La Generación del 27 forma parte de uno de los momentos artísticos más interesantes de la historia cultural española, conocido con el nombre de Edad de Plata. Su legado es ampliamente conocido siempre y cuando hablemos de ellos, pero no de "las" componentes.
Dentro del grupo del 27 existió una generación de mujeres pintoras, poetas, novelistas, ilustradoras, escultoras, pensadoras, cineastas y compositoras de inmenso talento que gozaron en su tiempo de éxito nacional e internacional.
Ellas, al igual que sus compañeros de generación, fueron parte y testigo de los acontecimientos sociopolíticos que caracterizaron el siglo XX español. Y por consecuencia, ellas y su obra son una fuente testimonial importantísima que nos permite conocer, de primera mano, los avatares de ese momento, no solo desde la perspectiva artística e intelectual, sino también desde la mirada femenina que pocas veces ha sido valorada.
La exposición es el resultado de una gran tarea de investigación que ha conseguido reunir una amplia selección de obras originales y documentos de creadoras comoMaruja Mallo, Margarita Manso, Marga Gil Roësset, Delhy Tejero, Rosario de Velasco, Ángeles Santos, Ruth Velázquez,entre otras. Todas influyeron de forma decisiva en el arte y el pensamiento español debido a su cultura, a la incorporación de las Vanguardias europeas, y a la preocupación por la tradición española, desde una óptica femenina y diferente. La Guerra Civil supuso el fin de esa Generación, pero en el caso de ellas supuso también su condena al olvido.
Fueron las llamadas las “sinsombrero”. Pero… ¿por qué? Se les conoce por ese nombre por la iniciativa que tuvieron Federico García Lorca, Salvador Dalí, Margarita Manso y Maruja Mallo, de atreverse a quitarse el sombrero en la Puerta del Sol, una actitud transgresora que pretendía, metafóricamente, en ausencia de la prenda que tapa la cabeza, liberar las ideas y las inquietudes. Este gesto las convirtió en rebeldes y por ello fueron vilipendiadas por la sociedad de la época.
En la fotografía posterior los componentes de la Generación del 27, también llamada la generación de la amistad, por la relación que se estableció entre ellos y ellas, celebran una comida en honor a Luis Cernuda en un famoso restaurante la Plaza Mayor de Madrid, que hoy en día existe todavía, casi inalterable al paso del tiempo.
Entre las pertenecientes a esta Generación, presentes en la exposición, destaca Maruja Mallo , quien en 1922, con veinte años, y un nuevo traslado de la familia a Madrid, entró a estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando donde estuvo hasta 1926, y aquí en Madrid, se relacionó con artistas, escritores y cineastas de la Generación del 27.
Colaboró intensamente con Alberti (con quien mantuvo una relación amorosa) hasta 1931, quedando constancia de este trabajo conjunto los decorados del drama Santa Casilda (1930) y La pájara Pinta (publicada en 1932).
Durante esos años pinta la serie Cloacas y Campanarios, cercana a los planteamientos de la Escuela de Vallecas de la que formó parte. Viajó a París, donde conoció de primera mano las corrientes de Vanguardia; y en 1930 , comprometida con La República, desarrolló una dedicación docente como profesora de Dibujo, mientras exponía con pintores surrealistas en Barcelona, Londres y Madrid. Después de la guerra se exilió y no volvió España hasta 1962.
Delhy Tejero, otra de Las Sinsombrero, nació en Toro, fue la segunda de tres hermanas que, tras el temprano fallecimiento de la madre, educó y crio el padre, secretario del Ayuntamiento de esa localidad zamorana. Recibió clases de dibujo, publicando sus primeras ilustraciones en El Noticiero de Toro. En 1925 su padre la envió a Madrid al colegio «San Luis de los franceses» para que estudiase francés, taquigrafía y corte y confección. Al día siguiente de llegar, se examinaba para entrar en la escuela de Artes y Oficios. Su intención fue prepararse para entrar en Escuela de Bells Artes, lo que consiguió en 1926. Los cuatro primeros años pudo estudiar gracias a dos becas. Con el tiempo llegó a reconocer que de francés no aprendió nada, pero que logró entrar en la Academia de San Fernando donde conoció a pintoras y pintores de esta generación. Pitti Bartolozzi o Maruja Mayo, entre ellas.
Pitti Bartolozzi, la amiga de Delhy, participó de las actividades del Lyceum Club Femenino y fue una de las primeras impulsoras del Primer Salón de Dibujantas, que se celebró en 1931, un verdadero hito para la visibilidad de las mujeres artistas del momento. El Museo ABC realizó la exposición “Dibujantas” en 2019 recordando aquel momento.
En sus comienzos desarrolló su trabajo en la ilustración de cuentos infantiles, en la Editorial Calleja; el cómic y la escenografía, como los trabajos que realizó para el Teatro Español o el de Mérida (obras para García Lorca o Valle Inclán entre otros), o para las Misiones Pedagógicas. El oleo siguiente, Las Artes, pertenece al museo de Navarra y lo firmó Pitti Batolozzi con su marido.
Ángeles Santos (Gerona, 1911-2013) fue una de las más importantes pintoras españolas de este momento. En 1929, con tan solo 18 años firmó las que está consideradas como sus grandes obras: Tertulia y Un mundo, óleos de grandes dimensiones que lucen en las paredes del Reina Sofía de Madrid, de forma permanente.
Tertulia. En el Museo Reina Sofía.
Después de la deformación de la imagen abstracta, surrealista, o cubista, se originará una reconstrucción de la imagen real, por una nostalgia de la imagen visual, reconocible; pero que ya no sería la misma que se manejaba en las antiguas academias, sino una imagen con un halo de misterio, un clima metafísico, diferente, como característica de este movimiento. Un ejemplo son las obras que aparecen a continuación, de Ángeles Santos, una de ellas su Autoretrato, más cercanas a la realidad, que la anterior titulada Tierra.
La escultura de Marga Marga Gil Roësset, considerada una niña prodigio, que fue admirada en su época por la intelectualidad, y que murió muy joven, por lo que su polifacética obra es escasa, destaca en la exposición.
Durante la guerra civil, los carteles y las fotografías fueron una herramienta política y social
empleada por el Gobierno de la República y los distintos grupos ideológicos que participaron
en la contienda tras el golpe militar o del 18 de julio de 1936.
Muchos de ellos fueron creados por nuestras protagonistas.
A Ruth Velázquez pertenece la siguiente obra, titulada La madre del comunismo. Se cree que fuepintada a escondidas, y cuando la autora partió al exilio, se llevó el cuadro con ella. Con el inicio de la segunda guerra mundial se temió por la seguridad del lienzo y fue enviado a Cuba, allí paso a manos de su bisnieta que lo llevó a Boston.
Y otras obras realizadas después de la guerra, algunas en el exilio, otras en España, como la de Delhy Tejero, María Dolores de 1954.
María Dolores. Delhy Tejero. Oleo sobre lienzo de 1954.
Actividades Culturales Tíltide
Clases de Arte
Profesora: Sara Fernández. Historiadora del Arte por la UCM.
Una de las artistas centroamericanas más emblemáticas del siglo XX. Esta muestra ahonda en su trayectoria con un recorrido por una extensa producción que abarca pintura, escultura y arte no objetual, así como libros de artista elaborados con dibujos, collages y poemas. Desde una mirada retrospectiva, la exposición permite adentrarse en el panorama del arte moderno y contemporáneo de Guatemala, e invita a recorrer la metamorfosis creativa experimentada por la artista entre 1960 y mediados de la década de 1990, algo que queda plasmado también en los múltiples cambios de nombre con los que firma sus obras.
2. Sorolla. Orígenes.
Casa-Museo de Sorolla.
Hasta el 19 de marzo de 2023.
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La muestra explora, por primera vez, el camino que condujo al valenciano Joaquín Sorolla Bastida a convertirse en el pintor de mayor éxito nacional e internacional de la España de entre siglos, en el pintor inmortal de la luz y del Mediterráneo que sigue hoy cautivando al público que contempla su pintura.
Exposición que arroja luz y verdad sobre los inicios del pintor en su Valencia natal, sobre su formación en las Escuelas de Artesanos y en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, que nos habla de un joven que compagina las clases de dibujo con el trabajo en el taller de cerrajería de su tío José y que va abriéndose camino hacia el éxito con trabajo y mucho esfuerzo.
3. Leonora Carrington.
Fundación Mapfre (Recoletos).
Del 9 de febrero al 7 de mayo de 2023.
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Mary Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011) fue una de las artistas más relevantes dentro de las filas del surrealismo. Pintora, escultora y escritora entre otras cosas, su trayectoria profesional estuvo marcada siempre por su biografía, que la convirtió, para vista de muchos, en una persona excéntrica y trágica. A pesar de ello, sus obras son el resultado de una extraordinaria imaginación y cuentan con un significado no siempre fácilmente descifrable por el espectador.
4. Francisco Pradilla.
Museo de Historia de Madrid.
Hasta el 9 de abril.
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La variedad de géneros representados en esta exposición -además de pintura de historia, paisajes, retratos, mitología y escenas poéticas, intimistas y costumbristas- nos demuestran que, si Pradilla supo crear el arquetipo histórico-legendario, fue también un pintor muy completo y polifacético, lo que aporta variedad e interés especial a esta muestra homenaje.
5. Cerebro(s).
Fundación Telefónica.
Hasta junio de 2023.
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La exposición Cerebro(s) explora cómo el arte, la ciencia y la filosofía han representado este órgano fascinante a lo largo de la historia y nos adentra tanto en la anatomía del cerebro como en todo aquello que éste genera: la conciencia, el pensamiento abstracto, el lenguaje, la imaginación, los sueños y la memoria. La muestra también indaga en otras mentes más allá de la humana: las inteligencias artificiales, animales y colectivas, así como las de organismos sin cerebro.
6. Lucian Freud.
Museo Thyssen.
Del 14 de febrero al 18 de junio de 2023.
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Lucian Freud es considerado uno de los máximos representantes de la corriente figurativa británica de la segunda mitad del siglo XX que ha dado en llamarse la Escuela de Londres. En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud consigue desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que rezuman sus obras.
Hijo de un arquitecto y nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, Lucian Freud pasó su infancia en Berlín hasta que, tras la llegada de Hitler, su familia se vio obligada a emigrar a Inglaterra. Desde pequeño tuvo claro que quería ser artista. Estudió en la Dedham School of Arts and Crafts y posteriormente en el Goldsmith’s College de Londres. Su formación en el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le llevó a utilizar su pintura como instrumento de reflexión sobre la enajenación del hombre contemporáneo.
7. Manolo Quejido
Palacio de Velázquez del Retiro
Hasta el 16 de mayo de 2023.
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Su trabajo inicial se sitúa en el ámbito del experimentalismo artístico ligado al compromiso político propio de la escena artística española de los años 70.
Quejido se preocupa por la poesía concreta y la necesidad de reflexionar sobre la función social del arte. En este primer periodo de su trayectoria se registra una clara huella del grupo artístico Equipo 57, y siguiendo el ejemplo del grupo desarrollará obra en el marco del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. El quehacer artístico de Quejido posteriormente se sitúa entre el Pop Art y la pintura neoexpresionista.
8. Visiones expandidas. Fotografía y experimentación.
Fundación la Caixa.
Hasta el 27 de marzo de 2023.
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A comienzos del siglo XX, artistas de vanguardia como los dadaístas y los surrealistas, así como los artistas modernos cercanos al constructivismo, mostraron un especial interés por el medio fotográfico, que entonces se consideraba la herramienta contemporánea por excelencia. De hecho, la fotografía no solo ofrecía nuevas posibilidades formales para explorar y expresar el espíritu de los tiempos modernos, sino que, al no estar vinculada a una larga tradición ni a las redes de difusión clásicas, encarnaba además la libertad de acción y pensamiento al servicio de innovaciones formales y de críticas sociales o políticas. De esta forma, collages, fotomontajes, fotogramas y puntos de vista radicales generaron una nueva gramática visual.
9. Antonio Alvarado. Baja Costura.
Museo del traje
Hasta el 26 de marzo de 2023.
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Desde el Museo del Traje se han reunido para la muestra más de 500 piezas con el objetivo de recomponer la trayectoria de Antonio Alvarado (Premio Nacional de Diseño de Moda 2021), un veterano de la moda española que puede ser considerado el diseñador de cabecera de la Movida madrileña. Más de 40 prestadores han cedido piezas del diseñador que vistió a Mecano, Tino Casal, Alaska o Luz Casal, entre otros, y aportó ingredientes clave en las películas de Pedro Almodóvar, como los pendientes-cafetera de Mujeres al borde de un ataque de nervios y la camisa estampada de La ley del deseo.
10. Juan Muñoz . Todo lo que veo me sobrevivirá.
Sala Alcalá 31
Del 14 de febrero al 11 de junio de 2023.
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Una exposición dedicada a la producción de la década de los noventa del artista Juan Muñoz, uno de los artistas europeos más importantes de la segunda mitad del siglo XX.
Un doble homenaje que se celebra en la Sala Alcalá 31 y el Museo Centro de Arte Dos de Mayo a través de una doble exposición que recorrerá dos décadas de la intensa trayectoria de Juan Muñoz, precisamente en el año en el que se cumplen 70 años del nacimiento de este artista.
La exposición de la Sala Alcalá 31 reúne algunas de sus piezas más icónicas, fechadas entre los años 90 y 2001, año de su prematura muerte. Esta última década de producción de Juan Muñoz estuvo marcada por el dominio del espacio, en una concepción neobarroca, y por la recuperación de la figura humana como elemento central de trabajo. Su vocación existencialista, su cualidad emocional y su reivindicación del truco, de la suspensión de la incredulidad, determinaron la ficción como una característica fundamental del arte contemporáneo, avanzando un cambio que será esencial dentro del arte en el siglo XXI.
11. Sorolla a través de la luz .
Palacio Real
Hasta junio de 2023.
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Un homenaje al genial pintor con motivo del centenario de su muerte.
Aprovechando la exposición de LAS SINSOMBRERO en el Centro Cultural FERNADO FERNÁN GÓMEZ de Madrid, y la presencia allí de algunas obras de esta artista, vuelvo a publicar esta entrada que nos acerca ala vida de la pintora española
"Un Mundo", 1929
ÁNGELES SANTOS
Bien es sabido que nunca, ni siquiera hoy en día, se ha valorado igual la obra de los artistas masculinos y femeninos. Pues bien, este es un buen momento para poner en su lugar la figura de Ángeles Santos, una pintora que merece un lugar privilegiado en el Olimpo de la pintura surrealista española.
Ángeles Santos (Gerona, 1911-2013) fue una de las más importantes pintoras españolas. En 1929, con tan solo 18 años firmó las que está consideradas como sus grandes obras: "Tertulia" y "Un mundo", óleos de grandes dimensiones y trazo surrealista que luce en las paredes del Reina Sofía de Madrid, de forma permanente.
Dijo sobre su cuadro "Un Mundo":
"Lo pinté en Valladolid. Yo le dije a papá: "Quiero pintar el mundo. Todo lo que yo he visto". Él encargó una pieza entera de lienzo a Madrid.
Cuando lo recibimos lo clavamos con chinchetas en la pared de mi habitación. Era una tela muy grande y cuadrada. Al principio no sabía cómo llenarla, pero iba a pintar algo en ella. Luego ya inventé. En lugar de representar la tierra redonda la hice cuadrada, en planos, porque yo había leído sobre el cubismo y me resultaba más fácil ir colocando las cosas. Entonces leía mucha poesía de Juan Ramón Jiménez, de Baudelaire, y a todos ellos me los imaginaba como unos seres espirituales. Después cuando conocí a algunos y me decepcioné.."
A finales de los años 20 con sus dos primeros cuadros, Ángeles revolucionó la pintura española y tuvo a sus pies a intelectuales y artistas de la época, como Federico García Lorca, Jorge Guillén y Ramón Gómez de la Serna, con quién mantenía una activa correspondencia.
"Tertulia", 1929
"La tertulia" es una de sus obras más conocidas. Cuatro mujeres modernas de cuerpos estilizados, se relajan en una salita, leyendo y fumando, cada una a lo suyo, sin comunicarse entre sí. El cuadro es opresivo y claustrofóbico, apenas hay espacio alrededor de las figuras, que quedan comprimidas dentro de los límites del lienzo.
Otras obras suyas
La tierra [Pueblo primitivo] (1929)
Autorretrato
Niña durmiendo [Pensativa] (1929)
Un muerto [La Niña muerta. Héroe muerto] (1930)
Autorretrato, 1928 (detalle)
Vaso [El vaso de vino] (1928)
Niños en el jardín (1928)
Sueño [Alma que huye de un sueño] (1929)
La extraña pintura Alma que huye un sueño tenía que ver con versos de García Lorca y representa algo muy enraizado con su manera de sentir. El cuerpo de esta niña aparece como un estuche que se ha roto por la mitad y dejar salir el alma, la sombra del cuerpo se proyecta, no la del alma que se escapa y enciende los luceros al amanecer. Estas almas que huyen tiene quizás que ver con esa angustia suya por lo inalcanzable que atraviesa lo mejor de su obra.
Habitación (c. 1930)
Tras el Fauvismo, el Futurismo, el Expresionismo más radical, se creó una necesidad de volver al orden, de recuperar una mirada clásica, que acabará dando lugar a una serie de nuevos realismos que se extienden por Europa.
Se originará una reconstrucción de la imagen real, de la imagen persuasiva después de los descoyuntamientos de la imagen abstracta o cubista, dando lugar a una nostalgia de la imagen visual, reconocible pero que ya no sería la misma que se manejaba en las academias antiguamente, sino una imagen con un halo de misterio, un clima metafísico, un clima inquietante como característica de este movimiento.
La figura de Ángeles Santos es comparada por Plaza Santiago con la de Van Gogh, por cuanto "produce su obra más esencial en un periodo de unos dos años para después suicidarse, mientras que María Ángeles afortunadamente no termina de manera tan trágica, pero en su período creativo podemos encontrar analogías; una crisis psicológica muy fuerte y su traslado a un sanatorio psiquiátrico de Madrid".
En su caso existe un vehículo que transmite esa fuerza, se trata de un libro esencial para entender esta pintura y a quienes la cultivaron.
Se trata del libro Realismo mágico: Post-expresionismo: los problemas de la más reciente pintura europea, obra realizada en 1925 por Franz Roh.
Muy pronto (1927) se tradujo al español por Fernando Velasco en la revista “Occidente”, produciendo un impacto sorprendente al dar a conocer un mundo prácticamente inédito que se conectaría con ese “realismo mágico” y a su vez con la tendencia denominada como “le rappel à l´ordre” o “la vuelta al orden” frase que se atribuye al pintor André Derain, donde se ponía freno a una cadena de rupturas radicales que habían marcado la pintura occidental desde 1914.
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