9 de marzo de 2026

La Avispa Verde. Dos series: La atracción del Vintage y A escena.

 Equipo formado por Sara Fernández, diseñadora, y José Luis Fernández, artista plástico, para experimentar nuevos caminos de creación en el ámbito de la obra sobre papel. Utilizando para ello técnicas mixtas, mediante el empleo de diversos materiales que se integran en collages, los cuales se representan finalmente mediante la técnica de impresión digital seriada.  



La atracción del Vintage

Exposición en la que el equipo La Avispa Verde, nace, mostrando el trabajo realizado en una etapa de creación en el ámbito del diseño en el arte.

Doce visiones inspiradas en la moda y otras creaciones:
Obra gráfica, realizada sobre papel, a partir de antiguas imágenes del mundo de la moda, la creación y el diseño, con el objeto de expresar y comunicar una nueva sensación estética, mediante la inclusión de dibujos, pinturas y formas que enriquecen con su armonía imágenes que durante las primeras décadas del siglo XX, fueron utilizadas para trasmitir las creaciones que la publicidad y la moda de la época diseñaban conforme a las tendencias y gusto que esos momentos marcaban.


                                                       "El mojito de Federico Ribas"
                                                         Impresión digital sobre papel.
                                                           


"Corte y confección a navaja"
 Impresión digital sobre papel-


"Cena de gala con guitarrista"
 Impresión digital sobre papel.



"La alucinación del Bloody Mary"
 Impresión digital sobre papel.



"La revolución China"
 Impresión digital sobre papel.



"Marnie, la ladrona"
 Impresión digital sobre papel.


"El mejor perfume"
 Impresión digital sobre papel

Edición limitada de obra gráfica  numerada y firmada por el autor, la Avispa Verde.
Papel 100% algodón..
En las medidas siguientes está incluido un margen de 5 ò 6 cm. blanco para firma y numeración.
38 x 56 cm. (sin enmarcar).
30 x 21 cm. (sin enmarcar)
70 x 50 cm.  (sin enmarcar)
Todos se entregarán con el correspondiente certificado de autenticidad.

A escena
La obra gráfica que presentamos en A escena ha sido realizada como una escenografía, creada a partir de la fusión entre piezas de joyería de  Sara Fernández, y la obra gráfica de la Avispa Verde, formada por aquellas, y elementos estéticos, que los dos artistas.

Noche de copla





Cambio de ritmo.



Aplausos.



Edición limitada de obra gráfica  numerada y firmada por el autor, la Avispa Verde.
Papel 100% algodón..
En las medidas siguientes está incluido un margen de 5 ò 6 cm. blanco para firma y numeración.
38 x 56 cm. (sin enmarcar).
30 x 21 cm. (sin enmarcar)
70 x 50 cm.  (sin enmarcar)
Todos se entregarán con el correspondiente certificado de autenticidad.









10 de febrero de 2026

Henri Matisse en Caixa Forum: Figura central de las Vanguardias.

Y hasta aquí sólo había UNA FORMA DE PINTAR.

 Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial, se puso de manifiesto en el arte  un ansia de romper con los estilos del pasado. 

Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías (que exploraban o anticipaban el futuro); agitación social y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa... Además la crisis arte-sociedad se evidencia, siendo la característica que conlleva la vanguardia.


 Se conocen como vanguardias históricas  los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX, después del Impresionismo y Postimpresionismo. Su propuesta rupturista fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en esa época se produce en el arte, una auténtica revolución de las artes plásticas: un desafío intelectual.


 No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que trataban de transformar la sociedad: Las Vanguardias están vinculadas con actitudes progresistas  (implicaban ansia transformadora de la sociedad). A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente en la crítica artística, concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo  y también al Fovismo. 

En la imagen posterior una preciosa obra del pintor fovista Van Donguen, que acompaña a las de Matisse en la exposición de Caixa Forum. La obra de la fotografía anterior pertenece a Macke, pintor alemán que supo  integrar en su pintura aquellos elementos que más le interesaban de las vanguardias. 

El Manifiesto de los pintores futuristas (Milán,11/2/1910) refleja el carácter más típico vanguardista en general, pero también  aparecen claramente explícitos la euforia, el desafío, la provocación y, frente a los valores establecidos, la originalidad y la innovación, así como una significativa fe en el progreso, fe en el avance y transformación de la Humanidad hacia una situación, supuestamente, mejor,  que está en la base del concepto de vanguardia.


MATISSE.

Henri Matisse refleja  en su obra su concepción totalmente innovadora del color, su reformulación crítica del cuadro como pura superficie pictórica y también una  manera de expresar la ruptura con las normas establecidas y la búsqueda de una nueva forma de ver y representar el mundo. Su estilo distintivo y su enfoque innovador lo han establecido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y su legado sigue siendo una fuente de inspiración para artistas y amantes del arte en la actualidad.


¿Qué características identifican sus obras desde el principio?:


 Uso audaz del colorSus pinturas a menudo presentan colores intensos y contrastantes que crean una sensación de energía y vitalidad. Este enfoque en el color es una de las características más distintivas de su obra y lo establece como uno de los maestros del uso del color en la historia del arte.  Hasta el negro, que va tomando espacio, produce luz. Y  es utilizado para resaltar los perfiles.


Formas simplificadas: Matisse también era conocido por su enfoque en la simplificación de las formas. A menudo representaba figuras y objetos con formas geométricas simples, reduciendo la realidad a sus elementos básicos. Esta simplificación de las formas le permitía crear composiciones dinámicas y expresivas.


Expresión de la emoción:  Otra característica destacada en las obras de Matisse es su habilidad para expresar emociones a través de su arte. Sus pinturas transmiten una sensación de alegría, armonía y vitalidad, incluso cuando representan temas cotidianos. Matisse creía en el poder del arte para transmitir emociones y su obra refleja esta creencia.




Experimentación con la composiciónMatisse era un innovador en términos de composición. Experimentaba con la disposición de formas y colores en el lienzo, creando composiciones dinámicas y equilibradas. Su enfoque en la composición le permitía crear obras que eran visualmente impactantes y que desafiaban las convenciones artísticas de su época.



La exposición que podemos ver en CaixaForum, la forman  una amplia selección de obras  procedentes en su mayoría del Centro Pompidou, donde las piezas de Matisse se presentan  con las de otros artistas contemporáneos y posteriores en los que él influyó. La  muestra refleja  su trayectoria y evolución, desde los fauves alemanes y los neoprimitivistas rusos hasta la pintura estadounidense a partir de la década de 1940.

                 

                       
                                    

Tíltide

C/ Fernando el Católico, 28
28015 Madrid.
Profesoras:
Carmen Manso de Zúñiga.
Sara Fernández.

Fotografía de María de la Riva
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25 de enero de 2026

Las mejores exposiciones de este invierno 2026.

 1CHEZ  MATISSE

CAIXAFORUM MADRID

Hasta febrero de 2026.



El espacio CaixaForum Madrid presenta del 29 de octubre al 22 de febrero de 2026 una exposición que ofrece un viaje por la obra de Matisse que cuestiona las condiciones mismas de la pintura, pero también su situación emocional y política.

Organizada con la colaboración del Centre Pompidou, esta muestra explora la trayectoria, evolución, alcance e influencia de Matisse para creadores y vanguardias internacionales. 

El arte de Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) refleja su concepto innovador sobre el color, así como su reformulación crítica del cuadro a modo de mera superficie pictórica y también su idea de estar «fuera de lugar» tanto emocional como políticamente. Esto es, su forma de expresar la ruptura con las normas establecidas y la búsqueda de una nueva forma de ver y representar el mundo.


2. MARUJA MALLO

MUSEO REINA SOFIA

 Hasta el 16 de marzo de 2026.



Esta gallega, ligada a la generación del 27, introdujo en su obra una diversidad iconográfica y estilística poco común, destinada a dar forma a una renovada mitología y, también, a dar relevancia a las mujeres creadoras, de ahí la importancia de la autorrepresentación en su producción.

Incluyó autorretratos en sus primeras composiciones personales, las verbenas; más tarde se aproximó al mundo del teatro y a la que llamó “plástica escenográfica”, en una serie de fotografías de sí misma emplazada en diferentes escenarios desde los que propuso una revisión de las identidades de género, de clase, artísticas y políticas. Estando ya exiliada, este asunto de la identidad regresó desde la fluidez a sus naturalezas y retratos, a los que incorporó la cuestión racial.

A esta exposición  llegarán noventa pinturas, dibujos, escritos y documentos, además de vídeos que repasarán su biografía e influencia.


3. ANTONIO RAPHAEL MENGS

MUSEO DEL PRADO.

Hasta el 1 de marzo de 2026.


La exposición monográfica dedicada al pintor Antonio Raphael Mengs (1728-1779), que cuenta con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, será la más importante hasta la fecha, presentando un conjunto de aproximadamente 150 obras de alta calidad, provenientes principalmente del Museo del Prado y Patrimonio Nacional, complementadas con préstamos internacionales. Incluirá acuarelas, pasteles, dibujos, óleos y el fresco Júpiter y Ganimedes, además de esculturas, medallas y manuscritos. La muestra ofrecerá una visión completa de Mengs, sus modelos y sus influencias, destacando su relación con grandes maestros como Raffaello Sanzio, Correggio y Pompeo Batoni.

www.museodelprado.es


4. METAMORFOSIS: ESPACIO Y SOCIEDAD EN LA COLECCIÓN IDEALISTA.

SERRERIA BELGA

Hasta el 8 de Marzo

 

El espacio expositivo de la Serrería Belga se dedica esta temporada a reflexionar sobre la relación entre entorno, sociedad y ocupación/vivencia de los lugares a través de una selección de obras de la Colección idealista.
Con un total de 120 piezas realizadas por artistas europeos, africanos y americanos, la exposición propone una mirada crítica y analítica a través de la fotografía y el video arte. La selección está estructurada en cuatro secciones: Tensiones Geográficas, Paradojas Medioambientales, Los espacios cotidianos y Arqueología Humana, que trazan un recorrido a través de la relación entre el ser humano y los paisajes que habita. 
Un análisis visual y sensorial que investiga la influencia recíproca, las utopías, el desarrollo urbano, el impacto medioambiental y la exploración de los vestigios visibles e invisibles.

www.serreria-belga.es


5. PABLO REINOSO. LA VIDA SE MUEVE.

MUSEO DE ARTES DECORATIVAS.

Hasta el 15 de marzo.


Pablo Reinoso hace objetos que están en la frontera del arte, del diseño y de la artesanía. en el recorrido expositivo encontramos diversas tipologías de obras que conforman el camino de su vida: bancos que se desbordan, herramientas que cambian de función, marcos que se desenmarcan o esculturas hechas a partir de una reflexión sobre las sillas Thonet. Reinoso siempre opera en sus obras un desplazamiento de la función. La función es un material tan determinante en su obra como lo son la madera, el acero, la tinta o el papel. En sus bancos las maderas dejan de respetar el escrupuloso diseño que las construye para seguir el modelo de crecimiento de un vegetal. En su obra tiene una importancia capital el lugar en que se instala cada pieza, ya que aprovecha la potencia del espacio alrededor de cada obra para cargarla con nuevos sentidos disparadores. José Jiménez, comisario de la muestra, ha sabido interpretar los juegos de líneas, de llenos y de vacíos como una poética que desvela no sólo la concepción que de su obra tiene el autor, sino también la que el Museo tiene de su propia misión.


6. NATURALEZA DE ASFALTO. MADRID HIPERREALISTA. JOSÉ MIGUEL PALACIO.

MUSEO DE HISTORIA DE MADRID.

Hasta el 24 de mayo.



José Miguel Palacio se aproxima a la capital como un observador minucioso, atento a su transformación constante y al caos de una gran ciudad. Retrata aviones, aeropuertos, coches o la Gran Vía reflejada en un parabrisas, jugando con brillos e ilusiones ópticas. Como un reportero del presente capta el ritmo agitado, la evolución y las contrariedades de la vida moderna. 

Su proceso de trabajo es lento : pasea, observa, fotografía y traslada al lienzo cada detalle de la ciudad. Entre las piezas de la muestra destaca el políptico de Madrid al cielo formado por 30 óleos que ilustran diferentes puntos de la capital desde un ángulo que dirige la mirada hacia el cielo. Calles como Serrano, Gran Vía, Princesa o Goya, plazas como Callao, estaciones como Atocha o Chamartín, además de escenas en el Parque del Retiro, o la cafetería Milford aparecen plasmadas con un hiperrealismo tan preciso que roza la fotografía, convirtiendo su pintura en un manifiesto de la ciudad actual. 


7.  HAMMERSSHOI. EL OJO QUE ESCUCHA.

MUSEO THYSSEN.

Del 17 de febrero al 31 de mayo 



El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva en España dedicada al artista danés Vilhelm Hammershøi (1864-1916) ofreciendo, a través de casi un centenar de obras, una amplia y completa visión de su trabajo. Más de cien años después de la muerte del pintor, que alcanzó un éxito considerable en vida por sus interiores fríos y silenciosos, sus obras todavía atraen e inquietan al espectador moderno. La ambigüedad de sus planteamientos mantiene abiertas múltiples vías de interpretación que en las últimas décadas se han enriquecido gracias a la búsqueda de conexiones con otros artistas europeos y a la contextualización con sus contemporáneos daneses. Ver sus cuadros en el Museo Thyssen permite además relacionarlos con los maestros del pasado, como los holandeses del siglo XVII, y las grandes figuras del siglo XIX y XX. 


8. ANDRES ZORN. RECORRER EL MUNDO, RECORDAR LA TIERRA

FUNDACIÓN MAPFRE RECOLETOS

Del 16 de febrero al 17 de mayo.



Anders Zorn (1860–1920) fue el pintor sueco más destacado de finales del siglo XIX y principios del XX. Procedente de un humilde entorno rural, llegó a alcanzar fama internacional como retratista de reyes, políticos y otras celebridades de su tiempo. Su virtuoso dominio de algunas de las principales técnicas artísticas (óleo, acuarela, grabado) le consolidó como uno de los creadores con mayor prestigio en Europa y Estados Unidos.

Recorrer el mundo, recordar la tierra presenta una completa panorámica del conjunto de su obra: desde sus primeras acuarelas y sus viajes de formación, su posterior establecimiento en París, su retorno a Suecia en 1896 y sus viajes a Estados Unidos. La amplitud y riqueza de esta trayectoria, cosmopolita y al mismo tiempo profundamente vinculada a sus orígenes, se refleja en una pintura en la que la representación de la vida moderna y los retratos de personalidades de muchos países conviven con escenas de la vida tradicional de su región natal.


9. A LA MANEERA DEL  BOSCO.

FUNDACION JUAN MARCH 

Del 27 de febrero al 12 de abril.

Organizada en colaboración con Solo Contemporary, esta exposición presenta dos pequeñas tablas, El cielo El infierno, realizadas por un seguidor del Bosco ('s-Hertogenbosch, Países Bajos, c. 1450-1516) −procedentes de un tríptico perdido dedicado al tema de El juicio final−, junto a obras contemporáneas de carácter surrealista, metamórfico y fantástico. Esta continuidad en los artistas contemporáneos de ensoñaciones como las del Bosco no es un caso aislado. Su intensa influencia es excepcional: tras su muerte, sus invenciones, sátiras morales, imaginería delirante y humor negro se convirtieron en una tradición viva. No es casual que André Breton viera en su lógica visual un antecedente del surrealismo. Hoy, sus visiones conviven con las posibilidades de la tecnología digital y la inteligencia artificial, que generan, como su pintura, mundos fantásticos con los que imaginar y pensar.


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20 de enero de 2026

La Hispania romana en el Museo Arqueológico

Entre 218 a. C., fecha del desembarco romano en Ampurias, y el siglo V (476) cuando penetran los visigodos en la Península, sustituyendo a la autoridad de Roma, la península hispánica entra a formar parte del imperio romano. A lo largo de este extenso periodo de prácticamente siete siglos, tanto la población como la organización política del territorio hispánico sufrieron profundos e irreversibles cambios, y quedarían marcadas para siempre con la inconfundible impronta de la cultura y las costumbres romanas.


De hecho, tras el periodo de conquistas, Hispania pasó a ser en una parte fundamental del Imperio romano, proporcionando a este un enorme caudal de recursos materiales y humanos, y siendo durante siglos una de las partes más estables del mundo romano y cuna de algunos gobernantes del imperio. 

La provincia de Hispania estaba dividida en varias provincias, cada una gobernada por un gobernador. Estos gobernadores eran nombrados por el emperador y eran responsables de mantener el orden y la administración en su provincia. Las provincias tenían su propia capital y estaban subdivididas en municipios y conventus. 

 El proceso de asimilación del modo de vida romano y su cultura por los pueblos sometidos, se conoce como romanización. El elemento humano fue su más activo factor, y el ejército el principal agente integrador. Esta Hispana produce durísimos soldados, expertísimos capitanes... En las imagines siguientes  un casco, que habrá luchado en muchas batallas,  y un estandarte que, seguro, dirigiría a jóvenes romanos o hispanos. 



Uno de los aspectos más trascendentes de la romanización  en la península fue el de su latinización Es decir, el proceso que trajo consigo la pérdida de los idiomas indígenas, a excepción del vasco, y la  paralela sustitución de estos por el latín, del que más tarde derivarían las lenguas romances.


El proceso de romanización en la Península se basó fundamentalmente en las ciudades como núcleos exportadores de la nueva cultura. La política urbanizadora comenzó pronto, aunque con fines casi exclusivamente defensivos. 

Fueron las ciudades núcleos exportadores de la nueva cultura. La política urbanizadora comenzó pronto, aunque con fines casi exclusivamente defensivos. Durante la época republicana las riquezas mineras y agropecuarias de Hispania atrajeron gran número de emigrantes romano-itálicos, sobre todo después de la crisis del siglo II a. C. Estos, unidos a los soldados establecidos en la Península, comenzaron a asentarse en ciudades. 

De ellas, destaca la cerámica, conjunto de producciones de muy diversas procedencias, categorías técnicas y zonas de comercialización o difusión. Desde producciones locales fruto de artesanos anónimos que surten una demanda muy próxima, fabricadas con técnicas y formas de la tradición local, hasta lujosas y sofisticadas vajillas con influencias helenísticas y orientales, salidas de afamados talleres altamente especializados que firman sus productos y los difunden por los más apartados rincones del orbe romano.



Y hablando y viendo objetos de cerámica, llegamos a las ánforas, vasijas cerámicas que se utilizaban en la antigüedad para transportar líquidos y solidos. tuvieron un papel tan importante en el imperio  que existe una colina de forma triangular, emonte Testaccio o Monte dei Cocci,  compuesta por restos de alrededor de 53 millones de ánforas rotas; sobre todo de olearias, procedentes de lugares como la Bética (aproximadamente el 80 % del total) o  de la Galia, también de  otras regiones de la península itálica, y se han documentado algunas ánforas orientales.

Las ánforas llegaban al puerto de Roma, donde se vaciaba su contenido y se rompían en pedazos. Los restos eran depositados en el monte Testaccio y después se esparcía cal sobre los recipientes para evitar malos olores, proceso que se hacía porque no era rentable lavar los recipientes y enviarlos de vuelta a la Bética y otras regiones. Las ánforas parece ser que se trasladaban enteras, probablemente en grupos de cuatro, por burros, mulas u otros animales de carga.

Las excavaciones arqueológicas indican que la colina no fue un basurero fortuito ni desordenado, sino una estructura gestionada de manera disciplinada, elevada por terrazas con muros de retención, también hechos de trozos de cerámica. Se pueden establecer tres fases en la construcción de dicha estructura.


Y volviendo a la ciudades, con Julio Cesar comenzó un periodo de colonización y municipalización, asentó en Hispania a sus soldados fundando nuevas colonias, también concedió la ciudadanía romana a municipios ya existentes, premiando así su fidelidad en la guerra civil que mantuvo con Pompeyo en la Península.  Augusto continuó la política de César, y Vespasiano concedió el derecho latino a todas las ciudades de Hispania.

La ciudad romana desarrolla su propia morfología. Los romanos trataron de hacer del entorno urbano un lugar digno para vivir, por lo que construyeron acueductos, fuentes, puentes, termas, baños además había  servicio de incendios y de policía, mercados y todo aquello que es necesario para que la gente viva lejos del campo y con todos los refinamientos posibles para mejorar la salud pública. Además, había motivos de adorno y conmemoración como las columnas y los arcos del triunfo. Muchos edificios y  casas se adornaban con mosaicos, como los que aparecen a continuación.

                                      

El resto de la ciudad estaba ocupada por viviendas. Los ricos vivían en una casa unifamiliar  que se llamaba domus. Los más humildes habitaban en casas de pisos, llamadas insulae (islas). y villae en el campo.


Y para terminar nuestra visita, un paseo por el fantástico patio del museo,  con las imágenes de los principales emperadores de Imperio, entre los que se contaban algunos hispanos, ya que España desempeñó un papel crucial en la civilización. Varios emperadores de origen español gobernaron Roma y dejaron un impacto significativo en la historia. Ciudades españolas como Tarraco y Valencia tuvieron una labor clave en el desarrollo de la cultura, difundiendo su influencia a lo largo del imperio. Entre los emperadores romanos españoles más importantes destacan: Trajano, Adriano y Teodosio I.



Profesora: Carmen Manso de Zúñiga.

Historiadora del Arte por la UCM. Y Profesora.


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