13 de junio de 2019

Visita a CaixForum para ver una exposición sobre la ópera.

Ópera. Pasión, poder y política  es el título de la exposición que se presenta en CaixaForum. En ella se quiere demostrar que la ópera es algo más que arte. 

Hasta el mes de septiembre.



 El género operístico nace a finales del XVI y no tardará en trascender la restringida audiencia cortesana inicial, para llegar al gran público de la mano de Claudio Monteverdi. Desde las primeras óperas barrocas, que combinaban una amplia comedia con elementos trágicos, hasta las composiciones más contemporáneas, este género ha experimentado una rica transformación. Esta exposición se fija en los principales Teatros de la Ópera de Europa y recorre su historia con una aproximación desde tres perspectivas complementarias: la vertiente emocional y pasional de las obras; la perspectiva social con luchas de clase y poder; y los aspectos directamente relacionados con los argumentos y la propuesta creativa de las óperas.



La exposición es un viaje por ocho premières en los principales teatros de Europa, para entender el particular contexto histórico de cada ópera y su relación con la ciudad. las grandes ciudades europeas donde ha marcado tendencia y podrás ver cómo ha influido en cada una de ellas. La sentirás a través de sus creadores, de objetos decorativos, partituras originales, vestidos y escenografías.

La coronación de Popea de Monteverdi, inicia el recorrido de la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo de Hëndel, para imaginar el Londres de 1711. La música de la Ilustración queda representada por Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Vienea de 1786.La coronación de Popea, de Monteverdi inicia el  recorrido en la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo, de G. F. Händel para imaginar el Londres de 1711. La música de la ilustración queda representada con Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Viena de 1786. Con Nabucco, de Giuseppe Verdi se llega al Risorgimento italiano en el Milan de 1842. Richard Wagner nos traslada al París 1861 para descubrir el polémico estreno de Tannhäuser. En  el idilico Dresden de 1905, se estrenó la obra que provocó un gran escándalo,Tannhäuser, seguido de la obra de Strauss Salomé, la obra provocó un auténtico revuelo por su contenido lleno de locura e indecencia para la época.



En el Leningrado de 1934 y de la mano de Dmitri Shostakóvick nace Lady Macbethcuya censura del régimen soviético se ve reflejada.
La exposición cierra con una importante muestra dedicada a la Barcelona modernista, ofrecida gracias a la colaboración con el Gran Teatre del Liceu, coincidiendo con el 20 aniversario de la reconstrucción del Teatro. Reflejando la importancia e influencia que tuvo en la ciudad, la acogida de la ópera “Pepita Jimenez” de Isaac Albéniz en 1896. Debajo los escenarios de su representación.



En resumen, la ópera combina todas las disciplinas del arte, creando en lenguaje univeersal capaz de definir a las ciudades desde el punto de vista emocional, cultural, político y económico.













3 de junio de 2019

Giovanni Battista Piranesi en la BILBIOTECA NACIONAL.


Giovanni Battista Piranesi (1720- 1778) fue un célebre arquitecto, arqueólogo y grabador italiano, considerado junto con Rembrandt y Goya como uno de los mejores aguafortistas de todos los tiempos. Una de sus obras más famosas la forman los grabados originales que componen  sus , “Carceri d´Invenzione”, con imágenes impactantes de prisiones y calabozos imaginarios. Aunque la primera edición se publicó hacia 1749, presentamos las dieciséis estampas que componen la segunda, de 1761, la más famosa.



Los grabados pertenecen a la Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla de la Universidad Complutense de Madrid que posee una colección completa de la obra de Piranesi, que supera las 1.000 estampas. “Carceri d'invenzione” son caprichos de la imaginación de Piranesi. En estos universos destacan las bóvedas y arcos de piedra desnuda, escaleras monumentales y pasarelas elevadas, puentes levadizos y escaleras en espiral que parecen no llevar a ninguna parte. En los muros están fijadas cadenas, anillos, horcas y enormes ganchos pero, a pesar de la presencia de estos amenazantes instrumentos de tortura, ésta no se representa. Los prisioneros deambulan por los gigantescos espacios en los que parece reinar un silencio sepulcral. La luz y la perspectiva de las sombras acentúa la impresión inquietante. En las cárceles emana una sensación de malestar y se observa aquí su espíritu melancólico, su poderosa imaginación y su gran libertad creativa.





Pocos grabados en la historia han ejercido tanta influencia en la arquitectura, la pintura, la literatura o el cine. Han conseguido cautivar a generaciones de artistas desde el Romanticismo al Surrealismo; ser fuentes de inspiración para decorados de teatro, ópera o cine de terror e, incluso, suscitar excelentes comentarios y textos literarios entre los que se cuentan los de Thomas de Quincey, Victor Hugo, Aldous Huxley o Marguerite Yourcenar.

Además, en la Biblioteca Nacional grabados dedicados a Roma, Velute de Roma, Opere Varie , La Anticbità Romane. Y obras de los siglos XVI y XVII que ayudaron al artista a conseguir su imagen de Roma.


13 de mayo de 2019

La ópera en CaixaForum.

Ópera. Pasión, poder y política  es el título de la exposición que se presenta en CaixaForum. En ella se quiere demostrar que la ópera es algo más que arte. 

Hasta el mes de septiembre.

La exposición es un viaje por ocho premières en los principales teatros de Europa, para entender el particular contexto histórico de cada ópera y su relación con la ciudad.


 El género operístico nace a finales del XVI y no tardará en trascender la restringida audiencia cortesana inicial, para llegar al gran público de la mano de Claudio Monteverdi. Desde las primeras óperas barrocas, que combinaban una amplia comedia con elementos trágicos, hasta las composiciones más contemporáneas, este género ha experimentado una rica transformación. Esta exposición se fija en los principales Teatros de la Ópera de Europa y recorre su historia con una aproximación desde tres perspectivas complementarias: la vertiente emocional y pasional de las obras; la perspectiva social con luchas de clase y poder; y los aspectos directamente relacionados con los argumentos y la propuesta creativa de las óperas.

La coronación de Popea de Monteverdi, inicia el recorrido de la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo de Hëndel, para imaginar el Londres de 1711. La música de la Ilustración queda representada por Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Vienea de 1786.La coronación de Popea, de Monteverdi inicia el  recorrido en la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo, de G. F. Händel para imaginar el Londres de 1711. La música de la ilustración queda representada con Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Viena de 1786. Con Nabucco, de Giuseppe Verdi se llega al Risorgimento italiano en el Milan de 1842. Richard Wagner nos traslada al París 1861 para descubrir el polémico estreno de Tannhäuser. En  el idilico Dresden de 1905, se estrenó la obra que provocó un gran escándalo.

La ópera combina todas las disciplinas del arte, creando en lenguaje univeersal capaz de definir a las ciudades desde el punto de vista emocional, cultural, político y económico.

https://caixaforum.es/madrid/

El despacho del escritor Ramón Gómez de la Serna.

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid abrió una sala permanente con El Despacho de Ramón Gómez de la Serna,  recuperando para los madrileños el Despacho del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna como nueva tarjeta de identidad del museo en conexión con la colección permanente, de la que ahora se muestra además una selección, compuesta por pinturas, esculturas, fotografías, estampas y dibujos.


El Despacho del escritor Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888 – Buenos Aires, 1963), figura central de las vanguardias artísticas del Madrid del primer tercio del siglo XX, se presenta como un museo dentro del museo, que enriquece y redefine la nueva estructura de la colección. Esta nueva ordenación de la colección permanente se basa en la articulación de cuatro unidades autónomas bajo los epígrafes: "Forma y gesto"; "Figura y realidad"; "Imagen y ciudad" y "Unicidad y multiplicidad", categorías todas ellas aplicables también al despacho ramoniano.
La conjunción de una selección de la colección permanente del museo –pintura, escultura, dibujo, fotografía y grabado desde las vanguardias históricas hasta la actualidad- con las imágenes artísticas y cotidianas y los objetos que acopió Ramón en su despacho, que ahora pasa a convertirse en la nueva tarjeta de identidad del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, nos ha permitido establecer un entrelazamiento de conceptos y sensaciones que, bajo la fascinante fórmula el museo dentro del museo, propiciará un programa atractivo para su más inmediato futuro.











 Museo de Arte Contemporáneo
DirecciónCalle del Conde Duque, 9, 28015 Madrid

1 de abril de 2019

FUNDACIÓN JUAN MARCH


EL JUEGO DEL ARTE. PEDAGOGÍAS, ARTE Y DISEÑO

La frase"eso lo hace mi hijo de cuatro años" se oye frecuentemente allí donde se discutesobre arte moderno y contemporáneo. Suele expresar el sentir de que, a diferencia del gran arte de épocas pasadas, el del siglo XX se caracterizaría por una especie de linfatismo generalizado.








Pero  ¿y si , efectivamente, ocurriera que el arte moderno y contemporáneo solo pudieran hacerlo ellos? ¿Y si una especie de vuelta a la infancia fuera la base de nuestro arte?

Esta exposición nos permite adquirir una perspectiva nueva sobre las formas que configuran las producciones del arte, de la arquitectura y del diseño del siglo XX: los elementos de la infancia.









Con prestamos procedentes de muchas colecciones e instituciones públicas y privadas, nacionales e internacionales, la exposición presenta una amplia selección de materiales pedagógicos, juegos educativos, manuales  métodos de dibujo....

 En ella nos damos cuenta de la relación que existe entre el arte y la educación.



29 de marzo de 2019

Exposición de Tetsuya Ishida en el Palacio de Velázquez del Retiro madrileño.

DESDE EL 11 DE ABRIL



La exposición Tetsuya Ishida. Autorretrato de otro reúne un conjunto de 70 cuadros y dibujos en los que este artista de culto en su país natal reflejó los devastadores efectos de las grandes crisis económicas acaecidas desde 1973. Se inaugura el próximo 11 de abril en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro y podrá visitarse hasta el 8 de septiembre
La exposición Autorretrato de otro es la primera gran retrospectiva que se realiza fuera de Japón sobre el trabajo de Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973 – Tokio, 2005), un artista de culto en su país que, en su corta carrera, reflejó con incisiva lucidez las amargas consecuencias de las sucesivas crisis que perturbaron la economía mundial a partir de 1973 y, más concretamente, el momento de recesión que vivió Japón tras el estallido de la burbuja especulativa en 1991.
En solo diez años de actividad –falleció de manera repentina a los 32 años de edad- Ishida produjo un formidable corpus de trabajo figurativo, poniendo rostro a la desolación generalizada de una sociedad radicalmente alterada por los despidos masivos y la especulación. Sus pinturas, dibujos y cuadernos son un testimonio excepcional del malestar y de la experiencia de la alienación del sujeto contemporáneo.
Poco conocido hasta la fecha fuera de Japón, si bien su repercusión internacional se ha visto incrementada en los últimos años, Ishida desarrolló un poderoso imaginario repleto de personajes híbridos y máquinas antropomorfas que habla de la soledad, la incomunicación y la profunda crisis de identidad en un mundo que ha convertido a las personas en piezas intercambiables de un complejo engranaje al servicio de la producción y el consumo.
La muestra reúne unas 70 pinturas y dibujos realizados entre 1996 y 2004 representativos de este particular universo estético, en el que el artista denuncia sin tapujos la deshumanización del sujeto sometido a procesos de mecanización y de especialización en un entorno en el que la incertidumbre, el estado de ánimo y el estancamiento de este período oscuro tienen muchos paralelismos con la crisis que desde 2008 afecta a la economía y la política a escala mundial.

Tetsuya Ishida: la cosificación del hombre.

El surrealismo, como las otras vanguardias, trajo consigo no sólo una nueva propuesta estética, sino una visión de mundo. Para la época en que el surrealismo llegó a su máxima expresión, digamos los años 30, Freud ya era muy leído por todos los artistas del movimiento; las ideas del austriaco no sólo cambiaron el paradigma de pensamiento de occidente sino que (fenómeno paralelo)  influyeron también a las vanguardias artísticas del XX.
Tzara, Buñuel, Magritte, Varo, Cernuda, y muchos otros más, empaparon todos los niveles del arte con sus visiones hermosas, terroríficas y luminosas de todo aquello que estaba por sobre la realidad. Muchos de ellos (Remedios Varo por ejemplo) lograron construir un micro universo estético con leyes impronunciables pero patentes aunque, naturalmente, al pasar los años, el movimiento se terminó y se dejó de producir arte surreal (ligado al movimiento histórico).
Aquí viene la polémica (discutamos). Muchos dicen que el surrealismo está completamente ligado a un momento histórico y político, que tratar de producir un neo-surrealismo no tiene ningún sentido en nuestro contexto actual. Otros dicen que la revolución del surrealismo (como la de la psicología o la teoría marxista por ejemplo) tiene la capacidad de adaptarse a los cambios del hombre y su sociedad. Todo se trata de que el surrealismo es una herramienta (estética) para expresar la realidad y esa herramienta puede aplicarse a cualquier circunstancia.
Sea como sea, sí hubo gente que siguió realizando arte surreal, pero que se adaptó a las circunstancias: uno de ellos fue Tetsuya Ishida, nuestro artista del día.
Ishida era natural de Japón, su familia nunca estuvo de acuerdo con que él pintara (aunque ahora disfrutan de los millones que sus cuadros valen). Ishida trató de fundar una compañía de diseño en los noventa, pero Japón atravesaba por un momento difícil, desempleo y preocupación eran constantes. Fue en este contexto en el que Ishida comenzó a pintar. Desafortunadamente murió en un terrible accidente de ferrocarril en 2005, tenía 31 años.
Todos lo hemos sentido: le llaman la náusea, el miedo kafkiano, la ansiedad de hacer todos los días lo mismo y enfrentarse a procesos que nos cosifican.
Ese sentimiento está hermosamente representado por Ishida en sus piezas. Los hombres han dejado de ser hombres para ser máquinas y para ser objetos. Pero dejemos que hablen las obras.
En este cuadro por ejemplo, vemos lo que parece una sala de hospital, un parto tal vez, de un niño que ha salido de las entrañas de un dinosaurio y éste de un cocodrilo, que parece salir a su vez de un automóvil que está siendo atendido por los “doctores/mecánicos”. Este cuadro no nos da respuestas pero no hace preguntarnos de dónde viene este niño, de quién es hijo: de la historia, de la animalidad o de la industria. A veces las preguntas iluminan más que las respuestas.



Este cuadro que definitivamente muestra la ansiedad del hombre que corre en la banda de la producción masiva. Está de traje y, desesperado, trata de huir de una terrible verdad, se ha convertido en un producto.






26 de marzo de 2019

Inauguración de la exposición "Mitopaisages" en Tíltide.

La obra de JOSÉ LUIS  FERNÁNDEZ se expone hasta el 30 de abril en Tíltide.

Inspirada en pasajes mitológicos del inframundo, tiene la fuerza de la creación absoluta y el color del  sueño. Paisajes que evocan  imágenes de hermosos lugares , que recrean el sentimiento estético  del autor que aquel le sugiere.

















Mitopaisajes

Hay un camino a Estigia,
de profundas aguas.
Azules y granates.

Cruza los campos de Perséfone.
Asfódelos
de petalos salvajes.

Y el río Aquerón,
baña los sueños
de quién va a Ítaca.

En las arenas del Cólquide.

Pero si ves un jardín florido,
de lejanas montañas
cristalinas,
Caronte te invitará
a entrar en las aguas de la Estigia.

Donde el Leteo,
 vierte su verde oscuro y profundo,
en un eterno anochecer.

Mas allá…

El Tártaro,
Luce su helado lugar esmeraldino.
José Luis Fernández
Marzo 2019
















9 de marzo de 2019

"Mitopaisajes" en la galería TILTIDE.


José Luis Fernández, autor de la obra que presenta TILTÍDE, es un pintor y escultor, dedicado desde muy joven a la expresión artística en técnicas diversas: mixtas, collages y tintas; acuarelas, acrílicos... Creador e impulsor de la Galería Tíltide, desde el año 2.000, donde se encuentra ubicado su estudio, y donde además de tener una exposición permanente de su obra, comparte el espacio de la Galería con grandes artistas.

En la muestra que presenta a partir del 10 de marzo, Mitopaisajes, se inspira en  la mitología del inframundo, con paisajes que evocan  imágenes de hermosos lugares ,que recrean su sentimiento estético de aquel.


El jardín de Caronte.
Fragmento

Campos asfódelos.
Fragmento.

El tártaro.
Fragmento

Mitopaisajes

Hay un camino a Estigia,
de profundas aguas.
Azules y granates.

Cruza los campos de Perséfone.
Asfódelos
de pétalos salvajes.

Y el río Aquerón,
baña los sueños
de quién va a Ítaca.

En las arenas del Cólquide.

Pero si ves un jardín florido,
de lejanas montañas
cristalinas,
Caronte te invitará
a entrar en las aguas de la Estigia.

Donde el Leteo,
 vierte su verde oscuro y profundo,
en un eterno anochecer.

Mas allá…

El Tártaro,
Luce su helado lugar esmeraldino.


José Luis Fernández
Marzo 2019




Currículum

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

Desde 1988, hasta hoy, expone individualmente en diferentes Galerías
de Arte, en Madrid, Almería,  Zaragoza y Pedraza (Segovia)...
A partir del año 2000, expone en la Galería Tíltide, donde instala su estudio
y realiza exposiciones anuales, estando su obra permanentemente a disposición
del público.

                                                         
CERTÁMENES


1986   X Certamen Nacional de Acuarela.Madrid      
           
1987   XI Certamen Nacional de Acuarela.Madrid

1990   XVII Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid.

1991   Exposición Nacional de Acuarela.Madrid.

1992   LIX Salón de Otoño.Madrid.

           XXX Exposición de San Isidro de Temas Madrileños.

           Certamen de Acuarela de la Casa del Reloj.Madrid.

1993   I Salón de Invierno de Acuarelas. Madrid.      
                      
1996   XXXIV Exposición de San Isidro de Temas Madrileños.

           XXIII Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid.

           LXIII Salón de Otoño.Madrid.

           IV Salón de Invierno de Acuarelas.Madrid.

1997   XXIV Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid

           Galería Gaudí.Colectiva.Madrid. 

          VIII Certamen de Acuarelas "El Tormo".Cuenca.

1998     I Salón de Acuarela y la Navidad. Madrid.    
           
                                                    1999    VI Salón de Invierno de Acuarelas . Madrid.
                                                                                          
2007    IV Certamen Francisco Revelles de Acuarela

                                                              
OBRA PERMANENTE EN INSTITUCIONES Y COLECCIONES

Mural escultórico taurino (25 mts) situado en el vestíbulo de la estación de Metro de la Plaza de Toros de Ventas. Madrid.
Obra Cultural de la Caja de Ahorros de Almería.   
Ayuntamiento de Madrid.
Comunidad de Madrid.
Ayuntamiento de Pedraza. Segovia.
Colecciones privadas en España: Madrid, Barcelona, Mallorca, Zaragoza, Vigo, Orense, Almería, Oviedo y Segovia.
en la Unión Europea: París, Italia y Escocia. En  EEUU, Wasington,.

BLIOGRAFÍA

Acuarela. Exposición Nacional.(Catálogo). Ayuntamiento de Madrid. Madrid 1991. Págs. 84 y 186.
LIX Salón de Otoño.(Catálogo). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1992. s/p, nº 29.
"Nueva estación de Metro en Ventas".Ya. Madrid, 9 de mayo de 1989. Pág, 21.
"El mural escultórico de José Luis Fernández González."Tecniarte.Madrid, 25 de junio de 1991. Págs.18 a 22.
"Acuarelas de José Luis Fernández". El Punto de las Artes.Madrid, 18 a 24 de febrero 1994.
LXIII Salón de Otoño.(Catálogo.). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1996.Pág. 56.
Diccionario de Pintores y Escultores del siglo XX.Ed. Forum Artis.
“Trazo casual”. El Mundo. MetropoliMadrid, 16 de marzo de 2001, pág. 48.
“Paisaje Urbano”. El Mundo.Metrópoli.Madrid, 8 de junio de 2001, pág. 42.
“Lienzos de verano”. El Mundo . Metrópoli.Madrid, 7 de diciembre de 2001, pág. 50
 Desde el año 2001, criticas de las exposiciones en El Punto de las Artes.


  


“Instante”
Mural escultórico de José Luis Fernández, construido en acero cortén, cobre y latón, situado en el Vestíbulo de la Estación de Ventas del Metro de Madrid. Medidas: 25 x 3 metros.  
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