La exposición Morandi. Resonancia infinita hace un recorrido retrospectivo por la obra de Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX. El pintor italiano apenas viajó fuera de Italia y permaneció casi toda su vida en su casa-taller de la Via Fondazza en Bolonia. Allí abordó un trabajo en el que los objetos cotidianos, las flores y el paisaje se convirtieron en protagonistas, con la intención de crear.
«Un conjunto armonioso de colores, formas y volúmenes que obedecen exclusivamente a las leyes de la unidad, como la belleza de los acordes». (Ardengo Soffici)
Las primeras
exposiciones de Morandi tienen lugar en el ambiente de fervor
creativo impulsado por los futuristas. En marzo de 1914 expone en el
Hotel Baglioni de Bolonia, en una muestra de un solo día, junto con
Mario Bacchelli, y otros pintores.
Las obras que nos quedan de la década de 1910 revelan el talento de Morandi para los paisajes, resueltos con una paleta escueta y
una seguridad compositiva ya muy clara. Algunas de las pinturas
que presenta en aquella exposición de Bolonia no han podido ser
identificadas con absoluta certeza. Suponemos que entre ellas
deben encontrarse algunos de los paisajes de esta exposición, como el de la imagen que aparece a continuación. Representan unos de
los primeros estudios del natural que Morandi realiza durante sus
estancias en Grizzana, el pequeño pueblo de los Apeninos boloñeses
que el artista frecuenta a partir del verano de 1913. Y llevan la impronta de Cézanne, pero en "El bosque" también
se reconoce la huella del cubismo en ese
apretado follaje verde grisáceo que invade todo el espacio del lienzo.
En Roma, Morandi participa en la Seconda Esposizione Internazionale d’Arte «Della Secessione» (febrero-junio de 1914), donde puede contemplar acuarelas de Cézanne y pinturas de Matisse, y en la Esposizione libera futurista internazionale de la Galleria.
Con una composición más compacta, el artista regresa a la temática de las pinturas de la naturaleza muerta, donde los objetos aparecen vistos de tres cuartos, cortados, como en la imagen siguiente; algunos como árboles en un denso bosque, transfigurados en su impulso vertical.
En cuanto al trazo, cabe preguntarse si la técnica de la punta seca utilizada por Picasso y Braque pudo dejar alguna huella. Desde luego, el trazo corto y recto, sin la menor inflexión, sin concesión alguna, denota un afán purista que no es exclusivo del Morandi de aquellos años.
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, Morandi es inmediatamente llamado a filas, pero al caer gravemente enfermo es licenciado al poco tiempo (1917). Es un año difícil para el pintor, que destruye gran parte de su obra.
Morandi no visita
París y, en general, viaja muy poco, manteniéndose
al día sobre el arte europeo a través de las revistas,
los catálogos y las exposiciones que visita en Italia.
Lee los escritos de Ardengo Soffici,
estudia las obras de Cézanne, puede ver la
obra de Renoir en la Bienal de Venecia, la de
Monet en Roma y la de Cézanne
en la Bienal de 1920, precisamente éste es un referente esencial para
entender el rigor compositivo de Morandi.
Avanzando con coherencia a lo largo de los años, en una
«anulación» del sujeto rayana en la monotonía, y que tiene en Cézanne
a un autorizado precedente, Morandi experimenta con las variaciones
de luz, color y composición, introduciendo a menudo unos cambios
mínimos que, sin embargo, modifican radicalmente la percepción
del espacio y los objetos.
Las naturalezas muertas metafísicas reúnen los objetos
en combinaciones inexplicables y misteriosas: botellas,
un trozo de maniquí de sastre, una pipa, cilindros, formas
de madera, cartabones, cajas, marcos. Raffaello Franchi habla
ya de «construcciones algebraicas» y de una pintura de objetos
inertes, sobre cuya belleza ha transcurrido toda una eternidad
de plácida contemplación.
La composición mesurada,
la refinada armonía de las partes, una firmeza clásica y un aire
de cristal distinguen la «metafísica» de Morandi.
Pero ¿qué significado tienen esos objetos para Morandi? Carlo Carrà explica: «Son las “cosas corrientes” las que
revelan esas formas de sencillez que nos hablan de un estado superior
y posterior del ser en el que está todo el secreto esplendor del arte.
Los destellos de las “cosas corrientes” rara vez ocurren, pero cuando
iluminan el arte crean esos “esenciales” que para nosotros, los artistas
modernos, son los más preciados»
Completan la exposición una serie de obras de distintos autores inspiradas en la obra de Morandi: esculturas, cerámicas, oleos, fotografías, instalaciones... Como la de Gerardo Rueda (en la primera imagen posterior), Alfredo Alcain, Juan José Aquerreta, Joel Meyerowitz o Tony Cragg.
A este último artista, Tony Cragg, pertenece la escultura monumental en cristal mateado a la arena. Muchas de sus primeras obras se hicieron con materiales encontrados, otros de construcción descartados y domésticos desechados. Esto le dio una amplia gama de materiales principalmente artificiales y automáticamente le proporcionó preocupaciones temáticas que se hicieron características de su obra hasta la actualidad. Durante los años setenta hizo esculturas usando simples técnicas como amontonamiento de materiales, partición de los mismos o aplastamiento.
Morandi, quizás más que otros
contemporáneos suyos, ha sido objeto de numerosos descubrimientos
y revalorizaciones. Ante su obra se tiene la sensación de un tiempo
suspendido, envolvente, eterno. Quizás sea ese el instante que las
obras maestras consiguen captar, mostrando un poder inalcanzable
para quienes las observamos: el de la inmortalidad.
Visita dirigida por Sara Fernández, Historiadora del Arte por la UCM y diseñadora.
Curadora de la Galería de Arte Tíltide:
Fernando el Católico 28
Madrid.
tiltide.com
artetiltide.com
https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/morandi/
