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27 de febrero de 2016

Clase abierta: Cómo pintar una acuarela.


José Luis Fernández es un pintor, escultor y acuarelista madrileño. Dedicado desde muy joven a la expresión artística en técnicas diversas: mixtas, collages y tintas, escultura; creador e impulsor de la Galería Tíltide, desde el año 2.000, donde se encuentra ubicado su estudio, y  donde además de tener una exposición permanente de su obra, comparte el espacio de la Galería con grandes artistas.

El jueves 25 de febrero comunicó parte de lo aprendido a lo largo de sU experiencia como acuarelista, en una CLASE ABIERTA, a un auditorio diverso, entusiasta y motivado: genial; al que agradece desde aquí, su presencia.









 

                                 
       




              

Al estilo de JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ:

Mi técnica y estilo, son muy personales y despojados de los límites que muchas veces quedan profundamente arraigados a través de una enseñanza encorsetada en tradicionalismos y formas, como sucede muchas veces en el caso de la acuarela.

Este camino solitario que he elegido, supone riesgos importantes; pero a lo largo del tiempo he descubierto que me ha merecido la pena, porque  la libertad en la que me he desarrollado a la hora de pintar y hacer cualquier representación artística, ha sido prácticamente total. Los resultados que he logrado han sido magníficos. He descubierto un hacer que me ha revelado paisajes y escenas que evocan algo más allá de lo visible y que es lo que realmente he buscado.

Mi manera de pintar acuarelas requiere rapidez  y ritmo, jugando con el agua, los pigmentos y el papel, como si fuera un concierto donde las notas musicales, los silencios, el ritmo… fueran los colores, las formas, los volúmenes…


Aires del Guadalquivir. Acuarela sobre papel
28x38 cms.
Colección particular. 

 Con mis acuarelas, no intento transmitir ningún mensaje ideológico o conceptual, sino encontrar un nuevo mundo. Algo inexistente en la realidad visible, pero que a través de mis acuarelas he podido manifestar. Evidentemente, esto no siempre sucede así, pero no por ello dejo de pintar hasta conseguirlo.

Verdes de la Laguna. Acuarela sobre papel
28x38 cms.
Colección particular. 

 Me gusta la acuarela porque me permite un resultado inmediato. Aunque el riesgo de equivocarme es grande, mi juego con la humedad del papel y la pincelada sobre seco, parece una batalla entre el agua y yo, donde aquella, en principio, tiene todas las de ganar. Por eso intento conquistar al agua, para que no marque las reglas cuando ella quiera, sino cuando yo se lo “insinúe”. Muchas veces no me hace caso y arruina algo que llevaba un buen camino.

En la acuarela tradicional se establecen unas condiciones de relación “profesional” entre el agua y el artista que no pueden obviarse, bajo riesgo de crearse cortados y manchas inadmisibles.

Yo, en cambio, no he querido aceptar esas condiciones. Quiero que el agua vaya y haga lo que yo quiero, en donde quiero, y cuando yo quiero, lo que es realmente difícil; con lo cual, como ella hace lo que le da la gana, el asunto se pone feo. Yo se lo que quiere y si mi manera de pintar fuese la tradicional, no tendríamos ningún altercado; pero no es así. Por lo cual trato de conquistarla, para que me conceda algunas licencias, donde quizás esos posibles “fallos”, no sean tales; puesto que se quedan inmersos en la armonía del conjunto que es el objetivo fundamental.

Punta de la Luz. Acuarela sobre papel
28x76 cms.
Colección particular. 

Me gusta la acuarela porque me permite un resultado inmediato. Aunque el riesgo de equivocarme es grande, mi juego con la humedad del papel y la pincelada sobre seco, parece una batalla entre el agua y yo, donde aquella, en principio, tiene todas las de ganar. Por eso intento conquistar al agua, para que no marque las reglas cuando ella quiera, sino cuando yo se lo “insinúe”. Muchas veces no me hace caso y arruina algo que llevaba un buen camino.

En la acuarela tradicional se establecen unas condiciones de relación “profesional” entre el agua y el artista que no pueden obviarse, bajo riesgo de crearse cortados y manchas inadmisibles.

Los colores del silencio. Acuarela sobre papel
19x28 cms.
Colección particular
                                     
Yo, en cambio, no he querido aceptar esas condiciones. Quiero que el agua vaya y haga lo que yo quiero, en donde quiero, y cuando yo quiero, lo que es realmente difícil; con lo cual, como ella hace lo que le da la gana, el asunto se pone feo. Yo se lo que quiere y si mi manera de pintar fuese la tradicional, no tendríamos ningún altercado; pero no es así. Por lo cual trato de conquistarla, para que me conceda algunas licencias, donde quizás esos posibles “fallos”, no sean tales; puesto que se quedan inmersos en la armonía del conjunto que es el objetivo fundamental.



Hay quien descubre que las obras de arte,
son ventanas a otros mundos.
Y que la gran mayoría de las veces,
engrandecen el paisaje de la vida.

El artista,
imitando la naturaleza,
a fuerza de agua,
minerales, aceites…
y otros ungüentos,
crea sus propios jardines.

Como un preciado tesoro
que duerme
en la profundidad del papel…
del lienzo, del cartón…

Y a veces surge
como un regalo…
Ese algo indefinible…
La huella de lo inesperado…

Vestida… de la materia de los sueños.

Es el Arte.
Tentación infinita.
Fuegos artificiales,
en una noche de fiesta.

Bálsamo para los dolores del alma.

Verdes sobre Cibeles. Acuarela sobre papel
25x56 cms.
Colección particular.




Textos de José Luis Fernández


OBRA PERMANENTE  de JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ EN INSTITUCIONES Y COLECCIONES:

Mural escultórico taurino (25 mts) situado en el vestíbulo de la estación de Metro de la Plaza de Toros de Ventas. Madrid.


Obra Cultural de la Caja de Ahorros de Almería.   
Ayuntamiento de Madrid.
Comunidad de Madrid.
Ayuntamiento de Pedraza. Segovia.
Colecciones privadas en España: Madrid, Barcelona, Mallorca, Zaragoza, Vigo, Orense, Almería, Oviedo y Segovia.
en la Unión Europea: París, Italia y Escocia, y en  Washington (EEUU).


BIBLIOGRAFÍA:

Acuarela. Exposición Nacional.(Catálogo). Ayuntamiento de Madrid. Madrid 1991. Págs. 84 y 186.
LIX Salón de Otoño.(Catálogo). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1992. s/p, nº 29.
"Nueva estación de Metro en Ventas".Ya. Madrid, 9 de mayo de 1989. Pág, 21.
"El mural escultórico de José Luis Fernández González."Tecniarte.Madrid, 25 de junio de 1991. Págs.18 a 22.
"Acuarelas de José Luis Fernández". El Punto de las Artes.Madrid, 18 a 24 de febrero 1994.
LXIII Salón de Otoño.(Catálogo.). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1996.Pág. 56.
Diccionario de Pintores y Escultores del siglo XX.Ed. Forum Artis.
“Trazo casual”. El Mundo. MetropoliMadrid, 16 de marzo de 2001, pág. 48.
“Paisaje Urbano”. El Mundo.Metrópoli.Madrid, 8 de junio de 2001, pág. 42.
“Lienzos de verano”. El Mundo . Metrópoli.Madrid, 7 de diciembre de 2001, pág. 50
 Desde el año 2001, criticas de las exposiciones en El Punto de las Artes.
  

ESTUDIO:
Galería Tíltide.
Fernando el Católico 28
28015 Madrid.

20 de febrero de 2016

En Tíltide este mes de febrero de 2016.

 Entrad en Tíltide:
Un espacio de ARTE y CULTURA.

Seréis bienvenidos.



 Desde el año 2000, fecha en que se fundó, Tíltide ha reunido a quienes han querido disfrutar  de exposiciones, tertulias, conferencias, viajes..., realizadas tanto en su sede como en distintos lugares, según los acontecimientos culturales del momento.








 Con el paso de los años se ha ido transformando: ha conocido a nuevos creadores, la compartido las últimas tendencias y ha aprendido a encontrar en la tradición elementos imperecederos. 


Ahora se pueden contemplar las obras de La  Avispa Verde, un equipo formado por Sara Fernández, diseñadora, y José Luis Fernández, artista plástico, que buscan experimentar  nuevos caminos de creación en el ámbito de la obra sobre papel. Han utilizado técnicas mixtas, basadas en el empleo de diversos materiales que se integran en collages, los cuales se representan finalmente mediante la técnica de impresión digital seriada. 





La atracción del Vintage: Doce visiones inspiradas en la moda y otras creaciones. Obra gráfica, realizada sobre papel, a partir de antiguas imágenes del mundo de la moda, la creación y el diseño, con el objeto de expresar y comunicar una nueva sensación estética, mediante la inclusión de dibujos, pinturas y formas que enriquecen con su armonía imágenes que durante las primeras décadas del siglo XX, fueron utilizadas para trasmitir las creaciones que la publicidad y la moda de la época diseñaban conforme a las tendencias y gusto que esos momentos marcaban.



Noche de copla.

En A escena se empelan como elementos estéticos centrales los diseños de joyería de Sara Fernández, mostrados como si de una escenografía se tratara, acompañados por otros elementos (dibujos, papeles, acuarelas...) que los dos artistas, Sara y José Luis, han combinado juntos, para conseguir una obra armónica y evocadora. 

También  se pueden contemplar y adquirir los nuevos  diseños de joyería de Saralavispa: collares, brazaletes, pendientes, pulseras... realizados por Sara Fernández, Saralavispa, para esta ocasión. Una nueva línea: SILVER SOUND. 































Y el JUEVES 25 DE FEBRERO: Un regalo para la mirada.



Tíltide
C/ Fernando el Católico, 28
28015 Madrid.
Abierto mañanas de 11 a 14 y tardes de 18.30 a 21.00 h.
www.facebook.com/matilde.carraminanaruiz
tiltide.com


18 de febrero de 2016

Marc Chagall en la FUNDACIÓN CANAL.

HASTA el 10 DE ABRIL

Una exposición centrada en la obra gráfica de Marc Chagall (Vítebsk, Bielorrusia, 1887- Saint-Paul de Vence, Francia, 1985), uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. La muestra recorre casi cuatro décadas de su actividad artística. 



 Un total de 100 obras sobre papel, procedentes de los fondos de la Marc Chagall Collection C.S. Paris, del Kunstmuseum Pablo Picasso Münster (Museo Pablo Picasso Münster), que reflejan temas profanos, como las fantásticas descripciones de la vida cotidiana rusa inmortalizada en los grabados del libro de artista Les âmes Mortes (Las almas muertas), de Nikolái Gogol, y temas sagrados como las ilustraciones de la Biblia aparecidas en 1956 en París.



La exposición ofrece una visión íntima y exhaustiva del pensamiento artístico de Chagall, para quien “la Biblia es un drama secular y el mundo es una parábola religiosa”.





Marc Chagall nace en el gueto judío de la ciudad de Vitebsk, Bielorrusia, en el seno de una familia modesta y numerosa. Es el mayor de nueve hermanos. Se traslada a San Petersburgo, donde malvive durante algún tiempo buscando mecenazgo. Tras una breve temporada como alumno de la escuela de Bellas Artes, un diputado de la duma, Vivaner, le pone en contacto con Lev Baskt, el famoso escenográfo de los Ballets Rusos, que se convierten en su maestro. Baskt pronto advertirá el potencial creativo del joven pintor.

   
En 1910, Vivaner le facilita una beca para trasladarse a París. Al año siguiente se instala en un estudio de: La Ruche: (La Colmena ), donde entabla amistad con la plana mayor de la vanguardia parisina, sobre todo con los poetas Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaire y los pintores Chaim Soutine, Fernand Léger y Robert Delaunay.  Entre ellos siempre se sintió un pintor provinciano.


 E1914 regresó a Vitebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld, a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permanece en su pueblo natal. En 1915 se casa con Bella y el siguiente año tienen una hija a la que llamaron Ida.    
                                                                      
   
Chagall se volvería un participante activo en la Revolución Rusa de 1917. El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte para la región de Vitebsk, donde fundó una escuela de arte. Sin embargo, no se sintió bien dentro del sistema soviético y por esta razón se muda a Moscú  y luego a París en 1923.


                                                                          
    
A través de sus brillantes colores, extrañas figuras e inusual composición, esta obra de Marc Chagall nos habla de un Paris misterioso e indescifrable en el que nada –ni nadie- es realmente lo que creemos que es.                                                                                                                  
Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París y se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que  escapara de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instala  en Estados Unidos.

Como hemos podido comprobar, se  inspiró siempre en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.    



                                                                             
                Ixotype - Blog - Chagall - El violinista
                          


Ixotype - Blog - Chagall - La habitación amarilla



                       EL VIOLINISTA AZUL - CHAGALL


                                                   

A quince años de su muerte (acaecida el 28 de marzo de 1985) Marc Chagall sigue siendo uno de los artistas de mayor influencia en esta transición entre el siglo XX y el XXI. No sólo se dedicó a la pintura sino que escribió poesía, diseñó escenografías y vestuario, realizó ilustraciones de libros, cerámica, vitrales, mosaicos, esculturas, tapices y obra gráfica.

Comisario de la exposición: Markus Müller, Director del Kunstmuseum Pablo Picasso Münster (Museo Pablo Picasso Münster)

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8 de febrero de 2016

La Fundación Francisco Giner de los Ríos

 La Institución Libre de Enseñanza inauguró el pasado 11 de diciembre su nuevo edificio y la exposición "El maestro de la España Moderna. Francisco Giner de los Ríos y la Institución Libre de Enseñanza"




Se han conservado y rehabilitado íntegramente los edificios históricos: la casa de Giner y Cossío, edificio preexistente a la instalación de la Institución, y el Pabellón Macpherson, como un objeto que atesora la memoria de la arquitectura escolar inspirada por la ILE antes de su implantación como modelo con validez general. En ambos casos se han mantenido las fachadas, el volumen y la espacialidad originales.


Antiguas instalaciones , hoy recuperadas  o edificadas de nuevo.
El edificio en la actualidad.

Esta es la primera ocasión en que se presenta en su conjunto el proyecto modernizador de la sociedad española diseñado y ejecutado por Giner y sus colaboradores de la ILE, que propició una segunda Edad de Oro de la cultura española en el primer tercio del siglo XX.

La exposición, que podrá verse hasta el 10 de abril de 2016, ofrece una panorámica inédita de Giner y del proyecto institucionista, más allá del aspecto pedagógico. La educación,  concebida como motor del cambio social, incluía la modernización científica y la reforma social.

La muestra hace un recorrido por la biografía de Ginerde la Institución Libre de Enseñanza y de su proyecto renovador, que se desarrolló por medio de plataformas como el Museo Pedagógico Nacional (1882), el Instituto de Reformas Sociales (1883) o la Junta para Ampliación de Estudios (1907) y sus centros, entre ellos la Residencia de Estudiantes. Una segunda parte de la muestra aborda la vigencia y actualidad de la propuesta institucionalista y de sus principales señas de identidad: la innovación en la educación y en la investigación científica y técnica; la defensa del medio ambiente y de la cultura como  patrimonio de todos.


Las más de 400 piezas de la exposición, muchas de ellas inéditas o muy raras, incluyen pinturas, esculturas, documentos, fotografías, filmaciones de época y otras películas, cartas, muebles, juguetes, trajes, libros, revistas, manuscritos y otros objetos,  las procedentes de instituciones como el Museo del Prado, la Biblioteca Nacional, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), el Museo Nacional de Artes Decorativas, el Museo Sorolla o la Residencia de Estudiantesentre otros. 
Aureliano de Beruete, Joaquín Sorolla, Emilia Pardo Bazán, Federico García Lorca, Maruja Mallo, Benjamín Palencia, Alberto García-Alix, Eduardo Arroyo o Darío Villalba son algunos de los creadores presentes, todos ellos relacionados, de un modo u otro, con la ILE.





FRANCISCO GINER DE LOS RÍOS nació en Ronda (Málaga) en 1839, en el seno de una familia de clase media. Al terminar sus estudios de Derecho en Granada, se instaló en Madrid para hacer el doctorado. Allí se introdujo en el círculo del krausismo, fundado por Julián Sanz del Río (1814-1869), a quien un ministro de Espartero envió a Alemania para que trajera a España algunas ideas eclécticas y moderadas que modernizaran el ideario del progresismo español. 

Con la Revolución de 1868, los krausistas llegaron al poder. El joven Giner tenía 29 años participó en la reforma de la enseñanza que se intentó aplicar durante la Primera República, cuando ocupó la Presidencia su amigo Nicolás Salmerón. Centralizadora y radical, dicha reforma cosechó la oposición unánime del profesorado universitario, aunque apenas estuvo vigente 10 días, porque el ritmo vertiginoso de la política republicana impuso un cambio en la jefatura del Estado. Después de aquello, Giner se retiraba definitivamente de la política, si bien no renunciaría a su radicalismo. 


Con la llegada de la Restauración, en 1875, respondió al pulso que le lanzó el ministro encargado de Instrucción Pública. Fue expulsado de la universidad y encarcelado durante 48 horas. Muerto Sanz del Río, él ya era el líder espiritual del nuevo krausismo.Ahora se convertía en la encarnación del espíritu radical del sexenio revolucionario. 





Pero las cosas ya no eran como antes. El radicalismo había fracasado, hubo bastantes intentos de mediación rechazados por el pedagogo y nadie, salvo el grupo cada vez más pequeño de fieles, se solidarizó con él. Aprovechando la legislación liberal, fundó con su círculo, en 1876, una universidad privada a la que llamaron Institución Libre de Enseñanza. Entre los fundadores estaban Gumersindo de Azcárate, Laureano Figuerola, Segismundo Moret y Juan Valera. 



Allí se atrincheraron en defensa de los antiguos ideales, pero no eran tiempos de apostarse en las trincheras, sino de diálogo, de negociación y de renovación. Así que a la nueva universidad privada apenas acudieron algunos alumnos y acabó cerrando. Más éxito habían tenido las clases de segunda enseñanza y de primaria. 



La institución se reconvirtió en un colegio privado con unos 300 alumnos estables. Los amigos de Giner se fueron alejando del proyecto, porque la Restauración les abría una segunda oportunidad, y él se quedó solo al frente de su institución. Allí formaría a toda una generación de jóvenes que le dedicarían un culto similar al que los discípulos de Sanz del Río habían dedicado al maestro. 





     http://www.fundacionginer.org/
    Dirección: Paseo del General Martínez Campos, 14, 28010 Madrid
    Teléfono:914 46 01 97
    Horario: De lunes a sábado de 11 a 20 h. Domingos y festivos de 11 a 15 h.

6 de febrero de 2016

El día a día en una obra de arte.

"SI EL SOL FUERA UN POBLADO INDIO"

Un  bello calendario  realizado con respeto y cuidado 
por Inés Sánchez Nadal (ilustraciones) 
y
Carmela Sánchez Nadal (textos).

Impreso artesanalmente en serigrafía, por Erling Khudsen
realizando las plantillas con luz solar,
en su taller Bosque Estampado.



No solo conoceremos el día a día,
también nos acercaremos al Sol:
su formación, su origen...
Y las ilustraciones con los indios como protagonistas:
 elementos relacionados con el Sol: "Como si el Sol fuera un poblado indio"



"El sol nació hace unos 4.600 millones de años, a partir de una inmensa nube de gas y polvo. 
Debido a la onda expansiva y a la materia  aportada por un cercano cataclismo, 
comenzó a contraerse sobre sí misma y a girar a gran velocidad...
Y a su alrededor otros agregados de materia los planetas"

Y ahí están nuestros protagonistas.



 Y la masa se convierte en energía


Y la energía en el interior del Sol es Luz.


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¡De sorpresa en sorpresa....!



Tú también puedes conseguirlo. 

Dirígete a Tiltide: tiltide@gmail.com , y te diremos qué tienes que hacer.




4 de febrero de 2016

Mujeres en Vanguardia.

En la Residencia de Estudiantes de Madrid.
Hasta el 27 de marzo de 2016.

Un homenaje al primer centro oficial creado en España para fomentar la educación superior de la mujer: un paso decisivo hacia la igualdad de los derechos de las mujeres, inspirado en la Institución Libre de Enseñanza.


En octubre de 1915 abrió sus puertas la Residencia de Señoritas, el grupo femenino de la Residencia de Estudiantes, creado —al igual que el masculino— por la Junta para Ampliación de Estudios (JAE). Cuando se cumplen cien años de la puesta en marcha de aquella iniciativa, Acción Cultural Española y la Residencia de Estudiantes han querido celebrar el centenario del grupo femenino de la Residencia rindiendo homenaje al que fue el primer centro oficial creado en España para fomentar la educación superior de la mujer y, a través de esta exposición, mostrar el paso de gigante hacia la igualdad de los derechos de las mujeres que supuso aquel proyecto de renovación de la sociedad española inspirado por la Institución Libre de Enseñanza (ILE).


Con este fin, tras ofrecer un recorrido por las propuestas relacionadas con la educación femenina y con la incorporación de las mujeres a la vida profesional que, desde el último tercio del siglo XIX, promovieron los hombres y mujeres vinculados a la ILE, las salas de la exposición, a través de una selección de libros, documentos, fotografías y obra plástica, reconstruyen la formidable aventura de la Residencia de Señoritas, que, en sus veintiún años de vida, no sólo alcanzó importantes logros materiales —pasó de ocupar la pequeña villa en la que se inauguró en la madrileña calle de Fortuny, con capacidad para treinta estudiantes, a tener doce edificios con cabida para cerca de trescientas—, sino que también consiguió que de sus aulas saliera un grupo excepcional de mujeres altamente cualificadas, gracias a las que el modelo social tradicionalmente asociado a la condición femenina empezó a experimentar una auténtica transformación.



La creación de la Residencia de Señoritas se vincula de manera directa con el notable cambio en la situación social de las mujeres, que se produjo en España durante el primer tercio del siglo XX, Inspirado por la ILE.




En 1870, las primeras iniciativas están relacionadas con Fernando de Castro, fundador de la Asociación para la Enseñanza de la mujer. Continuadores de la tarea de defender los derechos de la mujer fueron Giner de los Ríos y los hombres y las mujeres de la ILE, comenzando por el de una educación en igualdad.

La  Junta para al Ampliación de Estudios (JAE) creada en 1907, amplió los estudios de las mujeres en el extranjero y en 1915 decidió extender la experiencia de la Residencia de Estudiante, fundada cinco años antes para  los chicos, a las mujeres. La directora fue María de Maeztu, abajo está su retrato.




En la exposición se exhiben otras obras emblemáticas de la pintora Delly Tejero, tales como "Representación de las regiones españolas", un boceto de "Las brujas", "Madres de la guerra" o un Autorretrato, fechado en 1936.






La estancia de Delhy Tejero en la Residencia de Señoritas marcó su vida y su trayectoria profesional. Y es que, cuando Delhy Tejero decidió instalarse en Madrid y, gracias a su estancia en la Residencia,  pudo conocer a gente maravillosa  en un ambiente cargado de intelectualidad y personalidad.













 Y además la obra  de Maruja Mallo, pintora surrealista española, muy cercana a  la Generación del 27.

La verbena. Óleo sobre lienzo de Maruja Mallo

Durante la década de 1920, conoció a Alberti, del que se enamora, a Lorca, Dali, Buñuel; trabajó para numerosas publicaciones literarias como La Gaceta Literaria, El Almanaque Literario o la Revista de Ocidente y realizó portadas de varios libros. Ortega y Gasset conoce sus cuadros en 1928 y le organiza su primera exposición en los salones de la Revista de Occidente, la cual obtuvo un gran éxito. Aquí tenemos otra obra suya.




Maruja Mallo y Josefina Carabias, apoyadas sobre su óleo Antro de Fósiles.

Victoriana Durán, también estudiante de la Residencia de Señoritas, fue decoradora y escenógrafa de la escena española de la década de 1930; se liberó del "arqueologismo de la escuela naturalista", creando una innovadora mezcla de "vanguardia y costumbrismo popular". Escribió acerca de su ideas estéticas renovadoras en una serie de artículos, publicados en los diarios La Voz y La Libertad, entre 1935 y 1936, bajo el título genérico Escenografía y vestuario.
Tras estallar la guerra civil española, en 1937 acompañó a Margarita Xirgu en su exilio americano y residió en Argentina. En ese país desempeñó de forma simultánea el cargo de directora artística de los teatros Colón y Cervantes. 


Tras la guerra, el exilio  se llevó a muchas de estas mujeres excepcionales, mientras que otras permanecieron en España, donde hubieron de adaptarse al retroceso impuesto por la dictadura.


Un grupo de alumnas, mujeres del siglo XXI, ante la puerta de la exposición.


Actividades Culturales Tíltide
C. Fernando el Católico, 28
Madrid.


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