6 de julio de 2021

La imagen humana: arte, identidades y simbolismo en CaixaForum


 La muestra ofrece un recorrido apasionante por uno de los grandes temas –quizás el más recurrente– del arte figurativo: el ser humano. Las obras icónicas de civilizaciones antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la Colección de la Fundación ”la Caixa” y con algunos préstamos importantes de otras instituciones como el Museo del Prado. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas. En total más de 150 piezas, entre  pinturas, mascaras, monedas, esculturas, fotografías... 

 La pieza más antigua fue hallada en Jericó y data del IX milenio a. C y la más reciente (2016) alude al culto a la belleza occidental en Irán y es obra de Parviz Tanavoli. El conjunto de la exposición nos propone, por un lado, analizar las similitudes y diferencias en la representación humana en geografías y tiempos muy distantes; por otro, reflexionar sobre las identidades individuales y sus conexiones con lo colectivo. ¿Hasta qué punto podemos representarnos individualmente o quedamos determinados por lo colectivo?



La exhibición se articula en cinco secciones temáticas: 

Belleza ideal, 

Retratos, 

El cuerpo divino, 

El cuerpo político,

La transformación corporal. 

En todas ellas se ponen en contacto representaciones de épocas diversas, íntimamente conectadas en el discurso expositivo pero enriquecedoramente distintas en su concepción: las hay simbólicas, que responden además a marcados arquetipos, y también carentes de toda metáfora; realistas o idealizadas y aspiracionales. En su evidente disparidad, podemos entender (y así lo apuntan las claves interpretativas que se ofrecen al público en el recorrido) que responden todas a una necesidad última y esencial de entender el lugar que como personas ocupamos en el mundo, qué sabemos de la vida y de la muerte, qué queremos proyectar o hasta qué punto la apariencia ha determinado juicios. Solo si concebimos una imagen del cuerpo podemos situarnos en el mundo exterior, decía Herbert Read en El arte de la escultura.

Moore ha señalado que no alcanza  a profundizar en nuestra actual tendencia al selfie y la exhibición propia en Internet, eso requeriría  análisis nuevos y más profundos, aunque  sí podemos sentirnos conectados con cada una de las figuras reales, mitológicas o ideales  presentes en la muestra, desde las primitivas culturas africanas a Lozano-Hemmer, pasando por Matisse, Goya, Luis de Madrazo, David Hockney, Durerero, Manet, Tom Wesselmann, Tapies, Vanessa Beercroft, Koya Abe, Frank Auerbach, Esther Ferrer, Óscar Muñoz, Craige Horsfield, Ali Cherri o Navarro-Baldeweg, al que pertenece la obra de la siguiente imagen .





                                    










En todos los rincones del mundo, las personas han creado constantemente representaciones de sí mismas. Muchas de estas representaciones contienen un simbolismo complejo; otras nos remiten a la belleza y al misterio del cuerpo humano, a través de distintas vías, desde la más profunda estilización hasta el hiperrealismo. 

 Un viaje a través del tiempo y de las culturas, un recorrido que no distingue ni épocas ni fronteras para mostrar un tema universal: cómo el ser humano se ha representado y se representa a sí  mismo.

 https://caixaforum.org/es/madrid/p/la-imagen-humana-arte-identidades-y-simbolismo

DEL 28 DE ABRIL DE 2021 AL 16 DE ENERO DE 2022.

26 de junio de 2021

Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones.


                   Artista inglés desconocido, Queen Elizabeth I [Reina Isabel I], c. 1600. © National Portrait Gallery, Londres


En la FUNDACIÓN JUAN MARCH se presenta Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones,  una exposición importante dado que  la representación del rostro constituye uno de los géneros artísticos más practicados del arte universal. 

Desde los retratos de El Fayum del siglo II hasta los productos de programas como Face Swap o MSQRD, la representación del rostro constituye uno de los géneros artísticos más practicados del arte. Ni siquiera el corte radical y abstracto que el siglo XX impuso a la tradición figurativa de Occidente ha conseguido terminar con él o minimizarlo.

El carácter y el destino que reflejan nuestras caras, la desnudez humana de cuello para arriba, el juego entre el modelo y la copia, la irreductible individualidad y al mismo tiempo la universalidad a la que aspiran y que tipifican los retratos y autorretratos los reúne en una especie de galería de espejos transparentes que reflejan los individuos singulares, pero también dejan ver las épocas y culturas en las que aquellos fueron modelados y contribuyeron a modelar.


Típicos retratos compendia esa historia a cara descubierta con una selección tan arriesgada como meditada: quince retratos de quince rostros por quince artistas de todo el mundo, hechos a lo largo de más de veinte siglos.

Según  un antiguo dicho la cara es el espejo el alma. ¿Lo es, en realidad?  Es más problable que el rostro refleje los estados anímicos, alegría tristeza, duda ... que también se ha llamado alma, dice la historiadora  Belén Altuna.

La aventura, la gran aventura, es ver surgir algo desconocido cada día en el  mismo rostro: esa es una aventura mayor que todos los viajes alrededor del mundo.

Alberto Giacometti
 

Hasta el 11 de diciembre de 2021.

.https://www.march.es/arte/exposiciones-digitales/tipicos-retratos/

9 de junio de 2021

 


Esta exposición presenta más de seiscientas obras del artista mexicano Francisco Toledo (1940-2019).  El conjunto incluye una amplia variedad de técnicas y materiales, que van desde el dibujo y el grabado hasta la acción comunitaria, la gráfica intervenida y la elaboración de objetos en piel, plata, textiles, vidrio y fibras naturales.

Comisariada por el propio artista,  fallecido hace dos años, pero que había expuesto esta misma muestra en Méjico con anterioridad, explora y subvierte los límites entre arte, artesanía y diseño. En este contexto, destaca una sala pensada para el público infantil en la que se encontrarán juguetes, mobiliario y una instalación de cincuenta y cuatro metros cuadrados de azulejo hidráulico diseñado por Toledo y elaborado artesanalmente en la localidad San Lorenzo Cacaotepec en el estado de Oaxaca.


                                  


  • La exposición Toledo ve es la muestra monográfica más completa en España del artista desde el año 2000.
  • En la muestra se desdibujan las fronteras entre arte, diseño y artesanía.
  • El propio artista comisarió esta exposición en la que buscó compartir su manera de ver el mundo, por eso el título de la muestra es Toledo ve.
  • La exposición reúne más de seiscientas piezas entre las que destacan la sala infantil con una instalación de cincuenta y cuatro metros cuadrados de azulejos hidráulicos, una colección de más de doscientas piezas de joyería y una instalación en la escalinata central de Casa de México en España que incluye ciento cuarenta papalotes o cometas.
  • Francisco Toledo (1940-2019) es uno de los artistas más destacados de México. Su labor cultural y su generosidad al crear diversas instituciones de creación y difusión cultural en favor de su natal Oaxaca lo convirtió no sólo en un artista reputado, sino en toda una autoridad moral.


Igualmente sobresaliente es la joyería, elaborada con radiografías, piel, cuero y oro, e inspirada en la fauna local del Istmo de Tehuantepec, con animales como cangrejos, monos, peces, chapulines o saltamontes, perros y lagartos.



En cualquier soporte, temática o escala, la obra de Francisco Toledo se caracteriza por ser propositiva, original y absolutamente heterodoxa. Esto lo convierte en un artista único e imposible de clasificar dentro de un estilo o movimiento. En México el Maestro Toledo es un referente moral y cultural: su distintivo lenguaje plástico estuvo siempre acompañado de una ardua labor en favor de la justicia social, el respeto al campo y a la ecología, así como la preservación del patrimonio cultural de los pueblos originarios de su natal Oaxaca y del país en general. 

Toledo ve constituye una gran oportunidad para el público español. Desde su exposición individual en el Museo Reina Sofía en el año 2000, España no había recibido una muestra tan completa de este artista fundamental. El título de la exposición es una invitación a compartir la mirada del artista. La manera en la que Francisco Toledo vio el mundo nos permite aproximarnos a su singular universo creativo.



 La Casa de México en Madrid organiza esta exposición en conjunto con la asociación civil Amigos del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, dos de las instituciones culturales fundadas por Francisco Toledo.

C. AlbertoAguilera 22. Madrid.

www. casademexico.es



23 de mayo de 2021

De venta aquí. Una exposición en el Centro Conde Duque.

Esta pequeña gran exposición es un homenaje a las ilustradores y diseñadores de principios del siglo XX e incluso finales del XIX.  Un recorrido por el comercio madrileño a través de un centenar de carteles publicitarios.



Se trata de una exposición con la que se conoce la historia de Madrid a través de anuncios originales realizados por grandes artistas como J. Renau, F. Ribas, Zsolt, Garballo, Pere Abarca o Manolo Prieto. Está comisariada por La Retrografía, propietarios de una de las mayores colecciones privadas de carteles de publicidad.









             
                 


Está organizada a través de diferentes grupos temáticos: 

Hogar y droguería, 
Alimentación, 
Moda y textil, 
Salud e industria.  

Pretende invitar a sus visitantes a realizar un paseo nostálgico por el comercio madrileño de antaño, permitiendo establecer de forma clara las diferencias y semejanzas de lo que era la estructura de la distribución comercial de hace cincuenta o cien años, con el momento actual. 

Hasta el 30 de junio de 2021.

Fuentes:
https://www.laretrografia.es/conde-duque-se-vende-aqui/

Instagram: saralavispa AVISPADOS. Visita a la exposición "De venta aquí".

9 de mayo de 2021

Georgia O’Keeffe en el Thyssen

 Georgia O’Keeffe (1887-1986) es una de las máximas representantes de las corrientes de vanguardia de la primera mitad del siglo XX en Estados Unidos. Nacida en una granja de Wisconsin, estudió en el Art Institute of Chicago y en la Art Students League de Nueva York, pero fueron las enseñanzas de Arthur Wesley Dow las que le ofrecieron una alternativa a las tendencias que dominaban por aquel entonces la escena artística americana. 



En 1915, mientras trabajaba como profesora de arte en Carolina del Sur y Texas, comenzó a experimentar con la no figuración. Realizó una serie de dibujos abstractos al carboncillo que llegaron a las manos del fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz, que inmediatamente decidió exponerlos en su galería 291. Desde entonces su fama no cesó de crecer y, a mediados de la década de 1920, O’Keeffe ya era una de las artistas más célebres de su país, conocida tanto por sus radicales representaciones de flores como por sus pinturas de rascacielos de Nueva York, símbolo de la modernidad norteamericana por antonomasia.

Durante 1929, O'Keeffe hizo el primero de sus muchos viajes a Nuevo México. La orografía del lugar y la mezcla de culturas de esta remota región inspiraron una nueva dirección en su arte. Durante las siguientes dos décadas, pasó la mayoría de los veranos viviendo y trabajando en Nuevo México, convirtiéndolo en su hogar permanente en 1949.


Calle de Nueva York con luna 1925



Manhattan. 1932.


Desde la década de 1950, la artista, que hasta entonces nunca había abandonado el continente americano, comenzó una serie de viajes internacionales que la llevarían a conocer todos los continentes. Las numerosas horas de vuelo inspiraron una serie de vistas desde la ventana del avión. Durante sus últimos años de vida, en los que debido a su pérdida de visión experimentó con la alfarería, recibió numerosos galardones y se celebraron muchas exposiciones en su honor.

Vista de Georgia. 1952


Los primeros planos de flores fueron un tema frecuente en la producción artística de Georgia O’Keeffe. En numerosas ocasiones estas imágenes han sido explicadas en clave de género y casi siempre interpretadas con un significado sexual. A pesar de que estas disquisiciones no restan un ápice a su importancia plástica, la pintora rechazó sistemáticamente lo que consideraba una interpretación errónea, como puede comprobarse en el texto que publicó en el catálogo de su exposición en la galería neoyorquina An American Place, en 1939, en el que declaraba: «Bien, he conseguido que mires lo que yo he visto y cuando te tomas el tiempo de ver realmente mi flor adjudicas todas tus propias asociaciones sobre las flores a mi flor y escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo»

.











Si bien es difícil obviar las connotaciones sexuales y no relacionar la imagen con los genitales femeninos, tanto este Lirio como muchas de sus flores también pueden ser interpretados como una meditación sobre la creación y sobre las transacciones entre el mundo espiritual y material. No se puede dejar de relacionar esta plasmación visual del mundo orgánico con las nociones sobre el élan vital, el impulso del que surge la vida, del filósofo francés Henri Bergson, que tanto influyeron en el círculo de Stieglitz.

Fuentes:


 https://www.wikiart.org/es/georgia-okeeffe. (Fotografía de la artista).


https://www.museothyssen.org/exposiciones                                



29 de abril de 2021

Carme Pinós. Escenarioa para la vida. En el Museo ICO


LA ARQUITECTA CON VOZ PROPIA: "CON CADA ACTUACIÓN URBANA, HEMOS DE TENER EL PROPÓSITO DE HACER CIUDAD, EL PROPÓSITO DE DIGNIFICAR NUESTRO ENTORNO"

“Carme Pinós. Escenarios para la vida” es un recorrido a través de la arquitectura de Carme Pinós, una de las grandes figuras de la arquitectura española contemporánea, en su primera retrospectiva, comisariada por Luis Fernández-Galiano.

Carme Pinós inicia su carrera en la década de 1980 junto a Enric Miralles, periodo al que se dedica la primera parte de la exposición, y donde se recogen ocho proyectos realizados conjuntamente.

Probablemente, esta primera etapa es la más conocida mediáticamente y, sin embargo, no es la de más peso en la carrera de Pinós. El Museo ICO, perseverando en su compromiso con la inmensa, y en ocasiones desconocida, riqueza de la arquitectura española, apuesta con esta exposición por la puesta en valor de la carrera y figura de Carme Pinós en sí misma, con la apertura, en 1991, del Estudio Carme Pinós, en activo hasta la actualidad. Es a este fructífero periodo al que se dedica la segunda parte de la muestra, la más extensa, con 80 proyectos realizados por el Estudio Carme Pinós en estos treinta años de andadura. Una tercera y última sección recoge la biblioteca de Pinós y relata la importancia de los libros en sus proyectos profesionales y personales.

La arquitectura de Carme Pinós es diversa, adaptada a cada proyecto individual, pero con una base común: la importancia del contexto y del entorno sobre la que esta arquitectura se asienta. Y es que, como ella misma explica, la arquitectura construye paisaje o construye ciudad: no es una escultura. Con cada actuación urbana, hemos de tener el propósito de hacer ciudad, el propósito de dignificar nuestro entorno. Cuando trabajo, considero que mi intervención se propone, en último término, mejorar, embellecer el contexto. Esta férrea creencia en la necesidad de acoger el entorno, sea natural o urbano, se aprecia en todos sus trabajos, entre los que podemos destacar el Caixaforum de Zaragoza (2014), las mejicanas Torres Cube (2005/2014), o la barcelonesa Escuela Massana de Arte y Diseño (2017).




Hasta el 8 de mayo de 2021.


28 de abril de 2021

JOANIE LEMERCIER. Paisajes de luz.

 


En el ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA se presenta la primera primera gran exposición individual, Joanie Lemercier (Rennes, 1982) que sumerge al espectador en un recorrido por distintos paisajes que nos transportan desde la contemplación de depuradas líneas abstractas y la fascinación provocada por majestuosas montañas generadas por ordenador a la inquietante realidad de una naturaleza sobreexplotada.  A través de siete grandes instalaciones, esta exposición comisariada por Juliette Bibasse, aborda la importancia de la naturaleza en la trayectoria vital y artística del artista y plantea una reflexión sobre la representación del medio natural a través de la tecnología.

Pionero en el uso artístico del videomapping y co-fundador del colectivo AntiVJ en 2008, la obra de Lemercier se centra en la creación de piezas que utilizan la luz proyectada para generar experiencias que alteran nuestra percepción visual. A través de la programación informática y la manipulación de aparatos, Lemercier consigue convertir los proyectores en una fuente de luz capaz de transformar la apariencia de las cosas y hacernos cuestionar la concepción de la realidad. 


En contraste con la fascinación generada por los entornos «fabricados» digitalmente de la primera parte de la exposición que se presenta en Madrid, la segunda parte de la muestra nos descubre la realidad de una naturaleza repleta de cicatrices causadas por la sobreexplotación humana. Fascinantes instalaciones inmersivas de paisajes generados por algoritmos, evocadores volcanes y geografías imaginarias nacidas de la colaboración entre el ser humano y la máquina, dejan paso a la sobrecogedora imagen de destrucción de una de las minas de carbón más grandes y contaminantes de Europa. A través de colosales imágenes captadas con dron, Lemercier abandona la ficción para enfrentarnos a la urgencia de salvaguardar nuestro entorno.


Hasta el 25 de julio de 2021.


Fuentes:

https://joanielemercier.com/brume/

26 de abril de 2021

Zapadores. Museo del siglo XXI y Pilar Carpio

Ubicado en el antiguo cuartel del ejército de Fuencarral, se encuentra el MUSEO ZAPADORES,  Museo del siglo XXI. Quiere ser una "ciudad del arte" que acoja a toda clase de artistas, galeristas, asociaciones y museos. Busca crear un espacio de reflexión y de apuesta por las nuevas voces del arte.

Los zapadores son soldados, que en tiempos de guerra, construyen  puentes y estructuras para que la vanguardia avance. Esta metáfora da sentido a un proyecto que se basa en principios de economía circular, recursos éticos, y que propone utilizar los edificios sin demolerlos, revisando la arquitectura menor de los mismos para descubrir nuevos usos.
Entre los artistas presentes en sus salas están Antonio Alvarado, Carlos Rivera, Ciria, Almudena Tapia, Pilar Carpio....

Una vista del museo del ala del primer piso, donde están las obras de Antonio Alvarado.



La obra de Pilar Carpio ocupa un lugar de excepción en este nuevo espacio.

Esculturas de Pilar Carpio.

Pilar Espinosa Carpio ,  es una artista valenciana que estudió publicidad en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Valencia en 1969, diseño en la Escuela Massana de Barcelona en 1975, y en la Escuela Superior de Bellas Artes (hoy Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Valencia) donde se especializó en escultura. Durante sus años de formación, conoció y compartió experiencias con otros artistas valencianos como Miquel Navarro y Carmen Calvo. En 1992, se doctoró con una tesis sobre la obra religiosa de artistas valencianos.

Desde esos primeros años de formación hasta nuestros días, su obra, presentada a concursos y certámenes nacionales e internacionales, ha sido premiada en reiteradas ocasiones: desde premios de escultura otorgados por la Facultad de Bellas Artes de Valencia al Primer Premio en Pintura y en Escultura (1986 y 1988 respectivamente) otorgado por el Comité Olímpico Internacional en Lausanne (Suiza) o el Premio Nacional de Cerámica del Ministerio de Agricultura y Pesca.  También  ha sido  nombrada Académica de Honor y  premiada por de Academia Internacional de Ciencias, Tecnología,  Educación y Humanidades (2014/2017), entre otros muchos galardones.

La artista ha participado igualmente en numerosas exposiciones colectivas en galerías de arte, centros culturales y museos (Museo Postal y Telegráfico de Madrid, 1998; Fundación Bancaja de Valencia, 2000; Estampa, Salón Internacional del Grabado de Madrid, 2003…) así como exposiciones individuales (Instituto de Cultura de Burjassot (Valencia), 1999; Coliseo de la Cultura Príncipe de Asturias de Villaviciosa de Odón, 2001; Coliseo de la Cultura Escuela Madrileña de Cerámica de la Moncloa, 2004; Centro de Arte Villa de Móstoles, 2006…). Además su obra está presente en importantes  colecciones públicas y privadas, en España y en muchos museos del del mundo: de Europa (París, Suiza, Irlanda.) y de América (Los Ángeles, Caracas.) y en la Galería de Arte Tíltide.

Aquí tenemos una muestra de la obra de Pilar Carpio que ocupa, permanentemente, una sala  en el Museo Zapadores.















Sara Fernández, directora y comisaria de Tíltide, con la obra de Pilar Carpio,
en el Museo Zapadores.
    
                                                                          
El centro cuenta con la colección permanente del Museo C.A.V. La Neomudéjar, ubicada en una gran sala de 4.000 metros cuadrados situada en la segunda planta del edificio. Esta colección se compone  de obras de artistas como Rafael Peñalver, Paz Muro, Antonio Alvarado, Mahé Boissel, Jacqueline Bonacic-Doric, Orest Antoshkiv, Ana Dévora, Ze Carrión, Marc Janus, Jimena Aragonés, Johana Kirby, Fardou Keuning o Guy Deuning, entre muchos otros
Asimismo, acoge una ciudadela de artistas donde se muestran los estudios de artistas autogestionados, una zona Lab de Asociaciones, que cuenta con sus propios espacios de trabajo y una nave específica donde desarrollar sus actividades, como conferencias, exposiciones, talleres o debates.
Además, dispone de espacios independientes para galerías que quieran desarrollar sus propias exposiciones y actividades.

Vista del museo con la obra de Carlos Rivera Lauría.


Otra vista del museo con la obra de Pilar Carpio.


Exposición del artista Ciria, titulada Tiranía de la igualdad:"El arte no significa nada si la vida no lo rebasa."...


De nuevo la obra de Carlos Rivera Lauría. en esta imagen y la posterior.






www.zapadores.org
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