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1 de noviembre de 2016

ACTUALES EXPOSICIONES EN MADRID. Invierno 2016/17.

El Matadero de Madrid
Hasta el 8 de enero de 2017
Se ha inaugurado una exposición con belenes internacionales, procedentes de diferentes lugares del mundo, lleva el nombre de "Noche de luz".


Belén portugués

Por lugar de procedencia, hay belenes de España, de Francia, napolitanos, portugueses, checos, africanos, muchos de Méjico, brasileños, de Japón… hasta de Alaska. Son casi todos de tamaño pequeño o mediano y, eso sí, confeccionados con los más variados materiales: de madera, de tela, de papel, de conchas, de paja, de corcho, de cuerda, de piedra, de porcelana, de hojalata…

Curiosa representación en uno de los belenes..... A ver si lo encontráis.!

Cada uno de ellos refleja la 
interpretación del nacimiento de Dios que hace cada cultura. Sobre el hecho básico que coincide en todos: el niño nacido está con la Virgen y con San José, y rodeado de personajes diversos que le adoran, se encuentran numerosas variantes en cuanto a colocación de los elementos, por ejemplo, en los latinoamericanos casi siempre la burra y el buey se sitúan en primer plano, vestimentas, regalos para el niño… Son como pequeños mundos que hay que pararse a observar con detenimiento.

En el Matadero de Madrid, Casa del Lector
Paseo de la Chopera 14.
Hora: De lunes a domingo de 11 a 15 h. y 17 a 21 h. 
Precio: 5€. Entrada reducida: 4€ (Mayores de 65 años, familia numerosa) 2€ (Grupos escolares). Entrada gratuita: menores de 10 años, personas en situación de desempleo y personas con discapacidad

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En el Museo Nacional del Prado


El Museo del Prado propone un nuevo acercamiento a sus colecciones con Metapintura, una muestra que se inscribe en la serie de exposiciones, que comenzó en 2010 con Rubens y continuó con Belleza encerrada (2013) y Goya en Madrid (2014), para ofrecer al visitante la oportunidad de reflexionar sobre la propia colección y contemplar las obras articula...
Un viaje a la idea del arte recoge y estudia el material visual vinculado al arte en España, a través del cual sus autores han realizado una reflexión explícita sobre sí mismos, sus inquietudes, las reglas que rigen su arte, los usos vinculados a su actividad, o la «vida» de las imágenes. Se trata, en la (incierta) medida en la que esto es posible, de hacer una historia del arte o de las imágenes «en primera persona », una historia en la que los propios cuadros, estampas o esculturas nos informan sobre ellos mismos.
Pero la reflexión sobre este arte no se llevó a cabo solo a través de las propias obras, pues tuvo como vehículos los tratados artísticos y numerosas obras literarias, donde aparecen artistas, personajes que conviven con obras de arte, etc. Entre unas y otras conforman un «imaginario» extraordinariamente rico y variado, cuyo análisis es el objeto último de este libro, en el que se busca identificar los principales relatos, imágenes y tópicos a través de los cuales se ha articulado la relación entre las personas y el «arte» en España desde los inicios del Renacimiento hasta la creación del Museo del Prado en 1819. De ahí que, siendo las propias obras materia fundamental de este ensayo, no sean la única. Las obras de teatro, las novelas, los libros de devoción, las historias locales, los tratados o incluso la literatura popular nos informan acerca de los principales personajes, ideas y tópicos que sirvieron para expresar en qué términos se estableció la relación con las imágenes y con el concepto de arte.
El arte de Clara Peeters



Tras su exhibición en Amberes, el Museo del Prado recibe en su sede una muestra dedicada a Clara Peeters, pintora flamenca perteneciente a la primera generación de artistas europeos especializados en naturalezas muertas y una de las escasas mujeres que pudo dedicarse profesionalmente a la pintura en Europa en la Edad Moderna.
La presencia de este grupo de quince obras relevantes de Clara Peeters en el Prado quiere destacar los logros de esta dotada y delicada artista, de la que se conocen apenas cuarenta obras de su mano.
Tanto la exposición como el catálogo que la acompaña suponen el estudio más actualizado hasta la fecha sobre su vida y su obra situando a Clara Peeters en el contexto cultural y artístico de Amberes y poniendo también el foco de atención en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna, cuando los prejuicios generalizados les cerraban muchos caminos.
Aunque la costumbre y la ley no favorecían la integración de la mujer en el mundo profesional, un reducido número de mujeres consiguieron salvar las limitaciones existentes y convertirse en pintoras. Pero condicionantes como la dificultad del aprendizaje del dibujo anatómico a partir de modelos vivos, normalmente masculinos que posaban desnudos, a los que las mujeres no tenían acceso, limitaban su producción al género del bodegón o al retrato.
Catharina van Hemessen (1527/28-1560) es la primera mujer artista documentada en Flandes y una de las primeras en Europa. Nació en Amberes y fue la profesión de su padre, el pintor Jan Sanders van Hemessen,lo que le permitió aprender en casa. La mayor parte de los cuadros que se conocen de esta artista son retratos.
Para Sofonisba Anguissola (h. 1532-1625) fue su condición social lo que le permitió ser artista. Trabajó como dama de honor de Isabel de Valois y de su hija la infanta Isabel Clara Eugenia. Su talento artístico hizo que le encargaran retratos por los que nunca recibió un salario, pero sí joyas y vestidos. en Madrid, España uno de los más importantes del mundo.
 Museo Nacional del Prado
DirecciónPaseo del Prado, s/n, 28014 Madrid

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En la FUNDACIÓN CANAL


Hablar de Robert Doisneau es hablar de uno de los pilares fundamentales de la fotografía del siglo XX. Logró pertenecer, por derecho propio, a un selecto grupo de artistas que hoy se consideran los grandes mitos de la fotografía universal.  Esta exposición reúne en un mismo espacio varias de sus obras emblemáticas y otras nunca o muy poco vistas que descubrirán una faceta inesperada y desconocida del artista. Una oportunidad única de aproximarse de una forma diferente a la obra del fotógrafo empeñado en mostrar la vida no como es, sino como a él le hubiera gustado que fuera.

Exposición coproducida por Fundación Canal 


C/ Mateo Inurria 2. Madrid

En el Museo de América

Victorio Macho. De Madrid a América. Un palentino universal'



La exposición, presentada en la CASA DE AMERICA en Madrid, pretende dar a conocer la obra realizada en Latinoamérica por el escultor Victorio Macho entre 1939 y 1952.





                                                


Se estructura en tres ámbitos: en el primero se hace una semblanza biográfica del artista y se presenta su obra. En el segundo se muestran sus obras en Madrid, en especial los monumentos que realizó en el Parque del Retiro, señalando los distintos lugares en los que vivió en la capital de España.  En el tercero, el más importante, se refleja las obras proyectadas y realizadas para diversos lugares de Perú, Puerto Rico, Panamá, Colombia y Venezuela, fundamentalmente, mediante las imágenes de los grandes monumentos, como con dibujos, bocetos y réplicas de ellos (algunas a escala), así como otras esculturas dibujos del autor que sirvan para visualizar las características de su estilo y hacerse una idea de lo variado de su obra.



Con motivo de la conmemoración del 50 aniversario del fallecimiento del escultor palentino, Acción Cultural Española, la Real Fundación de Toledo y la Casa de América se unen a la iniciativa del Ayuntamiento de Palencia para recordar y rendir homenaje al escultor a través de esta muestra.









Fechas: del 30 de noviembre al 28 de enero de 2017.
Lugar: En el MUSEO DE MAÉRICA  en Madrid.
Sala de exposiciones Frida Kahlo.
Hora: de lunes a viernes de 11.00 a 19.30. Sábados de 11.00 a 15.00.

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En la FUNDACIÓN JUAN MARCH.
 Hasta el 17 de enero
     Escuchar con los ojos

Una historia del arte sonoro en España desde 1961 hasta la actualidad. La mayor retrospectiva de artistas sonoros españoles hasta la fecha: 162 artistas y 400 obras y documentos sobre 45 años de creación sonora en nuestro país. Este portal está concebido como una historia viva del arte sonoro en España.



La exposición que presenta en Madrid la Fundación Juan March tiene dos comisarios importantes: José Iges y José Luis Maire. Pero es el primero quien lleva el peso de la memoria de la disciplina en nuestro país. En efecto, José Iges ha batallado por el arte sonoro en todos los frentes; como artista mantiene una presencia obstinada y regular brindando muestras e instalaciones sonoras (muchas de ellas con su compañera, la artista plástica Concha Jerez). Como animador e historiador  del arte sonoro ha sido responsable durante décadas del programa de radio Ars Sonora (Radio Clásica). Para quien conoce este sector, se hace difícil pensar en la existencia de esta exposición sin su presencia. No falta nada ni nadie en una selección rigurosa de personas y corrientes nada fáciles de aglutinar.


La muestra pretende que las obras "sonoras" convivan con las "visuales", atendiendo tanto a las maneras  en que el sonido pone en cuestión el espacio expositivo como a las firmas en que su exhibición puede resolverse, presentándolo mediante técnicas que permiten ordenar el espacio expositivo.

Entre las obras "visuales" encontramos las de Manuel Millares, Navarro Valdeberg, o Juan Gris. Un ejemplo  la que aparece a continuación del primero de ellos.


Entre las "sonoras"  el Organo de Eusebio Sempere, o la de Pablo Sanz o Francisco López, esta en el hall de la primera planta.


Y hay interrogantes, muchas interrogantes: ¿el arte sonoro es música, artes plásticas o ninguna de las dos cosas? ¿Los artistas conceptuales lo son también sonoros? ¿Cualquier cosa con sonido o ruido es arte sonoro? ¿Qué tiene que ver la electrónica en todo ello? ¿Hay arte sonoro sin sonido? ¿Dónde se muestran mejor estas actividades, en museos y ámbitos de las artes plásticas o en espacios musicales? Etcétera, etcétera, etcétera.

Si podemos hablar de exposiciones vivas, esta es una de ellas de pleno derecho; y lo es porque plantea interrogantes y deja al visitante las respuestas.
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En el CONDE DUQUE
Hasta el 15 de enero de 2017
Forms of Devotion

Un proyecto de arte multidimensional conceptualizado en torno a la noción de lo espiritual y devocional en la India.



La exposición Forms of Devotion es un proyecto de arte multidimensional conceptualizado en torno a la noción de lo espiritual y devocional en la India. Incluye más de 100 obras originales de diferentes artistas contemporáneos indios, seleccionadas entre más de 1.600 obras de la colección MOSA (Museum of Sacred Arts) de Bélgica.


En Forms of Devotion coexisten de una manera dinámica una gran variedad de estilos y tradiciones artísticas, que dialogan entre sí desde una mirada actual, reflejando la diversidad de regiones y realidades en la India de hoy y bebiendo de un mismo sustrato común en la exploración de la espiritualidad y lo divino.


Comisariada por Sushma K. Bahl, antigua directora del departamento de Arte y Cultura del British Council de la India, y Archana B. Sapra, esta exposición representa, a través de pinturas, esculturas y fotografías, las principales tradiciones espirituales que confluyen en la India.
Las obras,  de distintos formatos y técnicas,  han sido creadas por numerosos artistas actuales y se encuentran distribuidas en tres secciones, rindiendo homenaje a la creatividad y energía del arte devocional y espiritual indio. 



 En esta obra se recrean artísticamente fábulas antiguas: una mezcla entre mito y magia. 

Una idea o una imagen o una forma externa, hacen referencia en lo esencial a la facultad de la imaginación. Ayuda a la transposición del mundo divino incorpóreo en imágenes materiales. A menudo basado en el poder sobrenatural, parte real y parte imaginada, se presenta al ídolo como un héroe más sabio y más grande que da la vida, realizando lilas( actos divinos que están más allá de los simples mortales). Extraídas de culturas y de cultos, las nuevas y antiguas fábulas son recreadas en el arte  actual.
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En el MUSEO THYSSEN
Hasta el 22 de enero
Renior: Intimidad



El cineasta Jean Renoir escribió que su padre “miraba las flores, las mujeres, las nubes del cielo como otros hombres tocan y acarician”. Frente a la concepción habitual que reduce el impresionismo a la “pura visualidad”, la exposición Renoir: intimidad, la primera retrospectiva en España en torno a la figura del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), destaca el papel central que ocupan las sensaciones táctiles en sus lienzos, y que pueden percibirse en las distintas etapas de su trayectoria y en una amplia variedad de géneros, tanto en escenas de grupo, retratos y desnudos como en naturalezas muertas y paisajes.



Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, la exposición cuenta con el mecenazgo de Japan Tobacco International (JTI) y presenta un recorrido por más de 75 obras del artista francés, procedentes de museos y colecciones de todo el mundo como el Musée Marmottan Monet de París, el Art Institute de Chicago, el Museo Pushkin de Moscú, el J. Paul Getty de Los Ángeles, la National Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York. 

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En la FUNDACIÓN MAPFRE
Hasta el 29 de enero
Los fauves. La  pasión por el color








 La muestra, que hace una completa y cuidada presentación del fauvismo, reúne más de un centenar de pinturas, así como numerosos dibujos, acuarelas y una selección de piezas de cerámica.

Una obra de Vlaminck.

El fauvismo es sinónimo de libertad, de fuerza, de transgresión. En la pintura fue el estandarte de la revolución del color, de la ausencia de la perspectiva y del desapego a la tradición. La intensidad y la vitalidad arrolladora de un grupo de jóvenes artistasformados en distintos talleres modificaron el curso del arte en la primera década del siglo XX.
Henri Matisse fue su representante por excelencia y estuvo acompañado por otros artistas con los que compartió una nueva visión de la pintura y un deseo constante por aprender y experimentar. Él junto a André Derain y Maurice de Vlaminck lideraron el grupo, en el que también se incluyeron Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Raoul Dufy, Othon Friesz, Georges Braque, Georges Rouault y Kees van Dongen.
Estos defensores a ultranza del color exacerbado y de la ejecución de la obra a través de la percepción individual desarrollaron varios temas con especial dedicación, como los retratos entre los miembros del grupo, los paisajes lumínicos, la atmósfera del mediterráneo francés, los espacios intimistas y la sórdida atmósfera nocturna.
En este breve, pero apasionado periodo artístico, los fauves sucumbieron a las fuentes del postimpresionismo de Van Gogh, Cézanne y Gauguin y al neoimpresionismo de Signac, de tal manera que el conjunto de su obra se consideró como una revelación única para el cubismo y el expresionismo, dos de las vanguardias más relevantes de principios del siglo XX.
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UN MUSEO DE ESCULTURA AL AIRE LIBRE
Madrid  tiene un gran museo de escultura, el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana. Alberga diecisiete esculturas abstractas de autores españoles, se encuentra ubicado en Madrid, bajo el puente elevado que une la calle de Juan Bravo con la de Eduardo Dato sobre el Paseo de la Castellana.
Fue ideado por Sempere, quien se encargó también del diseño de las barandillas del paso elevado. Las obras se distribuyen bajo el tablero del puente, destacando entre ellas la espléndida La sirena varada de Chillida, que cuelga de la estructura del puente y en el otro lado del Paseo de la Castellana las monumentales Unidades-Yunta de Pablo Serrano.

La sirena varada de Chillida.

La obra de Chillida, la Sirena Varada, que en un principio se llamó Lugar de encuentro. Había sido especialmente concebida para ser colocada suspendida de los pilares del puente pero como el escultor no era adicto al régimen, como se decía entonces, las autoridades se opusieron a su instalación aduciendo motivos de seguridad ya que la obra, la primera de hormigón armado del artista, tiene un peso de 6.150 kgs. Entre las muchas interpretaciones formuladas respecto a la escultura figura la de que Chillida colocó la obra en suspensión como alusión a la situación política y su negativa a estar sujeto a cualquier imposición.




Desde sus orígenes los barrios de Chamberí y Salamanca estuvieron separados por el arroyo de la Fuente Castellana, y cuando éste fue cubierto para formar el Paseo del mismo el nombre, la corriente de agua se convirtió en corriente de vehículos puesto que es una de las arterias de la Villa con mayor tránsito. Era patente la necesidad de hacer un paso elevado para facilitar la comunicación entre ambos barrios.

Alfaro. Un món per a infants

El puente se inauguró el año 1970 y ya por entonces dos de los ingenieros autores de la obra, José Antonio Fernández Ordóñez y Julio Martínez Calzón, y Sempere, amigos, maduran la idea de montar un museo debajo. En un principio los gobernantes aceptan la idea sin objeciones puesto que las esculturas serían donación gratuita de los autores o de sus familiares, gracias a la amistad que les unía a todos ellos con Sempere.


Móvil. Obra de Sempere.

Amadeo Gabino. Estela de Venus

Francisco Sobrino. Estructura permutacional

Triptico de Manuel Rivera.


Mediterranea de Martín Chirino.



                                       
El museo se abrió al público en 1972 si bien la inauguración oficial no tendría lugar hasta siete años después, cuando quedó instalada la obra de Chillida.






                                                 


 



Un grupo de alumnos de Tíltide, con su profesora, Isabel Pinedo, visitando el espléndido Museo al aire libre  de la Castellana madrileña.

A este Museo podemos considerarlo el gran ignorado, puesto que no figura en buen número de guías de la ciudad, y en las que consta, se limitan a dar escuetamente la dirección sin resaltar la importante y valiosa colección de esculturas de artistas españoles de fama universal, que alberga.   Es uno de los rincones de Madrid que prefiero.


DirecciónPaseo de la Castellana, 40, Madrid. España.

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