Las mejores exposiciones del otoño/invierno 2026 en Madrid.

Sala Alcalá 31.

Mitologías modernas: Ouka Leele & Co.

Hasta el 18 de octubre.

La Sala Alcalá 31 acoge Mitologías modernas: Ouka Leele & Co., una exposición con la mitología como hilo conductor del arte de los años ochenta en la que la obra de la fotógrafa es el "punto de llegada", según su comisario, Julio Pérez Manzanares.

 

Ouka Leele. Santa Bárbara

Thyssen-Bornemisza.

Mauritshuis  

Obras maestras de La Haya

.

Del 9 de octubre  al 10 de enero de 2027.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Mauritshuis de La Haya intercambian de forma simultánea obras destacadas de sus colecciones permanentes. Ahora en Madrid, se presenta un conjunto excepcional de obras maestras de los Países Bajos del siglo XVII entre ellas Vista de Delft (h. 1660-1661) de Johannes Vermeer, reunidas en las denominadas salas clásicas, un nuevo espacio expositivo del museo, cercano a las estancias dedicadas a esta misma escuela, ofreciendo así una visión más completa de esa extraordinaria y fecunda centuria.

Vermeer. Vista de Delft.

Fundación Mapfre.

Prerrafaelismos. Itinerarios femeninos (1850-1914).

Del 24 de septiembre al 10 de enero de 2027.

Esta agrupación marcó el inicio de un intento de modernizar el arte británico mediante el rechazo de los referentes culturales de la Royal Academy. Cuando comenzaron a exponer en Londres en 1849, su nombre ya lo decía todo: buscaban inspiración en el arte realizado antes de Rafael (1483-1520), figura predilecta del gusto académico dominante.

Las controversias entre los defensores del grupo y sus detractores no se hicieron esperar.  A lo largo del periodo victoriano, el prerrafaelismo siguió siendo objeto de discusión, sumó nuevos seguidores y se adaptó a los cambios de sensibilidad de la época.

El pálido semblante del amor verdadero, Eleanor Fortescue-Brickdale.

Real Academia de Bellas artes de San Fernando (RASBAF)

Madrid en el siglo de Oro

Del 29 de septiembre al 2 de diciembre de 2027.

La exposición nos traslada al Madrid de los Austrias, en los siglos XVI y XVII, donde el esplendor y dinamismo de la Corte la convierten en protagonista del Siglo de Oro. Un Madrid bullicioso, cosmopolita y lleno de contrastes en el que convivieron monarcas, reinas, hombres de gobierno y mujeres poderosas, con emprendedores, pícaros, científicos, técnicos, artistas y literatos. Muchos de ellos encontraron en Madrid el mejor escenario para desarrollar sus carreras y ambientar sus obras, algunas de las cuales han pasado a formar parte de la historia universal del arte y de la literatura.

Fundación   Canal. Sala Mateo Inurria

El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg.

 Hasta el 5 de enero de 2027.

Escrito a comienzos del siglo XIV por Dante Alighieri, es la primera de las tres partes de la Divina comedia, una de las grandes obras de la literatura universal. Más de setecientos años después, su capacidad para representar los miedos, conflictos y contradicciones de cada época sigue intacta. Cada generación ha encontrado en sus páginas nuevas formas de interpretar su propio mundo.

En El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg, la Fundación Canal reúne por primera vez las dos series completas que Gustave Doré y Robert Rauschenberg dedicaron al Infierno. Un total de 111 piezas que ponen en diálogo dos interpretaciones realizadas con casi un siglo de diferencia y desde lenguajes artísticos radicalmente distinto.

Palacio de Velázquez de El Retiro.

Fernando Sánchez Castilllo. La perla  peregrina.

 

Hasta el 8 de marzo de 2027

A través de esculturas e instalaciones sorprendentes, Sánchez Castillo transforma símbolos de autoridad, monumentos y objetos vinculados al poder para invitarnos a reflexionar sobre la historia, la memoria y las narrativas oficiales. Su obra desmonta la solemnidad de los símbolos políticos y revela las contradicciones que se esconden tras ellos.

La muestra toma como inspiración la legendaria Perla Peregrina, una joya cargada de historia que pasó por cortes reales, coleccionistas y personajes célebres. A partir de este relato, el artista explora cómo la violencia, la belleza y el poder se entrelazan en la construcción de los relatos históricos.

Tíltide. Actividades Culturales.

C/ Fernando el Católico, 28

28015 Madrid.

Profesoras:

Carmen Manso de Zúñiga.

Sara Fernández.

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José Luis Fernández

 Artista plástico madrileño que ha desarrollado su labor creativa desde finales del siglo XX a la actualidad, participando en  certámenes, exposiciones, galerías...  Escultor, grabador, pintor, dedicado desde muy joven a la expresión artística en técnicas diversas: mixtas, collages y tintas. Creador e impulsor de la Galería Tíltide, desde el año 2.000, donde se encuentra ubicado su estudio; y  donde además de tener una exposición permanente de su obra, comparte el espacio de la Galería con grandes artistas.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en España y el extranjero, como el mural escultórico taurino Instante, situado en el vestíbulo de la estación de metro de Ventas en Madrid (España).

Se trata de un mural que el artista realizó en 1989 para el vestíbulo de la EMT de la Plaza de Toros de Ventas de Madrid, utilizando tres materiales: acero corten, cobre y latón. Tiene una longitud de 25 metros y una altura de 3. 

La acuarela es su manifestación más primitiva y genuina: Un baile entre el agua y el color.

Aire de sol

Acuarela sobre papel. Marina.

Medidas: 56 x 76 cms

La huella del aire

Acuarela sobre papel. Marina.

Medidas: 25 x 57 cms.

Invierno

Acuarela sobre papel. Bodegón.

Medidas: 56 x 76 cms.

Invierno

Acuarela sobre papel. Bodegón.

Medidas: 56 x 76 cms.

Óleos, acrílicos y técnicas mixtas.

El jardín de Caronte

Acrílico sobre lienzo.

José Luis en su estudio. 

En Tíltide, 

                                                                                                             

BLIOGRAFÍA

Acuarela. Exposición Nacional.(Catálogo). Ayuntamiento de Madrid. Madrid 1991. Págs. 84 y 186.

LIX Salón de Otoño.(Catálogo). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1992. s/p, nº 29.

"Nueva estación de Metro en Ventas". Ya. Madrid, 9 de mayo de 1989. Pág, 21.

"El mural escultórico de José Luis Fernández González."Tecniarte. Madrid, 25 de junio de 1991. Págs.18 a 22.

"Acuarelas de José Luis Fernández". El Punto de las Artes. Madrid, 18 a 24 de febrero 1994.

LXIII Salón de Otoño.(Catálogo.). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1996.Pág. 56.

Diccionario de Pintores y Escultores del siglo XX.Ed. Forum Artis.

“Trazo casual”. El Mundo. Metropoli. Madrid, 16 de marzo de 2001, pág. 48.

“Paisaje Urbano”. El Mundo. Metrópoli. Madrid, 8 de junio de 2001, pág. 42.

“Lienzos de verano”. El Mundo . Metrópoli. Madrid, 7 de diciembre de 2001, pág. 50
 Desde el año 2001, criticas de las exposiciones en  El Punto de las Artes.

web: joseluisfernandez,art

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Hammershøi. El ojo que escucha.

  Del 17 de febrero al 31 de mayo de 2026. el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva en España dedicada al artista danés Vilhelm Hammershøi (1864-1916), que hasta ahora sólo se había  podido ver  en contadas ocasiones, por lo que, a través de casi un centenar de obras, se ofrece  una amplia y completa visión de su trabajo.  

Más de cien años después de la muerte del pintor, que alcanzó un éxito considerable, pero no abrumador, en vida, por sus interiores fríos y silenciosos, sus obras todavía atraen e inquietan al espectador moderno. Abajo están Tres mujeres jóvenes, que son su mujer (en el centro), su hermana Ana (derecha) y su cuñada (izquierda). Porque él, además de su casa solía pintar a sus familiares y a quien tenía cerca. 

 Ver sus cuadros en el Museo Thyssen permite relacionarlos con los maestros del pasado, como los holandeses del siglo XVII, y las grandes figuras del siglo XIX y XX. Sin duda su obra nos hace pensar en Vermeer y en esa mirada hacia los interiores de las casas en las que las mujeres leían una carta, cosían, colocaban un plato en la mesa. El trazo es mucho más relajado, hay mucha más ambigüedad, pero esa mirada minuciosa a la intimidad es la misma.

El subtítulo de la muestra, “El ojo que escucha”, remite a la relación metafórica entre su pintura, el silencio y la aparente calma que transmite, y el interés del artista por la música. La exposición aborda este y otros temas que recorren su obra, como el papel de su mujer Ida Ilsted en su proceso creativo, la progresiva depuración de los interiores domésticos y sus paralelismos con el tratamiento de las arquitecturas y paisajes, y su representación como pintor en los últimos años de su vida. 

Hammershøi no buscaba contar historias evidentes. Sus cuadros transmiten calma, espera y recogimiento. Los espacios parecen suspendidos en el tiempo, como si el mundo se hubiera detenido durante unos segundos. Por eso muchos lo llaman el pintor del silencio. o quizás de la música del silencio. 

Toda una sala está dedicada a Ida con retratos como el de su luna de miel en París en 1892, una ciudad que a ella le sorprendió muchísimo, y otros tantos en los que aparece haciendo determinadas labores. Pero siempre con calma, con tranquilidad, sin estrés.

                                             

Observamos que las obras de Hammershøi se caracterizan por una paleta de colores limitada, compuesta principalmente por grises, blancos y tonos terrosos, y una composición minimalista que transmite una sensación de quietud e introspección. A menudo, sus cuadros representan entornos desnudos, suavemente iluminados, con figuras femeninas de espaldas, inmersas en actividades cotidianas o simplemente contemplando. Esta elección estilística confiere a sus obras una atmósfera suspendida, casi onírica, que invita al espectador a la reflexión silenciosa. Nada distrae la mirada: el espacio, la luz y el silencio son los verdaderos protagonistas.

Tuvo éxito en vida, pero después caería en el mayor de los olvidos, al no conectar con las vanguardias. Sin embargo, desde hace unos años está tomando una increíble relevancia. Sus cuadros ahora sí están dando con la tecla de los tiempos y en Dinamarca es una figura que encabeza las ventas de arte.

Fuentes:

*museothyssen.org/exposiciones/hammershoi-ojo-que-escucha

*Eva Liebana: Traductora de En un lugar del mundo, una obra de varios autores.  Fue Directora del Departamento de Danés en la Escuela Oficial de Idiomas y aportó una visión interesantísima, y muy danesa, a nuestro recorrido.

Profesora: 

*Sara Fernández: Licenciada en Historia del Arte por la UCM y diseñadora.

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La Avispa Verde. Dos series: La atracción del Vintage y A escena.

 Equipo formado por Sara Fernández, diseñadora, y José Luis Fernández, artista plástico, para experimentar nuevos caminos de creación en el ámbito de la obra sobre papel. Utilizando para ello técnicas mixtas, mediante el empleo de diversos materiales que se integran en collages, los cuales se representan finalmente mediante la técnica de impresión digital seriada.  

La atracción del Vintage

Exposición en la que el equipo La Avispa Verde, nace, mostrando el trabajo realizado en una etapa de creación en el ámbito del diseño en el arte.

Doce visiones inspiradas en la moda y otras creaciones:

Obra gráfica, realizada sobre papel, a partir de antiguas imágenes del mundo de la moda, la creación y el diseño, con el objeto de expresar y comunicar una nueva sensación estética, mediante la inclusión de dibujos, pinturas y formas que enriquecen con su armonía imágenes que durante las primeras décadas del siglo XX, fueron utilizadas para trasmitir las creaciones que la publicidad y la moda de la época diseñaban conforme a las tendencias y gusto que esos momentos marcaban.

                                                       "El mojito de Federico Ribas"
                                                         Impresión digital sobre papel.
                                                           

"Corte y confección a navaja"

 Impresión digital sobre papel-

"Cena de gala con guitarrista"

 Impresión digital sobre papel.

"La alucinación del Bloody Mary"

 Impresión digital sobre papel.

"La revolución China"

 Impresión digital sobre papel.

"Marnie, la ladrona"

 Impresión digital sobre papel.

"El mejor perfume"

 Impresión digital sobre papel

Edición limitada de obra gráfica  numerada y firmada por el autor, la Avispa Verde.
Papel 100% algodón..
En las medidas siguientes está incluido un margen de 5 ò 6 cm. blanco para firma y numeración.

38 x 56 cm. (sin enmarcar).
30 x 21 cm. (sin enmarcar)
70 x 50 cm.  (sin enmarcar)

Todos se entregarán con el correspondiente certificado de autenticidad.

A escena

La obra gráfica que presentamos en A escena ha sido realizada como una escenografía, creada a partir de la fusión entre piezas de joyería de  Sara Fernández, y la obra gráfica de la Avispa Verde, formada por aquellas, y elementos estéticos, que los dos artistas.

Noche de copla

Cambio de ritmo.

Aplausos.

Edición limitada de obra gráfica  numerada y firmada por el autor, la Avispa Verde.
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En las medidas siguientes está incluido un margen de 5 ò 6 cm. blanco para firma y numeración.

38 x 56 cm. (sin enmarcar).
30 x 21 cm. (sin enmarcar)
70 x 50 cm.  (sin enmarcar)

Todos se entregarán con el correspondiente certificado de autenticidad.

Henri Matisse en Caixa Forum: Figura central de las Vanguardias.

Y hasta aquí sólo había UNA FORMA DE PINTAR.

 Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial, se puso de manifiesto en el arte  un ansia de romper con los estilos del pasado. 

Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías (que exploraban o anticipaban el futuro); agitación social y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa... Además la crisis arte-sociedad se evidencia, siendo la característica que conlleva la vanguardia.

 Se conocen como vanguardias históricas  los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX, después del Impresionismo y Postimpresionismo. Su propuesta rupturista fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en esa época se produce en el arte, una auténtica revolución de las artes plásticas: un desafío intelectual.

 No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que trataban de transformar la sociedad: Las Vanguardias están vinculadas con actitudes progresistas  (implicaban ansia transformadora de la sociedad). A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente en la crítica artística, concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo  y también al Fovismo. 

En la imagen posterior una preciosa obra del pintor fovista Van Donguen, que acompaña a las de Matisse en la exposición de Caixa Forum. La obra de la fotografía anterior pertenece a Macke, pintor alemán que supo  integrar en su pintura aquellos elementos que más le interesaban de las vanguardias. 

El Manifiesto de los pintores futuristas (Milán,11/2/1910) refleja el carácter más típico vanguardista en general, pero también  aparecen claramente explícitos la euforia, el desafío, la provocación y, frente a los valores establecidos, la originalidad y la innovación, así como una significativa fe en el progreso, fe en el avance y transformación de la Humanidad hacia una situación, supuestamente, mejor,  que está en la base del concepto de vanguardia.

MATISSE.

Henri Matisse refleja  en su obra su concepción totalmente innovadora del color, su reformulación crítica del cuadro como pura superficie pictórica y también una  manera de expresar la ruptura con las normas establecidas y la búsqueda de una nueva forma de ver y representar el mundo. Su estilo distintivo y su enfoque innovador lo han establecido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y su legado sigue siendo una fuente de inspiración para artistas y amantes del arte en la actualidad.

¿Qué características identifican sus obras desde el principio?:

 Uso audaz del color: Sus pinturas a menudo presentan colores intensos y contrastantes que crean una sensación de energía y vitalidad. Este enfoque en el color es una de las características más distintivas de su obra y lo establece como uno de los maestros del uso del color en la historia del arte.  Hasta el negro, que va tomando espacio, produce luz. Y  es utilizado para resaltar los perfiles.

Formas simplificadas: Matisse también era conocido por su enfoque en la simplificación de las formas. A menudo representaba figuras y objetos con formas geométricas simples, reduciendo la realidad a sus elementos básicos. Esta simplificación de las formas le permitía crear composiciones dinámicas y expresivas.

Expresión de la emoción:  Otra característica destacada en las obras de Matisse es su habilidad para expresar emociones a través de su arte. Sus pinturas transmiten una sensación de alegría, armonía y vitalidad, incluso cuando representan temas cotidianos. Matisse creía en el poder del arte para transmitir emociones y su obra refleja esta creencia.

Experimentación con la composición: Matisse era un innovador en términos de composición. Experimentaba con la disposición de formas y colores en el lienzo, creando composiciones dinámicas y equilibradas. Su enfoque en la composición le permitía crear obras que eran visualmente impactantes y que desafiaban las convenciones artísticas de su época.

La exposición que podemos ver en CaixaForum, la forman  una amplia selección de obras  procedentes en su mayoría del Centro Pompidou, donde las piezas de Matisse se presentan  con las de otros artistas contemporáneos y posteriores en los que él influyó. La  muestra refleja  su trayectoria y evolución, desde los fauves alemanes y los neoprimitivistas rusos hasta la pintura estadounidense a partir de la década de 1940.

                 

                       

                                    

Tíltide

C/ Fernando el Católico, 28

28015 Madrid.

Profesoras:

Carmen Manso de Zúñiga.

Sara Fernández.

Fotografía de María de la Riva

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