Morandi. Resonancia infinita. FUNDACIÓN MAPFRE. Hasta el 9 de enero de 2022

La exposición Morandi. Resonancia infinita hace un recorrido retrospectivo por la obra de Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX. El pintor italiano apenas viajó fuera de Italia y permaneció casi toda su vida en su casa-taller de la Via Fondazza en Bolonia. Allí abordó un trabajo en el que los objetos cotidianos, las flores y el paisaje se convirtieron en protagonistas, con la intención de crear.  

«Un conjunto armonioso de colores, formas y volúmenes que obedecen exclusivamente a las leyes de la unidad, como la belleza de los acordes». (Ardengo Soffici)

Las primeras exposiciones de Morandi tienen lugar en el ambiente de fervor creativo impulsado por los futuristas. En marzo de 1914 expone en el Hotel Baglioni de Bolonia, en una muestra de un solo día, junto con Mario Bacchelli, y otros pintores. 

Las obras que nos quedan de la década de 1910 revelan el talento de Morandi para los paisajes, resueltos con una paleta escueta y una seguridad compositiva ya muy clara. Algunas de las pinturas que presenta en aquella exposición de Bolonia no han podido ser identificadas con absoluta certeza. Suponemos que entre ellas deben encontrarse algunos de los paisajes de esta exposición, como el de la imagen que aparece a continuación. Representan unos de los primeros estudios del natural que Morandi realiza durante sus estancias en Grizzana, el pequeño pueblo de los Apeninos boloñeses que el artista frecuenta a partir del verano de 1913. Y llevan la impronta de Cézanne, pero en "El bosque" también se reconoce la huella del cubismo en ese apretado follaje verde grisáceo que invade todo el espacio del lienzo. 

En Roma, Morandi participa en la Seconda Esposizione Internazionale d’Arte «Della Secessione» (febrero-junio de 1914), donde puede contemplar acuarelas de Cézanne y pinturas de Matisse, y en la Esposizione libera futurista internazionale de la Galleria. 

Con una composición más compacta, el artista regresa a la temática de las pinturas de la naturaleza muerta, donde los objetos aparecen vistos de tres cuartos, cortados, como en la imagen siguiente; algunos como árboles en un denso bosque, transfigurados en su impulso vertical.

 En cuanto al trazo, cabe preguntarse si la técnica de la punta seca utilizada por Picasso y Braque pudo dejar alguna huella. Desde luego, el trazo corto y recto, sin la menor inflexión, sin concesión alguna, denota un afán purista que no es exclusivo del Morandi de aquellos años.

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, Morandi es inmediatamente llamado a filas, pero al caer gravemente enfermo es licenciado al poco tiempo (1917). Es un año difícil para el pintor, que destruye gran parte de su obra. 

                              

 

Morandi no visita París y, en general, viaja muy poco, manteniéndose al día sobre el arte europeo a través de las revistas, los catálogos y las exposiciones que visita en Italia. Lee los escritos de Ardengo Soffici, estudia las obras de Cézanne, puede ver la obra de Renoir en la Bienal de Venecia, la de Monet en Roma y la de Cézanne en la Bienal de 1920, precisamente éste es un referente esencial para entender el rigor compositivo de Morandi.

Avanzando con coherencia a lo largo de los años, en una «anulación» del sujeto rayana en la monotonía, y que tiene en Cézanne a un autorizado precedente, Morandi experimenta con las variaciones de luz, color y composición, introduciendo a menudo unos cambios mínimos que, sin embargo, modifican radicalmente la percepción del espacio y los objetos. 

Las naturalezas muertas metafísicas reúnen los objetos en combinaciones inexplicables y misteriosas: botellas, un trozo de maniquí de sastre, una pipa, cilindros, formas de madera, cartabones, cajas, marcos. Raffaello Franchi habla ya de «construcciones algebraicas» y de una pintura de objetos inertes, sobre cuya belleza ha transcurrido toda una eternidad de plácida contemplación. 

La composición mesurada, la refinada armonía de las partes, una firmeza clásica y un aire de cristal  distinguen la «metafísica» de Morandi.

                                

Pero ¿qué significado tienen esos objetos para Morandi? Carlo Carrà  explica: «Son las “cosas corrientes” las que revelan esas formas de sencillez que nos hablan de un estado superior y posterior del ser en el que está todo el secreto esplendor del arte. Los destellos de las “cosas corrientes” rara vez ocurren, pero cuando iluminan el arte crean esos “esenciales” que para nosotros, los artistas modernos, son los más preciados»

Completan la exposición  una serie de obras de distintos autores inspiradas en la obra de Morandi:  esculturas, cerámicas, oleos, fotografías,  instalaciones... Como la de Gerardo Rueda (en la primera  imagen posterior),  Alfredo Alcain, Juan José Aquerreta, Joel Meyerowitz o Tony Cragg. 

A este último artista, Tony Cragg, pertenece la escultura monumental en cristal mateado a la arena. Muchas de sus primeras obras se hicieron con materiales encontrados, otros de construcción descartados y domésticos desechados. Esto le dio una amplia gama de materiales principalmente artificiales y automáticamente le proporcionó preocupaciones temáticas que se hicieron características de su obra hasta la actualidad. Durante los años setenta hizo esculturas usando simples técnicas como amontonamiento de materiales, partición de los mismos o aplastamiento. 

                                       

 Morandi, quizás más que otros contemporáneos suyos, ha sido objeto de numerosos descubrimientos y revalorizaciones. Ante su obra se tiene la sensación de un tiempo suspendido, envolvente, eterno. Quizás sea ese el instante que las obras maestras consiguen captar, mostrando un poder inalcanzable para quienes las observamos: el de la inmortalidad. 

                                                                                 

Visita dirigida por Sara Fernández, Historiadora del Arte por la UCM y diseñadora. 

Curadora de la Galería de Arte Tíltide:

Fernando el Católico 28

Madrid.

tiltide.com

artetiltide.com

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/morandi/

La obra de Magritte en el Museo Thyssen

                                      

René Magritte (1898-1967), un referente dentro del surrealismo, fue un pintor belga que desarrolló la mayor parte de su producción artística en su país natal. Es verdad  que se trasladó a París durante unos años de 1927 a 1930,  allí tuvo contacto con otros artistas surrealistas y tomó parte en la dinámica del movimiento liderado por André Breton. Pero no se sintió a gusto, por no querer doblegarse a las normas del movimiento, ni sentirse muy identificado con el estilo de vida parisino, y regresó a  Bélgica con su esposa, para trabajar en los temas que a él le interesaban.

La exposición  se divide en distintas secciones: 

I. Los poderes del mago.

II. Imagen y palabra.

III. Figura y fondo.

IV. Cuadro y ventana.

V. Rostro y máscara.

VI. Mimetismo

VII. Megalomanía.

El artista es, para Magritte, un ser superior,  una especie de mago, un creador capaz de transformar la realidad (sección I). Y él, como creador incansable, trabajaba con una serie de recursos constantemente, repitiendo las mismas ideas y conceptos desde perspectivas distintas y con leves variaciones. Juega con los contrarios, introduce elementos en pugna, elementos engañosos, como podremos ver a lo largo de toda la exposición, para crear una nueva realidad. ¿La veis?

     

En la sección II, las imágenes sustituyen a las palabras y las palabras a las imágenes, como en este cuadro que representa a un hombre que sueña, "El durmiente temerario" y que nos lleva a las tesis de Freud y al psicoanálisis, tan en boga en aquel momento. La incongruencia de imágenes y palabras nos aleja de la realidad habitual. Como en la obra " Esto no es una pipa" que vemos que sí lo es. 

Pero no es lo normal que los títulos de  los cuadros hagan referencia al contenido. Magritte prefería que el título no ejerciera ninguna influencia sobre el espectador y la mayoría no tiene nada que ver. A veces, incluso, pedía a sus amigos que titularan ellos su obras para no dar pistas al espectador.

En la sala III la protagonista es la figura; figura femenina, en este ejemplo sobre un fondo extraño, de cielo y montaña, y que contiene un paisaje urbano en la parte inferior del propio cuerpo. 

Fondos de cielo, de naturaleza,  que forman la piel humana,  el cuerpo de las aves...  

Dan identidad a Magritte como artista, una serie de elementos, un imaginario propio, un mundo suyo, su iconografía...  Todo ello basado en el juego de contrarios (grande-pequeño, alto-bajo, día y noche...); el metacuadro (un cuadro dentro de otro cuadro),  la mascara: elementos disonantes que generan inquietud en el espectador. En el caso de la siguiente obra, no es una máscara propiamente, sino una luz la que oculta la cara del personaje para producir incertidumbre  y misterio en el que mira.

En las dos ultimas salas, dedicadas, una  al mimetismo y  otra megalomanía, nada es lo que parece.  La amazona se mimetiza con el paisaje, el paisaje entra a formar parte de la amazona y de su caballo.

Y las sirenas, al contrario de lo que nos tiene acostumbrados, tienen torso y cabeza de pez y extremidades humanas.  Y los tamaños de los objetos que  no son los habituales...

                                            

          

Apasionado del teatro y del cine, Magritte monta sus obras como si de un escenario se tratara, los cuadros entran dentro de los cuadros, y dentro  ventanas, y dentro las historias... Ambientes inquietantes y extraños, que sacuden al espectador y le obligan a imaginar. 

Pero, no nos confundamos: toda la obra de Magritte se basa en experiencias personales del artista: una representación del mundo que es el del  propio Magritte: sus recuerdos de infancia, sus lecturas, sus experiencias... Como la muerte de su madre que se ahoga en el río, y cuando su hijo encuentra su cuerpo, el camisón que llevaba se le había pegado a la cara, como un  sudario blanco, objeto que aparece en muchas ocasiones, en la obra de Magritte.  El ultimo cuadro, "Los amantes" no está en la exposición del Thyssen, pero he querido añadirlo porque me gusta, y es un reflejo de lo que estoy apuntando. 

La verdad es desconocida. Y el hombre la busca incansable.

El mago, el artista,  utiliza sus poderes para revelarnos su verdad: un nuevo mundo, una nueva realidad.

En el Museo Thyssen hasta  el 30 de enero de 2022.

Más información sobre ARTE y artistas en

Galería de arte Tíltide: Fernando el Católico 28. Madrid. 

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Las mejores exposiciones de este otoño/invierno en Madrid.

 MUSEO  THYUSSEN: La Máquina Magritte

14 septiembre 21 / 30 enero 22

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge la primera retrospectiva en Madrid del pintor surrealista René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Schaerbeek) desde la que le dedicó la Fundación Juan March en el año 1989. Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del museo, la muestra reunirá en torno a 70 obras, incluyendo pinturas y obra sobre papel, junto a una selección de fotografías y films.

El pintor René Magritte también fantaseó con un catálogo de artilugios concebidos para automatizar procesos de pensamiento y creación, entre los que se encontraba una máquina universal para hacer cuadros. Ahora el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza revelará el funcionamiento de dicha maquina imaginaria en esta exposición. 

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FUNDACION JUAN MARCH: Ad Reinhardt. El arte es el arte y todo lo demás es todo lo demás.

15 octubre 21 / 16 febrero 22

Esta exposición es la primera dedicada a Ad Reinhardt (Búfalo, Nueva York, 1913-Nueva York, 1967) en España y una de las más completas celebradas en Europa sobre este artista. Considerado uno de los precursores del minimalismo y del arte conceptual, sus obras y escritos han ejercido una gran influencia en algunas de las figuras más notables asociadas a esas tendencias.

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MUSEO REINA SOFÍA: Michael Schmidt. Fotografías 1965-2014.

22 septiembre 01/28 febrero 22

Este museo presenta la primera antología dedicada en nuestro país al fotógrafo Michael Schmidt, uno de los pilares del desarrollo de esa disciplina en Alemania, el siglo pasado. Junto a los Becher y su Escuela de Düsseldorf, por la incesante renovación de su lenguaje formal y la elección de sus temas. La exhibición se ha planteado como una retrospectiva vertebrada cronológicamente y consta de impresiones originales, obras inéditas y un vasto corpus de imágenes procedente de archivos que ilustran la trayectoria de este autor durante cinco décadas (buena parte de estos trabajos influirían abiertamente en los de artistas como Andreas Gursky, con quien Schmidt trabó amistad a finales de los setenta, y en los de otros fotógrafos de generaciones posteriores).

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FUNDACION MAPFRE. Morandi. Resonancia infinita

24 septiembre 21/ 9 enero 22

La exposición hace un recorrido retrospectivo por la obra de Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX. El pintor italiano apenas viajó fuera de Italia y permaneció casi toda su vida en su casa-taller de la Via Fondazza en Bolonia. Allí abordó un trabajo en el que los objetos cotidianos, las flores y el paisaje se convirtieron en protagonistas, con la intención de crear, tal y como señaló Ardengo Soffici, «un conjunto armonioso de colores, formas y volúmenes que obedecen exclusivamente a las leyes de la unidad y la belleza.

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MATADERO MADRID. CENTRO DE CREACIÓN CONTEMPORANEA.

Nave 16 

7 de octubre 2021 / 27 de febrero 2022

El Jardín de las delicias, un recorrido a través de las obras de la Colección SOLO, es una invitación a repensar y conectar desde lo contemporáneo con la obra maestra de El Bosco: Inteligencia artificial, arte sonoro, animación 3D, pintura, escultura o instalación acompañan al espectador en un diálogo con los valores universales que la obra ha mantenido a lo largo de la historia.

Las obras de los artistas  Smack ,  Mario Klingeman, Miao Xiaochun, Cassie McQuater, Filip Custic, Lusesita, La Fura dels Baus, Carlus Padrissa, Mu Pan, Dan Hernández, Cool 3D World, Sholim, Dustin Yellin, Enrique del Castillo, Dave Cooper y Davor Gromilovic conforman una nueva mirada, desde el presente, a la obra maestra del siglo XVI. 

La muestra propone al espectador una reflexión vinculada a los valores universales que la pintura original, que se encuentra en el Museo del Prado, ha mantenido a lo largo de la historia y lo hace a través de medios como la inteligencia artificial, el arte sonoro, la animación digital, la pintura, la escultura o la instalación. 

Las distintas aproximaciones, evocaciones y reinterpretaciones visionarias de las piezas formarán una experiencia expositiva, cuyo diseño arquitectónico corre a cargo del estudio Herreros, que permitirá descubrir la riqueza constructiva y sus inagotables capas de interpretación del tríptico original, su potencial simbólico y su capacidad de alcanzar un retrato social trasladado a nuestro tiempo.

Las casi 20 obras que componen la exposición forman parte de los fondos de la Colección SOLO, proyecto internacional de apoyo a la creación contemporánea con sede en Madrid.

#jardindeliciassolo | #jardindeliciasexpo

(No recomendada para menores de 16 años).

 

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CAIXAFORUM. La imagen humana: Arte identidades y simbolismo.

28 abril 21/ 9 enero 22

La muestra ofrece un apasionante recorrido por los grandes temas, y quizás el más recurrente del arte figurativo: el ser humano. Las obras de civilizaciones  antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la colección de La Caixa y algunos prestamos importantes de otras instituciones. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas: En todos los rincones del mundo, los artista han creado constantemente representaciones de sí mismos.

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CENTROCENTRO. Japón. Una historia de amor y guerra.

22 septiembre 21 / 30 enero 22

A través de una selección de más de 200 obras, el mundo flotante del ukiyo-e llega por primera vez a Madrid de la mano de una de las colecciones más prestigiosas del mundo, un verdadero viaje para descubrir la atmósfera elegante y refinada del país nipón. No solo están presentes los artistas japoneses más prestigiosos de la época como Hiroshige, Utamaro, Hokusai o Kuniyoshi, la exposición ofrece un panorama completo sobre la vida japonesa desde el periodo Edo (1603-1868) hasta el siglo XX, a través de la exhibición de armaduras samurái, kimonos, abanicos y fotografías. El recorrido, desarrollado a través de once secciones, serpentea entre el mundo femenino de las geishas, la leyenda de los fieles guerreros samuráis, sin dejar atrás la historia del nacimiento del ukiyo-e y de los famosos estampados shunga, ricos en erotismo. 

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FERNÁN GÓMEZ. Centro cultural de la villa. INGOYA

 5 octubre 21/16 enero 2022.

INGOYA es una experiencia inmersiva alrededor de la obra de Goya. Más de mil imágenes envuelven al público gracias a cuarenta proyectores de última generación que, sincronizados con música de clásicos como Albéniz, Falla, Granados o Boccherini, crean una perfecta alianza entre arte y tecnología para acercar al público de todas las edades el talento del genial pintor.

Gracias al uso de técnicas punteras en infografía y postproducción, además de correctores de color que cuidan al máximo la paleta original, INGOYA sumerge al visitante en las pinturas de una manera precisa y fiel. Así, la muestra compagina a la perfección la calidad de su producción con el máximo disfrute sensorial y la emoción de estar formando parte del universo de este gran artista.

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Y no olvidemos  a los grandes museos madrileños como El PRADO  o el MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL, el CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA  entre otros, que exponen de forma permanente las señas de nuestro pasado histórico y de nuestro presente. 

EL MUSEO ARQUEOLÓGICO en concreto, todavía poco conocido por muchos madrileños,  pretende ofrecer a todos los ciudadanos una interpretación rigurosa, atractiva, interesante y crítica del significado de los objetos que pertenecieron a los distintos pueblos de la actual España y del ámbito mediterráneo, desde la Antigüedad hasta épocas recientes, de manera que el conocimiento de su historia les sea útil para analizar y comprender la realidad actual.

Más información en nuestra sede de TÍLTIDE: 

Fernando el Católico 28. Madrid  y en

tiltide.com

tiltidearte.com