3 de octubre de 2021

Las mejores exposiciones de este otoño en Madrid.

MUSEO  THYUSSEN: La Máquina Magritte

14 septiembre 21 / 30 enero 22

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge la primera retrospectiva en Madrid del pintor surrealista René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Schaerbeek) desde la que le dedicó la Fundación Juan March en el año 1989. Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del museo, la muestra reunirá en torno a 70 obras, incluyendo pinturas y obra sobre papel, junto a una selección de fotografías y films.

El pintor René Magritte también fantaseó con un catálogo de artilugios concebidos para automatizar procesos de pensamiento y creación, entre los que se encontraba una máquina universal para hacer cuadros. Ahora el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza revelará el funcionamiento de dicha maquina imaginaria en esta exposición. 



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FUNDACION JUAN MARCH: Ad Reinhardt. El arte es el arte y todo lo demás es todo lo demás.

15 octubre 21 / 16 febrero 22

Esta exposición es la primera dedicada a Ad Reinhardt (Búfalo, Nueva York, 1913-Nueva York, 1967) en España y una de las más completas celebradas en Europa sobre este artista. Considerado uno de los precursores del minimalismo y del arte conceptual, sus obras y escritos han ejercido una gran influencia en algunas de las figuras más notables asociadas a esas tendencias.


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MUSEO REINA SOFÍA: Michael Schmidt. Fotografías 1965-2014.

22 septiembre 01/28 febrero 22

Este museo presenta la primera antología dedicada en nuestro país al fotógrafo Michael Schmidt, uno de los pilares del desarrollo de esa disciplina en Alemania, el siglo pasado. Junto a los Becher y su Escuela de Düsseldorf, por la incesante renovación de su lenguaje formal y la elección de sus temas. La exhibición se ha planteado como una retrospectiva vertebrada cronológicamente y consta de impresiones originales, obras inéditas y un vasto corpus de imágenes procedente de archivos que ilustran la trayectoria de este autor durante cinco décadas (buena parte de estos trabajos influirían abiertamente en los de artistas como Andreas Gursky, con quien Schmidt trabó amistad a finales de los setenta, y en los de otros fotógrafos de generaciones posteriores).


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FUNDACION MAPFRE. Morandi. Resonancia infinita

24 septiembre 21/ 9 enero 22

La exposición hace un recorrido retrospectivo por la obra de Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX. El pintor italiano apenas viajó fuera de Italia y permaneció casi toda su vida en su casa-taller de la Via Fondazza en Bolonia. Allí abordó un trabajo en el que los objetos cotidianos, las flores y el paisaje se convirtieron en protagonistas, con la intención de crear, tal y como señaló Ardengo Soffici, «un conjunto armonioso de colores, formas y volúmenes que obedecen exclusivamente a las leyes de la unidad y la belleza.



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MATADERO MADRID. CENTRO DE CREACIÓN CONTEMPORANEA.
Nave 16 

7 de octubre 2021 / 27 de febrero 2022

El Jardín de las delicias, un recorrido a través de las obras de la Colección SOLO, es una invitación a repensar y conectar desde lo contemporáneo con la obra maestra de El Bosco: Inteligencia artificial, arte sonoro, animación 3D, pintura, escultura o instalación acompañan al espectador en un diálogo con los valores universales que la obra ha mantenido a lo largo de la historia.

Las obras de los artistas  Smack ,  Mario Klingeman, Miao Xiaochun, Cassie McQuater, Filip Custic, Lusesita, La Fura dels Baus, Carlus Padrissa, Mu Pan, Dan Hernández, Cool 3D World, Sholim, Dustin Yellin, Enrique del Castillo, Dave Cooper y Davor Gromilovic conforman una nueva mirada, desde el presente, a la obra maestra del siglo XVI. 

La muestra propone al espectador una reflexión vinculada a los valores universales que la pintura original, que se encuentra en el Museo del Prado, ha mantenido a lo largo de la historia y lo hace a través de medios como la inteligencia artificial, el arte sonoro, la animación digital, la pintura, la escultura o la instalación. 

Las distintas aproximaciones, evocaciones y reinterpretaciones visionarias de las piezas formarán una experiencia expositiva, cuyo diseño arquitectónico corre a cargo del estudio Herreros, que permitirá descubrir la riqueza constructiva y sus inagotables capas de interpretación del tríptico original, su potencial simbólico y su capacidad de alcanzar un retrato social trasladado a nuestro tiempo.

Las casi 20 obras que componen la exposición forman parte de los fondos de la Colección SOLO, proyecto internacional de apoyo a la creación contemporánea con sede en Madrid.

#jardindeliciassolo | #jardindeliciasexpo

(No recomendada para menores de 16 años).
 

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CAIXAFORUM. La imagen humana: Arte identidades y simbolismo.

28 abril 21/ 9 enero 22

La muestra ofrece un apasionante recorrido por los grandes temas, y quizás el más recurrente del arte figurativo: el ser humano. Las obras de civilizaciones  antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la colección de La Caixa y algunos prestamos importantes de otras instituciones. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas: En todos los rincones del mundo, los artista han creado constantemente representaciones de sí mismos.


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CENTROCENTRO. Japón. Una historia de amor y guerra.

22 septiembre 21 / 30 enero 22

A través de una selección de más de 200 obras, el mundo flotante del ukiyo-e llega por primera vez a Madrid de la mano de una de las colecciones más prestigiosas del mundo, un verdadero viaje para descubrir la atmósfera elegante y refinada del país nipón. No solo están presentes los artistas japoneses más prestigiosos de la época como Hiroshige, Utamaro, Hokusai o Kuniyoshi, la exposición ofrece un panorama completo sobre la vida japonesa desde el periodo Edo (1603-1868) hasta el siglo XX, a través de la exhibición de armaduras samurái, kimonos, abanicos y fotografías. El recorrido, desarrollado a través de once secciones, serpentea entre el mundo femenino de las geishas, la leyenda de los fieles guerreros samuráis, sin dejar atrás la historia del nacimiento del ukiyo-e y de los famosos estampados shunga, ricos en erotismo. 


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FERNÁN GÓMEZ. Centro cultural de la villa. INGOYA

 5 octubre 21/16 enero 2022.

INGOYA es una experiencia inmersiva alrededor de la obra de Goya. Más de mil imágenes envuelven al público gracias a cuarenta proyectores de última generación que, sincronizados con música de clásicos como Albéniz, Falla, Granados o Boccherini, crean una perfecta alianza entre arte y tecnología para acercar al público de todas las edades el talento del genial pintor.

Gracias al uso de técnicas punteras en infografía y postproducción, además de correctores de color que cuidan al máximo la paleta original, INGOYA sumerge al visitante en las pinturas de una manera precisa y fiel. Así, la muestra compagina a la perfección la calidad de su producción con el máximo disfrute sensorial y la emoción de estar formando parte del universo de este gran artista.


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Y no olvidemos  a los grandes museos madrileños como El PRADO  o el MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL, el CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA  entre otros, que exponen de forma permanente las señas de nuestro pasado histórico y de nuestro presente. 




EL MUSEO ARQUEOLÓGICO en concreto, todavía poco conocido por muchos madrileños,  pretende ofrecer a todos los ciudadanos una interpretación rigurosa, atractiva, interesante y crítica del significado de los objetos que pertenecieron a los distintos pueblos de la actual España y del ámbito mediterráneo, desde la Antigüedad hasta épocas recientes, de manera que el conocimiento de su historia les sea útil para analizar y comprender la realidad actual.


Más información en nuestra sede de TÍLTIDE: 

Fernando el Católico 28. Madrid  y en

tiltide.com

tiltidearte.com



17 de septiembre de 2021

Termina el verano y empieza una nueva etapa.

Queridos  amigos:

Estamos encantadas de empezar un nuevo curso para compartir con vosotros nuestra común ilusión por el ARTE,  ahora que empiezan a normalizarse las visitas a los museos y a las salas de exposiciones.

Y aunque los grupos tienen que ser pequeños, y no los permiten en todos los museos todavía; y aunque las exposiciones no se programan con demasiado tiempo, y las normas no están muy claras, estamos dispuestas a seguir adelante.

Tenemos programadas visitas al THYSSEN para ver La máquina  Magritte, al CENTROCRENTRO  para entrar de lleno en la cultura japonesa de geishas, samurais y kimonos; a la obra de  Ad Reinhardt,  considerado un precursor del arte conceptual y del minimalismo, y cuyas obras han ejercido una gran influencia en artistas posteriores.  También un cercamiento al Madrid medieval y a esa misma época en el MUSEO ARQUEOLÓGICO.... Y eso solo en estos primeros meses.

Os dejo un recuerdo de exposiciones anteriores y esperamos que la próximas nos traigan tan buenos momentos, y aunque echemos de menos algunas "bajas", la estela que han dejado quedará siempre entre nosotros.


                                           







                                       





Si queréis recibir información de horarios o grupos, no dudéis en poneros en contacto con nosotras en

tiltide@gmail.com


tiltide.com

tiltidearte.com

Y también en Instagram

Un abrazo a todos.

6 de julio de 2021

La imagen humana: arte, identidades y simbolismo en CaixaForum


 La muestra ofrece un recorrido apasionante por uno de los grandes temas –quizás el más recurrente– del arte figurativo: el ser humano. Las obras icónicas de civilizaciones antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la Colección de la Fundación ”la Caixa” y con algunos préstamos importantes de otras instituciones como el Museo del Prado. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas. En total más de 150 piezas, entre  pinturas, mascaras, monedas, esculturas, fotografías... 

 La pieza más antigua fue hallada en Jericó y data del IX milenio a. C y la más reciente (2016) alude al culto a la belleza occidental en Irán y es obra de Parviz Tanavoli. El conjunto de la exposición nos propone, por un lado, analizar las similitudes y diferencias en la representación humana en geografías y tiempos muy distantes; por otro, reflexionar sobre las identidades individuales y sus conexiones con lo colectivo. ¿Hasta qué punto podemos representarnos individualmente o quedamos determinados por lo colectivo?



La exhibición se articula en cinco secciones temáticas: 

Belleza ideal, 

Retratos, 

El cuerpo divino, 

El cuerpo político,

La transformación corporal. 

En todas ellas se ponen en contacto representaciones de épocas diversas, íntimamente conectadas en el discurso expositivo pero enriquecedoramente distintas en su concepción: las hay simbólicas, que responden además a marcados arquetipos, y también carentes de toda metáfora; realistas o idealizadas y aspiracionales. En su evidente disparidad, podemos entender (y así lo apuntan las claves interpretativas que se ofrecen al público en el recorrido) que responden todas a una necesidad última y esencial de entender el lugar que como personas ocupamos en el mundo, qué sabemos de la vida y de la muerte, qué queremos proyectar o hasta qué punto la apariencia ha determinado juicios. Solo si concebimos una imagen del cuerpo podemos situarnos en el mundo exterior, decía Herbert Read en El arte de la escultura.

Moore ha señalado que no alcanza  a profundizar en nuestra actual tendencia al selfie y la exhibición propia en Internet, eso requeriría  análisis nuevos y más profundos, aunque  sí podemos sentirnos conectados con cada una de las figuras reales, mitológicas o ideales  presentes en la muestra, desde las primitivas culturas africanas a Lozano-Hemmer, pasando por Matisse, Goya, Luis de Madrazo, David Hockney, Durerero, Manet, Tom Wesselmann, Tapies, Vanessa Beercroft, Koya Abe, Frank Auerbach, Esther Ferrer, Óscar Muñoz, Craige Horsfield, Ali Cherri o Navarro-Baldeweg, al que pertenece la obra de la siguiente imagen .





                                    










En todos los rincones del mundo, las personas han creado constantemente representaciones de sí mismas. Muchas de estas representaciones contienen un simbolismo complejo; otras nos remiten a la belleza y al misterio del cuerpo humano, a través de distintas vías, desde la más profunda estilización hasta el hiperrealismo. 

 Un viaje a través del tiempo y de las culturas, un recorrido que no distingue ni épocas ni fronteras para mostrar un tema universal: cómo el ser humano se ha representado y se representa a sí  mismo.

 https://caixaforum.org/es/madrid/p/la-imagen-humana-arte-identidades-y-simbolismo

DEL 28 DE ABRIL DE 2021 AL 16 DE ENERO DE 2022.

26 de junio de 2021

Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones.


                   Artista inglés desconocido, Queen Elizabeth I [Reina Isabel I], c. 1600. © National Portrait Gallery, Londres


En la FUNDACIÓN JUAN MARCH se presenta Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones,  una exposición importante dado que  la representación del rostro constituye uno de los géneros artísticos más practicados del arte universal. 

Desde los retratos de El Fayum del siglo II hasta los productos de programas como Face Swap o MSQRD, la representación del rostro constituye uno de los géneros artísticos más practicados del arte. Ni siquiera el corte radical y abstracto que el siglo XX impuso a la tradición figurativa de Occidente ha conseguido terminar con él o minimizarlo.

El carácter y el destino que reflejan nuestras caras, la desnudez humana de cuello para arriba, el juego entre el modelo y la copia, la irreductible individualidad y al mismo tiempo la universalidad a la que aspiran y que tipifican los retratos y autorretratos los reúne en una especie de galería de espejos transparentes que reflejan los individuos singulares, pero también dejan ver las épocas y culturas en las que aquellos fueron modelados y contribuyeron a modelar.


Típicos retratos compendia esa historia a cara descubierta con una selección tan arriesgada como meditada: quince retratos de quince rostros por quince artistas de todo el mundo, hechos a lo largo de más de veinte siglos.

Según  un antiguo dicho la cara es el espejo el alma. ¿Lo es, en realidad?  Es más problable que el rostro refleje los estados anímicos, alegría tristeza, duda ... que también se ha llamado alma, dice la historiadora  Belén Altuna.

La aventura, la gran aventura, es ver surgir algo desconocido cada día en el  mismo rostro: esa es una aventura mayor que todos los viajes alrededor del mundo.

Alberto Giacometti
 

Hasta el 11 de diciembre de 2021.

.https://www.march.es/arte/exposiciones-digitales/tipicos-retratos/

9 de junio de 2021

 


Esta exposición presenta más de seiscientas obras del artista mexicano Francisco Toledo (1940-2019).  El conjunto incluye una amplia variedad de técnicas y materiales, que van desde el dibujo y el grabado hasta la acción comunitaria, la gráfica intervenida y la elaboración de objetos en piel, plata, textiles, vidrio y fibras naturales.

Comisariada por el propio artista,  fallecido hace dos años, pero que había expuesto esta misma muestra en Méjico con anterioridad, explora y subvierte los límites entre arte, artesanía y diseño. En este contexto, destaca una sala pensada para el público infantil en la que se encontrarán juguetes, mobiliario y una instalación de cincuenta y cuatro metros cuadrados de azulejo hidráulico diseñado por Toledo y elaborado artesanalmente en la localidad San Lorenzo Cacaotepec en el estado de Oaxaca.


                                  


  • La exposición Toledo ve es la muestra monográfica más completa en España del artista desde el año 2000.
  • En la muestra se desdibujan las fronteras entre arte, diseño y artesanía.
  • El propio artista comisarió esta exposición en la que buscó compartir su manera de ver el mundo, por eso el título de la muestra es Toledo ve.
  • La exposición reúne más de seiscientas piezas entre las que destacan la sala infantil con una instalación de cincuenta y cuatro metros cuadrados de azulejos hidráulicos, una colección de más de doscientas piezas de joyería y una instalación en la escalinata central de Casa de México en España que incluye ciento cuarenta papalotes o cometas.
  • Francisco Toledo (1940-2019) es uno de los artistas más destacados de México. Su labor cultural y su generosidad al crear diversas instituciones de creación y difusión cultural en favor de su natal Oaxaca lo convirtió no sólo en un artista reputado, sino en toda una autoridad moral.


Igualmente sobresaliente es la joyería, elaborada con radiografías, piel, cuero y oro, e inspirada en la fauna local del Istmo de Tehuantepec, con animales como cangrejos, monos, peces, chapulines o saltamontes, perros y lagartos.



En cualquier soporte, temática o escala, la obra de Francisco Toledo se caracteriza por ser propositiva, original y absolutamente heterodoxa. Esto lo convierte en un artista único e imposible de clasificar dentro de un estilo o movimiento. En México el Maestro Toledo es un referente moral y cultural: su distintivo lenguaje plástico estuvo siempre acompañado de una ardua labor en favor de la justicia social, el respeto al campo y a la ecología, así como la preservación del patrimonio cultural de los pueblos originarios de su natal Oaxaca y del país en general. 

Toledo ve constituye una gran oportunidad para el público español. Desde su exposición individual en el Museo Reina Sofía en el año 2000, España no había recibido una muestra tan completa de este artista fundamental. El título de la exposición es una invitación a compartir la mirada del artista. La manera en la que Francisco Toledo vio el mundo nos permite aproximarnos a su singular universo creativo.



 La Casa de México en Madrid organiza esta exposición en conjunto con la asociación civil Amigos del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, dos de las instituciones culturales fundadas por Francisco Toledo.

C. AlbertoAguilera 22. Madrid.

www. casademexico.es



23 de mayo de 2021

De venta aquí. Una exposición en el Centro Conde Duque.

Esta pequeña gran exposición es un homenaje a las ilustradores y diseñadores de principios del siglo XX e incluso finales del XIX.  Un recorrido por el comercio madrileño a través de un centenar de carteles publicitarios.



Se trata de una exposición con la que se conoce la historia de Madrid a través de anuncios originales realizados por grandes artistas como J. Renau, F. Ribas, Zsolt, Garballo, Pere Abarca o Manolo Prieto. Está comisariada por La Retrografía, propietarios de una de las mayores colecciones privadas de carteles de publicidad.









             
                 


Está organizada a través de diferentes grupos temáticos: 

Hogar y droguería, 
Alimentación, 
Moda y textil, 
Salud e industria.  

Pretende invitar a sus visitantes a realizar un paseo nostálgico por el comercio madrileño de antaño, permitiendo establecer de forma clara las diferencias y semejanzas de lo que era la estructura de la distribución comercial de hace cincuenta o cien años, con el momento actual. 

Hasta el 30 de junio de 2021.

Fuentes:
https://www.laretrografia.es/conde-duque-se-vende-aqui/

Instagram: saralavispa AVISPADOS. Visita a la exposición "De venta aquí".

9 de mayo de 2021

Georgia O’Keeffe en el Thyssen

 Georgia O’Keeffe (1887-1986) es una de las máximas representantes de las corrientes de vanguardia de la primera mitad del siglo XX en Estados Unidos. Nacida en una granja de Wisconsin, estudió en el Art Institute of Chicago y en la Art Students League de Nueva York, pero fueron las enseñanzas de Arthur Wesley Dow las que le ofrecieron una alternativa a las tendencias que dominaban por aquel entonces la escena artística americana. 



En 1915, mientras trabajaba como profesora de arte en Carolina del Sur y Texas, comenzó a experimentar con la no figuración. Realizó una serie de dibujos abstractos al carboncillo que llegaron a las manos del fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz, que inmediatamente decidió exponerlos en su galería 291. Desde entonces su fama no cesó de crecer y, a mediados de la década de 1920, O’Keeffe ya era una de las artistas más célebres de su país, conocida tanto por sus radicales representaciones de flores como por sus pinturas de rascacielos de Nueva York, símbolo de la modernidad norteamericana por antonomasia.

Durante 1929, O'Keeffe hizo el primero de sus muchos viajes a Nuevo México. La orografía del lugar y la mezcla de culturas de esta remota región inspiraron una nueva dirección en su arte. Durante las siguientes dos décadas, pasó la mayoría de los veranos viviendo y trabajando en Nuevo México, convirtiéndolo en su hogar permanente en 1949.


Calle de Nueva York con luna 1925



Manhattan. 1932.


Desde la década de 1950, la artista, que hasta entonces nunca había abandonado el continente americano, comenzó una serie de viajes internacionales que la llevarían a conocer todos los continentes. Las numerosas horas de vuelo inspiraron una serie de vistas desde la ventana del avión. Durante sus últimos años de vida, en los que debido a su pérdida de visión experimentó con la alfarería, recibió numerosos galardones y se celebraron muchas exposiciones en su honor.

Vista de Georgia. 1952


Los primeros planos de flores fueron un tema frecuente en la producción artística de Georgia O’Keeffe. En numerosas ocasiones estas imágenes han sido explicadas en clave de género y casi siempre interpretadas con un significado sexual. A pesar de que estas disquisiciones no restan un ápice a su importancia plástica, la pintora rechazó sistemáticamente lo que consideraba una interpretación errónea, como puede comprobarse en el texto que publicó en el catálogo de su exposición en la galería neoyorquina An American Place, en 1939, en el que declaraba: «Bien, he conseguido que mires lo que yo he visto y cuando te tomas el tiempo de ver realmente mi flor adjudicas todas tus propias asociaciones sobre las flores a mi flor y escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo»

.











Si bien es difícil obviar las connotaciones sexuales y no relacionar la imagen con los genitales femeninos, tanto este Lirio como muchas de sus flores también pueden ser interpretados como una meditación sobre la creación y sobre las transacciones entre el mundo espiritual y material. No se puede dejar de relacionar esta plasmación visual del mundo orgánico con las nociones sobre el élan vital, el impulso del que surge la vida, del filósofo francés Henri Bergson, que tanto influyeron en el círculo de Stieglitz.

Fuentes:


 https://www.wikiart.org/es/georgia-okeeffe. (Fotografía de la artista).


https://www.museothyssen.org/exposiciones                                



29 de abril de 2021

Carme Pinós. Escenarioa para la vida. En el Museo ICO


LA ARQUITECTA CON VOZ PROPIA: "CON CADA ACTUACIÓN URBANA, HEMOS DE TENER EL PROPÓSITO DE HACER CIUDAD, EL PROPÓSITO DE DIGNIFICAR NUESTRO ENTORNO"

“Carme Pinós. Escenarios para la vida” es un recorrido a través de la arquitectura de Carme Pinós, una de las grandes figuras de la arquitectura española contemporánea, en su primera retrospectiva, comisariada por Luis Fernández-Galiano.

Carme Pinós inicia su carrera en la década de 1980 junto a Enric Miralles, periodo al que se dedica la primera parte de la exposición, y donde se recogen ocho proyectos realizados conjuntamente.

Probablemente, esta primera etapa es la más conocida mediáticamente y, sin embargo, no es la de más peso en la carrera de Pinós. El Museo ICO, perseverando en su compromiso con la inmensa, y en ocasiones desconocida, riqueza de la arquitectura española, apuesta con esta exposición por la puesta en valor de la carrera y figura de Carme Pinós en sí misma, con la apertura, en 1991, del Estudio Carme Pinós, en activo hasta la actualidad. Es a este fructífero periodo al que se dedica la segunda parte de la muestra, la más extensa, con 80 proyectos realizados por el Estudio Carme Pinós en estos treinta años de andadura. Una tercera y última sección recoge la biblioteca de Pinós y relata la importancia de los libros en sus proyectos profesionales y personales.

La arquitectura de Carme Pinós es diversa, adaptada a cada proyecto individual, pero con una base común: la importancia del contexto y del entorno sobre la que esta arquitectura se asienta. Y es que, como ella misma explica, la arquitectura construye paisaje o construye ciudad: no es una escultura. Con cada actuación urbana, hemos de tener el propósito de hacer ciudad, el propósito de dignificar nuestro entorno. Cuando trabajo, considero que mi intervención se propone, en último término, mejorar, embellecer el contexto. Esta férrea creencia en la necesidad de acoger el entorno, sea natural o urbano, se aprecia en todos sus trabajos, entre los que podemos destacar el Caixaforum de Zaragoza (2014), las mejicanas Torres Cube (2005/2014), o la barcelonesa Escuela Massana de Arte y Diseño (2017).




Hasta el 8 de mayo de 2021.


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