14 de mayo de 2014


El Museo Romántico fue creado por  Benigno de la Vega-Inclán, II Marqués de la Vega-Inclán (1858-1942), por donación al Estado en 1921, después de haber presentado un conjunto importante de cuadros, muebles y objetos de su propiedad, en una exposición organizada por la Sociedad de Amigos del Arte, como anticipo de lo que sería el futuro museo.


Estos fondos se instalaron, desde el principio, en su actual sede, en el número 13 de la calle San Mateo de Madrid, en un edificio construido en 1776 bajo la dirección del arquitecto Manuel Rodríguez.

Se inauguró el Museo en el año 1924, con obras pertenecientes a su fundador, a las que se añadieron donaciones y depósitos de personalidades del momento, como los dos cuadros de Alenza donados por el Marqués de Cerralbo y objetos pertenecientes a grandes literatos como Mariano José de Larra o José de Zorrilla. 
                                     



Retrato de Larra. 
La sala se ha dedicado esta sala a la memoria de Larra como representante máximo del Romanticismo español. Encontramos varios objetos utilizados por el propio Larra, así como un retrato del autor realizado por José Gutiérrez de la Vega y Bocanegra en 1835.

   Cuando Mariano José de Larra nace el 24 de marzo de 1809, en un Madrid ocupado por el ejército de Napoleón, hacía ya casi un año que había empezado la Guerra de la Independencia. Vemos cómo las circunstancias históricas marcan los acontecimientos personales de su infancia: hijo de notorio afrancesado, a los cinco años tiene que salir al exilio con sus padres, a Francia. Don Mariano de Larra y Langelot, el padre de Mariano José, durante la ocupación francesa se incorporó a la sanidad militar del ejército invasor, por lo que en 1813 tuvo que seguir a los franceses en su retirada. 
Larra asistió a colegios de Burdeos y de París, de los cinco a los nueve años, hasta que volvió a España con sus padres en 1818, en el séquito del infante don Francisco de Paula, a quien su padre había acompañado como médico de cabecera en un viaje por Europa. Es decir, que recibió su enseñanza primaria en lengua francesa, aunque parece que antes de salir de España ya sabía leer. En todo caso el francés se sobrepone al español infantil aprendido en su patria. Al volver a Madrid, continuó la enseñanza, ahora en español. Tuvo, por lo tanto, que habituarse en su instrucción al cambio de lengua. Esto es lo que quiso decir cuando en 1835, desde París, en una carta a su editor explicándole la "gran dificultad" que representaba para él tener que escribir en francés, le indicaba que "el francés fue mi primera lengua y estaba rouillé, como los goznes de una puerta". Creo que esta frase señala bien, ni más ni menos, los límites de su educación en aquella lengua, si bien los de su conocimiento de la cultura francesa fueran más amplios que los lingüísticos, como ocurría por entonces con muchos de los jóvenes españoles aficionados a las letras....   (Biblioteca  Cervantes)


El Museo fue objeto de un vivo interés por parte de los más grandes intelectuales del momento, como José Ortega y Gasset o el Marqués de Lozoya. Con posterioridad, durante la Guerra Civil, la importancia de la institución quedó subrayada por el hecho de nombrar como director del Museo Romántico a  Rafael Alberti, con lo que quedaba garantizada la protección del rico patrimonio custodiado en él. En 2009, tras una esplendida rehabilitación, abre de nuevo sus puertas.




                                       Museoromanticismo.jpg



Con el transcurso de los años, la colección del Museo ha ido enriqueciéndose con todo tipo de adquisiciones, donaciones y depósitos, que completan la visión que quiere ofrecer a sus visitantes: En este caso. un grupo de alegres jóvenes: solo una muestra del numeroso grupo que ha visado en estos últimos meses el Museo Romántico.




Produce una inmensa alegría comprobar que siguen interesados por lo ocurrido en otras épocas, a otras gentes, en otras situaciones... Porque es, a través de lo que ha sobrevivido, cómo podrán descubrir sus propios sentimientos, apreciar lo que su vida les ofrece y buscar aquello que todavía sueñan alcanzar.





http://www.museoromanticismo.mcu.es/

11 de mayo de 2014

Frank O. Gehry, Príncipe de Asturias de las Artes.

El autor del Museo Guggenheim Bilbao se ha impuesto a otros 35 candidatos

Frank GehryEl arquitecto estadounidense Frank O. Gehry ha obtenido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, según el jurado, por “la relevancia y la repercusión de sus creaciones en numerosos países, con las que ha definido e impulsado la arquitectura en el último medio siglo”. Dicho jurado ha estado presidido por el empresario José Lladó y formado por el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza; la presidenta de ABC, Catalina Luca de Tena; el cineasta José Luis Cienfuegos y el duque de Huéscar, Carlos Fitz-James Stuart Martínez de Irujo.
Gehry se ha impuesto así a otros 35 candidatos, algunos de los cuales sonaban como favoritos. Era el caso del videoartista Bill Viola, el músico y director de orquesta español Cristóbal Halffter, los también arquitectos Arata Isozaki y Toyo Ito, la cineasta belga Agnès Varda, el músico estonio Arvo Pärt y el pianista chino Lang Lang.
De origen canadiense, las huellas de Gehry están muy presentes en España: es autor del Museo Guggenheim de Bilbao y las bodegas del Marqués de Riscal en Elciego (Álava).
Sexto arquitecto que consigue el Príncipe de las Artes tras Oscar Niemeyer (1989), Francisco Javier Sáenz de Oiza (1993), Santiago Calatrava (1999), Norman Foster (2009) y Rafael Moneo (2012), Gehry ya había recibido galardones tan destacados como el Pritzker. El reconocimiento español está dotado con 50.000 euros y una escultura deJoan Miró.
Su candidatura había sido propuesta por Richard Armstrong, director de la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York.
Nacido en Toronto y nacionalizado estadounidense, Gehry se graduó en Arquitectura en 1954 y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y Asociados en Los Ángeles. Estudió urbanismo en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard y en la Universidad de Southern y estableció su primera firma en 1963: Frank O. Gehry y Asociados.
En 1979 esta firma fue fusionada y se convirtió en Gehry & Krueger Inc. Su peculiar estilo arquitectónico comenzó a emerger en los últimos años 70: Gehry plasmó su muy personal visión de la arquitectura en construcciones que se asemejaban a fragmentos escultóricos marcados por la funcionalidad.
Polémico por el impacto visual de sus proyectos, suele emplear formas geométricas simples o líneas curvas y una estética deconstructiva. Contrario a las formas del modernismo arquitectónico en boga hace tres décadas, particularmente en lo referente a su obsesión por los materiales limpios y el monolitismo, apostó por el empleo de metal acanalado, madera contrachapada y otros materiales reciclados y de bajo coste, especialmente en sus diseños urbanos. Es también partidario de dividir el volumen total de sus edificios en pequeñas unidades significativas que respeten la integridad contextual (como podemos apreciar en el Museo Vitra, de 1987), y del uso de modernas tecnologías.
Entre sus trabajos más conocidos figuran la Casa Frank Gehry en California, la Casa Danzante de Praga, el Edificio del Banco DG de Berlín, el Centro de Exposiciones de Columbia, en Maryland; el Centro Maggie’s Dundee en Escocia, la Torre Gehry de Hannover y la Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles.


8 de mayo de 2014

EL PERÍODO CUBISTA DE PICASSO (1907/1917)

Picasso es el gran genio del cubismo, y en buena medida su creador.
El cubismo es (según él mismo señaló): "Un medio para decir las cosas del modo que me parece más natural". 
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que se enmarca en su período pre-cubista y que será el punto de partida.

De hecho, este cuadro anuncia una época totalmente nueva en el arte y es considerado el cuadro más importante de todo el siglo XX. 


Las Señoritas de Avignon, 1907


Esta es la etapa más importante del arte de Picasso, y la más trascendente. 

Comienza en 1907 y termina oficialmente en 1917. 


Autorretrato, 1907

Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque son los máximos exponentes de esta corriente, que revolucionó las bases de la pintura y de todas las artes. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas. Se pintaron sobre todo bodegones, naturalezas muertas y retratos en este estilo.
El cubismo es esencial como movimiento pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar.
"La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere".

La danza de los velos (desnudo con paños), 1907 

Tres mujeres, 1907

"La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo".

Mujer con abanico (después del baile), 1908


El Cubismo es un hito en la historia de la pintura. Todas las corrientes posteriores van a establecer relacion con el cubismo: o bien para incorporar elementos o bien para rechazarlo.


Ramo de flores en un jarro gris y copa. 1908

Vaso y libro, 1908

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.


Naturaleza muerta con pescado, 1908

En 1909 Picasso sorprende de nuevo. En "Cabeza de mujer" los planos se descomponen hasta el infinito y desde todos los puntos de vista. En un cuadro como "La mujer en camisa" se puede observar el grado de geometrización a que somete a las formas: el triángulo de la cara, las curvas ondulantes en el cuerpo y en el pelo, todo ello pura geometría. 


Cabeza de mujer, 1908-09
Frutero y panes encima de una mesa.  1908-09

 Mujer con mandolina.  1909 
El cubismo hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.


La fabrica de Horta de Ebro, 1909


Retrato de Manuel Pallarés, 1909


Hacia 1910 Braque y Picasso comienzan el cubismo analitico: el más complejo y abstracto de entre todos los periodos del cubismo; la pintura de Braque y Picasso es entonces indistinguible, y lo sería tambien en las diferentes tendencias cubistas, como con el cubismo sintético.


Retrato de Wilhelm Uhde.  1910


Violín, 1912


Cubismo sintético: Poco a poco los planos se hacen más grandes y aparecen referencias de la realidad, siempre geométricas: cuerdas de guitarra, letras... Los temas son alegres y lúdicos. Son los primeros collages  en pintura.





Naturaleza muerta con trenzado de silla.  1912 


Hombre con mandolina. 1913




El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. 

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. 

Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. 


Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. 




Mujer en camisa sentada en un sillón.  1914

Frutero con racimo de uvas y pera. 1914 


Arlequín. 1915 


Los tres músicos, 1915

La última fase cubista en Picasso es la "puntillista", con la que rompe gradualmente con el cubismo. 

La utilización del punto para componer y crear es propia de los puntillistas como Georges Seurat y Paul Signac e hizo investigaciones Picasso, con la técnica puntillista, en Manola con mantilla. El punto como centro de  interés, foco de atención y dirección de la mirada.


Y a partir de este año, 1917, empezará su período neoclasicista, con una tendencia, valga la redundancia, al clasicismo, al desnudo monumental, al dibujo de línea. Durará hasta 1927.



Manola con mantilla, 1917

"Todo lo que puede ser imaginado es real".
Tomado de blog de Inma. Gracias por esta entrada preciosa:
http://elrincondemisdesvarios.blogspot.com

1 de mayo de 2014

El lugar donde habita nuestro pasado. El Museo Arqueológico Nacional (MAN). (Parte I)

Acaba de abrirse al público después de una  larga  rehabilitación que ha merecido la pena, porque ha quedado precioso, este museo madrileño. Es por eso, que hoy queremos compartirlo con vosotros.



Se compone de varias áreas: Prehistória, Protohistoria, la Hispania romana, La Edad Media, La Edad Moderna, Egipto y Oriente próximo, Grecia Numismática y Medallística. Esta parte I está dedicada a las tres primeras.
La colección de Prehistoria se fecha en un rango cronológico muy amplio que abarca desde hace más de un millón de años hasta el inicio del primer milenio a. de C. Destacan algunas piezas de especial relevancia como los materiales paleolíticos del Manzanares, en particular San Isidro (Madrid), los omóplatos decorados del Castillo (Cantabria), la cestería y tejido en esparto de la cueva de los Murciélagos en Albuñol (Granada), el ídolo oculado de Extremadura, el conjunto campaniforme de Ciempozuelos (Madrid) o la espada de Guadalajara.










 Especial interés ofrece la rica y variada colección Siret, y series como la de Millares o Argar. A éstas se suman el depósito de la ría de Huelva, las estelas “diademadas” y una buena muestra de orfebrería del Bronce final (cuencos de Axtroki, tesoro de Berzocana y de Sagrajas, entre otros






En la Península Ibérica, la Protohistoria abarca las culturas que se desarrollan entre los inicios de la Edad del Hierro y el proceso de Romanización, es decir, el Primer Milenio a.C. Buena parte de los objetos de esta colección proceden de excavaciones arqueológicas y hallazgos llevados a cabo en la Península y sus islas desde el sigloXIX e incluso antes. 

Destacan las realizadas en Ibiza, Villaricos (Almería), Toya, Galera, Archena, Aguilar de Anguita o Numancia. De importante valor son los conjuntos de orfebrería, con ejemplares fenicios, tartésicos, ibéricos, céltibericos, vacceos y castreños y, entre ellos, sobresalen tesoros como los de Aliseda, Jávea, Salvacañete, Palencia o Cangas de Onís Vegadeo. El conjunto de escultura ibérica es excepcional por su calidad y cantidad, realizada, en piedra, (Damas de Elche, Baza y Cerro de los Santos, relieves de Osuna), y en bronce (exvotos ibéricos de Despeñaperros).











La Hispania Romana. Una colección que se compone de una gran diversidad de objetos, tanto de la vida cotidiana como monumentales, fechados fundamentalmente entre los siglos I a.C. y V d.C. Son destacables por  su variedad y calidad la serie de inscripciones latinas, representativas de la epigrafía hispana sobre piedra (aras, pedestales, estelas o miliarios) o bronce (tablas jurídicas) y  los mosaicos.














                       


C/ Serrano, 13
28001 Madrid
Tel.: (0034) 91 577 79 12
http://www.man.es/man/coleccion/catalogo-cronologico/prehistoria.html

Visita de Actividades Culturales Tíltide: Miércoles 30 de abril.
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...