorca, Zaragoza, Vigo, Orense, Almería, Oviedo y Segovia.
en la Unión Europea: París, Italia y Escocia. En  EEUU, Wasington,.

BLIOGRAFÍA

Acuarela. Exposición Nacional.(Catálogo). Ayuntamiento de Madrid. Madrid 1991. Págs. 84 y 186.
LIX Salón de Otoño.(Catálogo). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1992. s/p, nº 29.
"Nueva estación de Metro en Ventas".Ya. Madrid, 9 de mayo de 1989. Pág, 21.
"El mural escultórico de José Luis Fernández González."Tecniarte.Madrid, 25 de junio de 1991. Págs.18 a 22.
"Acuarelas de José Luis Fernández". El Punto de las Artes.Madrid, 18 a 24 de febrero 1994.
LXIII Salón de Otoño.(Catálogo.). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1996.Pág. 56.
Diccionario de Pintores y Escultores del siglo XX.Ed. Forum Artis.
“Trazo casual”. El Mundo. MetropoliMadrid, 16 de marzo de 2001, pág. 48.
“Paisaje Urbano”. El Mundo.Metrópoli.Madrid, 8 de junio de 2001, pág. 42.
“Lienzos de verano”. El Mundo . Metrópoli.Madrid, 7 de diciembre de 2001, pág. 50
 Desde el año 2001, criticas de las exposiciones en El Punto de las Artes.


  


“Instante”

Mural escultórico de José Luis Fernández, construido en acero cortén, cobre y latón, situado en el Vestíbulo de la Estación de Ventas del Metro de Madrid. Medidas: 25 x 3 metros.  
            

  


7 de enero de 2016

En el CentroCentro CIBELES

IGNACIO ZULOAGA Y MANUEL DE FALLA: HISTORIA DE UNA AMISTAD





HASTA EL 31 DE ENERO

La amistad entre Ignacio Zuloaga y Manuel de Falla, a parte de una relación afectiva entre los dos artistas y sus familias, genera un buen número de trabajos y colaboraciones artísticas, de las más diversas índoles, es decir, no sólo obras conjuntas sino numerosas manifestaciones artísticas realizadas en su entorno.
La exposición explora por primera vez en profundidad el trabajo común y la influencia que estos excepcionales creadores ejercieron entre ellos y sobre su ámbito de trabajo y vida. Hemos logrado reunir un gran número de obras, documentación y objetos que nos ayudarán a contextualizar el trabajo de ambos autores y su época.


Los primeros documentos de esta amistad continuada entre Zuloaga y Falla los encontramos en 1913, fecha en la que el compositor solicita una ayuda y consejos a su amigo pintor. A partir de ese momento, habrá una relación epistolar y un buen número de trabajos realizados entre ambos artistas, a través de numerosos encuentros en París, Madrid y Granada. Varios proyectos tomaron forma, algunos se materializaron y de esta relación fecunda pasados quince años surgiría “El retablo de maese Pedro”, representado en la Ópera de París en 1928.



“El retablo” supone la culminación profesional conjunta de dicha amistad, que fue creciendo a los largo de los años a través de colaboraciones directas de uno u otro en proyectos personales, que podemos enlazar desde sus comienzos con “La vida breve”, el proyecto realizado junto con Larreta sobre “La gloria de Don Ramiro”, la exposición del 22 y la celebración del Concurso de Cante Jondo en Granada, con ayuda de García Lorca, con la idea de promocionar a los artistas jóvenes locales y fomentar “lo gitano”  y “el cante y el tocar Jondo”.  Esta relación cercana e intensa propiciaría la llegada del “retablo de maese Pedro” basada en un pasaje del “Quijote” de Cervantes con la obra plástica de Zuloaga y la musical de Falla. Una amistad inteligente que se fortalece y estrecha entre los dos artistas, pero que trasciende a los dos amigos, generando un movimiento y un resultado creativo artístico en la generación de su época.

25 SEPTIEMBRE 2015 – 31 ENERO 2016

CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1. 28014 Madrid | t +34 91 480 00 08 | centrocentro@centrocentro.org

4 de enero de 2016

En el ESPACIO TELEFÓNICA

Theo Jansen. 

Primera exposición en España de las esculturas cinéticas de este artista holandés.
Si no la has visto todavía, no te lo pierdas. Solo hasta el 17 de enero de 2016.



Theo Jansen nació en 1948 en los Países Bajos, en un pequeño pueblo costero junto a La Haya y se formó como ingeniero y científico en la Universidad Tecnológica de Delft. En 1986, tras leer El relojero ciego del zoólogo británico Richard Dawkins, quedó fascinado por la teoría de la evolución y la selección natural de las especies.

En 1990 decidió centrar su trabajo en la creación de seres artificiales y aplicó sus conocimientos de ingeniería a las bestias de playa. “Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente”, asegura. En 2007 una de sus criaturas apareció en una campaña publicitaria, y la obra de Jansen adquirió fama internacional. Desde entonces se ha expuesto en museos de todo el mundo
Decía en aquella columna del Volkskrant que había inventado unos animales que al igual que los castores en el parque natural de Biesbosch, podrán ayudar a mejorar el equilibrio ecológico” de la costa. Los creó “a partir de tubo rígido de canalización eléctrica y cinta adhesiva” y obtenían la energía ”del viento, de modo que no tienen que comer”. Con el paso de los años, Theo Jansen ha aparcado la idea de usar sus Strandbeest para frenar los efectos del cambio climático. Su trabajo ahora se centra en crear formas de vida autosuficientes, capaces de sobrevivir y perpetuarse en su hábitat.

Todos las bestias de playa comparten un secreto matemático, los trece “números sagrados” que Theo Jansen calculó hace 25 años con un ordenador Atari. Los números sagrados indican la longitud de los tubos que componen las patas y definen la peculiar forma de caminar de los animales de playa. El artista usó un programa informático que generaba, seleccionaba y mejoraba cientos piernas diferentes. El proceso se repitió sin descanso durante meses hasta que Jansen obtuvo las medidas ideales para las patas. Darwinismo acelerado por ordenador.





La idea de la evolución está muy presente en la obra de Theo Jansen. El artista holandés inventa constantemente nuevos mecanismos para sus criaturas. Los que resultan útiles sobreviven y saltan a las siguientes generaciones. Los que no funcionan bien, acaban extinguidos y enterrados. Las bestias de playa han desarrollado cerebros, trompas, estómagos y extremidades para anclarse al suelo. La mayoría de esos órganos se han perdido por el camino porque no ayudaban al animal a sobrevivir en su entorno.
Otro elemento común de todos Strandbeest es el tubo de plástico. En su libro The Great Pretender, Theo Jansen reconoce que la verdadera inspiración para sus bestias fueron los tubos de cableado eléctrico de color amarillento, que son típicos de los Países Bajos. Estos conductos con aspecto de hueso son el material principal de los animales de playa. Jansen compró en su día 50 kilómetros de tubo de plástico y evita cualquier material que no sea ese, aunque utilizó palés de madera durante una etapa muy breve.

EspacioFundación Telefónica:
http://espacio.fundaciontelefonica.com/theo-jansen/ 
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