6 de diciembre de 2023

Juan Muñoz en el Centro de Arte Dos de mayo.


Esta exposición conmemora los setenta años del nacimiento de Juan Muñoz (Madrid, 1953 - Ibiza, 2001), el artista español que alcanzó una mayor notoriedad internacional en las últimas décadas, en una trayectoria fulgurante desde su primera exposición en 1984 hasta su prematuro fallecimiento a los 48 años de edad. 

La muestra –que continúa la que pudo verse en la sala Alcalá 31 hasta el 9 julio– (ver la entrada de este blog titulado Juan Muñoz en Alcalá 31) recorre su primera década de trayectoria hasta 1990. Su título, En la hora violeta, es el verso 220 de La tierra baldía de T. S. Eliot, uno de los poemas favoritos del artista: “la hora de la tarde que conduce al hogar, y devuelve a casa al marinero”. El tiempo del arte y el tiempo del visitante de exposiciones ocurre siempre en esa hora violeta, una hora en la que las sombras ganan la partida al día. Como escribía el filósofo Emmanuel Lévinas, en La realidad y su sombra, otro texto favorito del artista: “El arte no conoce un tipo particular de realidad (…). Es el acontecer mismo del oscurecimiento, un atardecer, una invasión de sombra”.



Los inicios de la trayectoria de Juan Muñoz:  recibe tutorías del sofisticado crítico de arte Santiago Amón; comienza estudios de arquitectura en Madrid y luego se plantea cursar cinematografía; gracias a una beca del British Council acude a estudiar litografía a la que hoy se llama Central Saint Martins College of Art and Design en Londres; otra segunda ayuda le lleva al Croydon College, donde realiza un posgrado con Bruce McLean y conoce a la artista Cristina Iglesias, con la que se casará después; su formación culmina en Nueva York, con una beca Fullbright que le lleva al Pratt Graphic Center y luego a convertirse en artista en residencia del P.S.1 Contemporary Art Center. Aunque él mismo dijo: “pasé un año en Nueva York y realicé un solo dibujo” [“I spent one year in New York, and I made one drawing”], en realidad haría trabajos performativos, investigaciones en los museos y fondos bibliotecarios de la ciudad e incluso una entrevista al escultor Richard Serra.

Esta exposición,  en el Centro de Arte Dos de Mayo, recupera muchos de sus primeros trabajos y, aún con algún titubeo propio de un artista emergente, la reflexión conceptual y la exigencia técnica de estas obras tempranas ya está a un altísimo nivel. Como él mismo dijo: “Uno quisiera creer que lleva sus esculturas dentro de sí mismo, como le pasaba a Enrico Caruso con la voz”. 

Desde 1983 decidió dedicarse por completo a la práctica artística. 

Su primera exposición individual, en la galería Fernando Vijande de Madrid en 1984, se reconstruye en parte en el atrio del Museo CA2M. Asombra en estas piezas la coherencia con respecto a su trayectoria futura: las arquitecturas para la vigilancia, una relacionalidad compleja entre los personajes, la erosión de la frontera entre representación y realidad y el uso del lenguaje como truco ilusionista avanzan lo que serán sus herramientas centrales.

Aunque aquella primera exposición no fue un éxito de ventas, sí lo fue para la crítica. De la mano de la comisaria María de Corral exhibe en 1986 en la sección Aperto de la Bienal de Venecia y en 1987 realiza en el CAPC de Burdeos su primera exposición monográfica en un museo. Es ahí que su trayectoria –con el apoyo de grandes comisarios del norte de Europa como Rudy Fuchs, Jan Hoet o Chris Dercon– adquiere un fulgurante peso internacional. Pero en España, su primera exposición institucional no llegará hasta 1996.

Su trabajo en la década de los 80 estuvo marcado por una triple intención: recuperar la figura humana para la estatuaria desde una plástica no expresionista, experimentar con el repertorio emocional del régimen expositivo y plantear una reflexión sobre las posibilidades teatrales de la instalación.

La complejidad de las narrativas espaciales de Juan Muñoz arranca con su interés en los minaretes, atalayas, balcones y otras arquitecturas concebidas para la mirada elevada del poder.


Su interés por la especulación narrativa se despliega en toda una serie de trabajos centrados en lo siniestro cotidiano, desde sus amenazantes pasamanos descontextualizados –arquitecturas guía que han perdido su objeto- a los llamados Raincoat  [dibujos de gabardina] que representan en blanco sobre fondo negro espacios domésticos, vistas de interiores de un gótico gélido





La exposición culmina con varias de las obras maestras que consolidaron su fama, instalaciones de suelos ópticos donde la teatralidad sirve para tensionar la reacción física y psicológica de los visitantes a una exposición, como The Waste Land [La tierra baldía], Souffleur  o Arti et Amicitiae, recuperada por primera vez desde su instalación en 1988.






Profesora Sara Fernández:
Lda. en Historia del Arte por la UCM y diseñadora.

https://ca2m.org/exposiciones/juan-munoz-en-la-hora-violeta



Actividades Culturales Tíltide. 

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

tiltide.com

tiltide@gmail.com



3 de diciembre de 2023

Arquitectura para todos

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos, un proyecto del Vitra Design Museum y la Wüstenrot Foundation en colaboración con la Vastushilpa Foundation, recala en el Museo ICO para mostrar, por primera vez en España, la obra del único arquitecto indio galardonado con el Premio Pritzker. Se trata de la mayor retrospectiva dedicada al conjunto del trabajo de Doshi, sorprendentemente desconocido en Europa hasta la concesión de este prestigioso reconocimiento a sus siete décadas de trayectoria profesional, en la que la arquitectura, la investigación, la docencia y un profundo compromiso social se entrelazan hasta hacerse indistinguibles.

Balkrishna Doshi (Pune, India, 1927–Ahmedabad, India, 2023), creció rodeado del ambiente de entusiasmo reinante durante el movimiento de independencia indio, entre cuyas figuras destacadas se encontraban Mahatma Gandhi y Rabindranath Tagore. En 1947, año en que se proclamó la independencia de la India, comenzó sus estudios de arquitectura en el Sir Jamshedjee Jeejeebhoy College of Architecture de Bombay. En la década de 1950 viajó a París y trabajó con Le Corbusier. La colaboración con Le Corbusier y, más tarde, con Louis Kahn se prolongó a lo largo de toda una década y familiarizó al joven arquitecto con el vocabulario de la arquitectura moderna, con especial énfasis en las formas y materiales de construcción elementales.

Comenzando por una recreación a escala real de Sangath, el estudio que diseñó y en el que trabajó desde 1980, esta exposición nos guía por un recorrido a través de la excepcional producción de Doshi. Estructurada en cuatro bloques temáticos que, a la vez, son tipológicos, mediante planos, maquetas, dibujos, pinturas e instalaciones accesibles de grandes dimensiones que reproducen algunos de sus edificios más emblemáticos, nos permite apreciar cómo, a partir de sus tempranas colaboraciones con Le Corbusier y Louis I. Kahn, Doshi fue capaz de crear un lenguaje arquitectónico propio a partir de la adecuación de la modernidad occidental a las circunstancias locales y a las tradiciones constructivas vernáculas de la India. Con este bagaje, Doshi participó de forma especialmente intensa en la construcción de un país que, tras haber conseguido la independencia, aspiraba a desempeñar un papel de primer orden a nivel internacional. Pero, para ello, primero era necesario abordar una serie de problemas acuciantes, a cuya resolución contribuirían de modo fundamental las visionarias propuestas aportadas por Doshi con sus proyectos de vivienda asequible, planificación urbana e instituciones sociales, educativas y académicas, algunas de las cuales llegó incluso a fundar y gestionar.


La muestra culmina con una serie de proyecciones en las que el propio Balkrishna Doshi expone su concepción de la arquitectura, el urbanismo, la educación, la sociedad… Una síntesis excepcional de su pensamiento intelectual que pone de relieve que, como afirma Juhani Pallasmaa, las contribuciones de Doshi a la educación, a los diferentes campos de la cultura artística y artesanal, al desarrollo de las comunidades, a la identidad y conciencia del ser propias de la India y al pensamiento humanista en general son insustituible.

https://www.fundacionico.es/


20 de noviembre de 2023

Actividades Culturales II . Programación para miércoles. Segundo Trimestre.

MIERCOLES.

SEGUNDO TRIMESTRE.

Mes de Enero

Miércoles 10 

MUSEO THYSSEN

Maestras

A las16.00 H.



Miércoles 17 ó 24

MUSEO DE MANUEL BENEDITO

Manuel Benedito.

A las 17.00 h.












Mes de Febrero

Miércoles 7 

MUSEO REINA SOFIA

Picasso  1906. La gran transformación

A las 17.00 h.













Miércoles 21

FUNDACION MAPFRE

De Chagall a Malevich

A las 17.00 h.












Mes de marzo

Miércoles 6

MUSEO THYSSEN

La realidad de Isabel Quintanilla












Miércoles 20

Sin  determinar. Depende de la agenda cultural de Madrid.


ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

Fernando el Católico 28 

Madrid

Actividades Culturales I. Programación para Jueves y viernes.

 PROGRAMACIÓN para el JUEVES/VIERNES

 

Mes de OCTUBRE


 Viernes día 27 

GALERÍA de COLECCIONES REALES

 Los Austrias A las 16,15 h.

 (Acceso por la Cuesta de la Vega / Parque del Campo del Moro, al lado de la Cripta de la Almudena).

 

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Mes de NOVIEMBRE 


Jueves 16 /Viernes 17

MUSEO THYSSEN 

Figuración y realidad en el arte moderno: de Hopper a Richard Estes".

Museo Thyssen-Bornemisza

A las 14,30 horas y a las 15.00 h.

 

 

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Mes DE DICIEMBRE

 

Jueves 14/Viernes 15

 CAIXAFORUM

 Veneradas y temidas. (Exposición organizada en colaboración con el British Museum).

Diosas, espíritus, demonios o santas, figuras que han sido veneradas y temidas hasta hoy y que han influido y siguen influyendo en la vida de las personas.

A las 14.00 h y a las 15.00 h.

 

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Mes de ENERO

Jueves 25/ Viernes 26

 MUSEO THYSSEN

Maestras

 Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Clara Peeters, Rosa Bonheur, Mary Cassatt, Berthe Morisot, María Blanchard, Maruja Mallo………..  artistas célebres en su tiempo que hoy vuelven a ser reconocidas como maestras,

 

A las 14.30 y a las 15.00 h.

 

 

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Mes de FEBRERO

  

Jueves 1/Viernes 2

CENTROCENTRO CIBELES.

Monet. Obras maestras del Musee Marmottan Monet. París.

A las 15.00 y las 15,00 h,

 

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Mes de MARZO

Jueves 7/ Viernes 8 (Fecha y hora pendiente de confirmación)

FUNDACIÓN MAPFRE

 De Chagall a Malevich....

A las 14.30 y a las 15.00 h.


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Mes de abril
Jueves 11/Viernes 12  (Fecha pendiente de confirmación).
MUSEO THYSSEN
El realismo de Isabel Quintanilla.
A las 14.30 y a las 15.00 h.

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Mes de Mayo
FUNDACIÓN JUAN MARCH.
El pequeño museo más bello del  mundo.
Jueves 9/Viernes 10 (Fecha pendiente de confirmación).
A las 14.30 y a las 15.00 h.

Mes de junio
GALERÍA DE COLECCIONES REALES.
Sala de los Borbones.
Jueves 9/Viernes 10 (Fecha pendiente de confirmación).
A las 14.30 y a las 15.00 h.


ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE
Fernando el Católico, 28 Madrid. 




15 de noviembre de 2023

Un paseo por el Thyssen: Figuración y realidad en el arte moderno, de Hopper a Richard Estes.

La figuración adquiere en el arte del siglo XX unas características muy especiales  que, en este paseo por la colección permanente del Thyssen y la colección Carmen Thyssen, vamos  a analizar, siendo además aquel, un momento en el que la abstracción marcaba el paso  del arte.   

El recorrido analiza, a través de una serie obras escogidas por nuestra profesora, las distintas vías que tanto en lo formal como en el contenido, siguen los artistas figurativos del XX. De Hopper a Richar Estes. 




En La habitación de hotel, obra fundamental de Hopper, una muchacha reposa al borde de una cama. Es de noche y está cansada. Se ha quitado el sombrero, el vestido y los zapatos, y sin apenas fuerzas para deshacer las maletas, consulta el horario del tren que habrá de tomar al día siguiente. La soledad de las ciudades modernas constituye uno de los temas centrales de la obra de Hopper. ese es su rasgo distintivo.

 

Reginald Marsh, autor de las obras siguientes pintadas en 1926 y 1933. El artista nació en París el 14 de marzo de 1898. En 1900, sus padres, artistas norteamericanos, se trasladaron a Nueva Jersey, y posteriormente a Nueva York. Marsh estudió Bellas Artes en la Universidad de Yale, donde dibujaba ilustraciones para la revista The Yale Record. Tras su graduación en 1920, trabajó como dibujante independiente en Nueva York. Entre 1922 y 1925, Marsh dibujaba temas urbanos y bosquejos de obras de teatro para el Daily News y diseñaba telones y decorados teatrales en Nueva York y Provincetown.

Charles Bell es el autor de esta obra: hiperrealista, fotorrealistaincluye elementos del Pop Art. Se inspiró para sus naturalezas muertas a gran escala en la historia de amor de Estados Unidos por los juguetes y los juegos de arcade. 

Las representaciones hiperrealistas de máquinas de pinball de Bell a menudo se consideran su mejor trabajo. Al tomar perspectivas de primer plano y una variedad de ángulos diferentes, Bell capturó las superficies iridiscentes y los patrones ocupados de sus sujetos con detalles meticulosos.

 Con una minuciosidad primitivista y un cierto aire neorromántico y surreal, Lucian Freud tomó partido por el arte figurativo y en contra de las corrientes abstractas dominantes. Desde entonces, su obra se ha alimentado de la tensión existente entre la realidad y la materia, entre lo visual y lo táctil. Por otra parte, su obsesión por el cuerpo humano le llevó a hacer una original reinterpretación del género del retrato.

En sus numerosos autorretratos, el pintor aparece siempre con un gesto forzado, guiñando los ojos, mirando de reojo o hacia abajo, con una mirada que evidencia el esfuerzo que debe hacer para representarse a través del espejo. Reflejo con dos niños (Autorretrato), de 1965, combina un primer plano intenso del artista con su cuerpo retorcido para poder mirar su propio reflejo en un espejo colocado sobre el suelo a sus pies

 Walt Kuhn empezó a trabajar como ilustrador para la revista The Wasp. En 1901, viajó a París, en donde estudió brevemente  antes de trasladarse a la Real Academia de Bellas artes de  Munich. Chico con chistera  de 1948, es una de las muchas representaciones circenses que constituyen una parte fundamental de la creación pictórica de Kuhn.

Lichtenstein fue una de las figuras clave del pop norteamericano y sacó la inspiración para su obra tanto del arte popular: anuncios comerciales, revistas, comiccomo de la historia del arte tradicional:  Art Decó, cubismo, expresionismo abstracto (en el que militó al principio de su carrera)...  

La obra de Lichtenstein se caracteriza por su ironía (es algo de lo que los artistas pop presumían, a veces disfrazado de esnobismo o superficialidad…), el uso de puntos benday (utilizados en artes gráficas) y colores industriales, el lenguaje del cómic (onomatopeyas, viñetas, narrativa) y el dominio de la línea.

En nuestro recorrido por el Thyssen encontramos Mujer en el baño. Una mujer que, como las otras de Lichtenstein,  luce nítida, hermosa, fresca y  moderna  Es como si todas hubieran salido del mismo bote de maquillaje. 

                 


Richard Estes fue uno de los fundadores del hiperrealismo. Esta corriente pictórica, que surgió en Estados Unidos a finales de la década de 1960, se caracterizó por su interés por captar la realidad tomando como modelo la imagen fotográfica y por aspirar a una nitidez absoluta, de mayor precisión que la del ojo humano.

Entre 1952 y 1956 estudió en el Art Institute of Chicago y, tras finalizar su formación, comenzó a trabajar para diversas agencias de publicidad y empresas del mundo editorial. En 1959 se trasladó a Nueva York, donde trabajó como ilustrador y diseñador y se familiarizó con el mundo de la fotografía. Tras ahorrar el dinero suficiente, Estes dejó de trabajar y viajó por España en 1962. En 1967 enseñó algunas de las obras realizadas durante su viaje a Allan Stone, que presentaría su primera exposición individual en su galería en 1968. En apenas tres años, su obra era conocida en Estados Unidos y en Europa.

Manhattan se convirtió en su tema preferido y con el tiempo otras ciudades del mundo también pasaron a ser objeto de sus obras. A pesar de que admiraba a Edward Hopper, sus paisajes urbanos se distanciaron de los de éste, pues evitaban las escenas nocturnas y cualquier elemento narrativo o emocional. La luz de sus lienzos, por el contrario, busca aquellos momentos más brillantes del día, sintiéndose especialmente atraído por las superficies metálicas, los cristales y los espejos, que le permiten recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos. Aunque se acercan mucho a la visión del mundo que aporta una fotografía y Estes se basa en ellas paras sus composiciones, no las utiliza para imitar la realidad, sino para reconstruirla con una nitidez mucho mayor que la que permite la observación directa.




Termina nuestro recorrido, y nos ha quedado claro lo amplio que es  el concepto de arte figurativo, a través de las obras que van desde La habitación de hotel de Hopper hasta el último retrato de Richar Estes (en la fotografía anterior),  pasando por  la obra de Freud o de Liechtenstein, de Bell y de otros artistas que se ubican en distintas corrientes o movimientos pero que coinciden,  todos,  en la utilización de la realidad como soporte para  realizar su trabajo, en un momento en el que la hegemonía cultural e intelectual se inclinaba por el lenguaje abstracto.

Y en cuanto a la obra que aparece a continuación, la meteríais dentro de nuestro recorrido? Si queréis, podéis dejar vuestra opinión en los Comentarios. 

                                                


Visita guiada por la profesora Sara Fernández:

Lda. en Historia del Arte por la UCM y diseñadora.

Fotografía: María de la Riva

https://www.museothyssen.org/



Actividades Culturales Tíltide. 

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

tiltide.com

tiltide@gmail.com













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