9 de junio de 2021

 


Esta exposición presenta más de seiscientas obras del artista mexicano Francisco Toledo (1940-2019).  El conjunto incluye una amplia variedad de técnicas y materiales, que van desde el dibujo y el grabado hasta la acción comunitaria, la gráfica intervenida y la elaboración de objetos en piel, plata, textiles, vidrio y fibras naturales.

Comisariada por el propio artista,  fallecido hace dos años, pero que había expuesto esta misma muestra en Méjico con anterioridad, explora y subvierte los límites entre arte, artesanía y diseño. En este contexto, destaca una sala pensada para el público infantil en la que se encontrarán juguetes, mobiliario y una instalación de cincuenta y cuatro metros cuadrados de azulejo hidráulico diseñado por Toledo y elaborado artesanalmente en la localidad San Lorenzo Cacaotepec en el estado de Oaxaca.


                                  


  • La exposición Toledo ve es la muestra monográfica más completa en España del artista desde el año 2000.
  • En la muestra se desdibujan las fronteras entre arte, diseño y artesanía.
  • El propio artista comisarió esta exposición en la que buscó compartir su manera de ver el mundo, por eso el título de la muestra es Toledo ve.
  • La exposición reúne más de seiscientas piezas entre las que destacan la sala infantil con una instalación de cincuenta y cuatro metros cuadrados de azulejos hidráulicos, una colección de más de doscientas piezas de joyería y una instalación en la escalinata central de Casa de México en España que incluye ciento cuarenta papalotes o cometas.
  • Francisco Toledo (1940-2019) es uno de los artistas más destacados de México. Su labor cultural y su generosidad al crear diversas instituciones de creación y difusión cultural en favor de su natal Oaxaca lo convirtió no sólo en un artista reputado, sino en toda una autoridad moral.


Igualmente sobresaliente es la joyería, elaborada con radiografías, piel, cuero y oro, e inspirada en la fauna local del Istmo de Tehuantepec, con animales como cangrejos, monos, peces, chapulines o saltamontes, perros y lagartos.



En cualquier soporte, temática o escala, la obra de Francisco Toledo se caracteriza por ser propositiva, original y absolutamente heterodoxa. Esto lo convierte en un artista único e imposible de clasificar dentro de un estilo o movimiento. En México el Maestro Toledo es un referente moral y cultural: su distintivo lenguaje plástico estuvo siempre acompañado de una ardua labor en favor de la justicia social, el respeto al campo y a la ecología, así como la preservación del patrimonio cultural de los pueblos originarios de su natal Oaxaca y del país en general. 

Toledo ve constituye una gran oportunidad para el público español. Desde su exposición individual en el Museo Reina Sofía en el año 2000, España no había recibido una muestra tan completa de este artista fundamental. El título de la exposición es una invitación a compartir la mirada del artista. La manera en la que Francisco Toledo vio el mundo nos permite aproximarnos a su singular universo creativo.



 La Casa de México en Madrid organiza esta exposición en conjunto con la asociación civil Amigos del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, dos de las instituciones culturales fundadas por Francisco Toledo.

C. AlbertoAguilera 22. Madrid.

www. casademexico.es



23 de mayo de 2021

De venta aquí. Una exposición en el Centro Conde Duque.

Esta pequeña gran exposición es un homenaje a las ilustradores y diseñadores de principios del siglo XX e incluso finales del XIX.  Un recorrido por el comercio madrileño a través de un centenar de carteles publicitarios.



Se trata de una exposición con la que se conoce la historia de Madrid a través de anuncios originales realizados por grandes artistas como J. Renau, F. Ribas, Zsolt, Garballo, Pere Abarca o Manolo Prieto. Está comisariada por La Retrografía, propietarios de una de las mayores colecciones privadas de carteles de publicidad.









             
                 


Está organizada a través de diferentes grupos temáticos: 

Hogar y droguería, 
Alimentación, 
Moda y textil, 
Salud e industria.  

Pretende invitar a sus visitantes a realizar un paseo nostálgico por el comercio madrileño de antaño, permitiendo establecer de forma clara las diferencias y semejanzas de lo que era la estructura de la distribución comercial de hace cincuenta o cien años, con el momento actual. 

Hasta el 30 de junio de 2021.

Fuentes:
https://www.laretrografia.es/conde-duque-se-vende-aqui/

Instagram: saralavispa AVISPADOS. Visita a la exposición "De venta aquí".

9 de mayo de 2021

Georgia O’Keeffe en el Thyssen

 Georgia O’Keeffe (1887-1986) es una de las máximas representantes de las corrientes de vanguardia de la primera mitad del siglo XX en Estados Unidos. Nacida en una granja de Wisconsin, estudió en el Art Institute of Chicago y en la Art Students League de Nueva York, pero fueron las enseñanzas de Arthur Wesley Dow las que le ofrecieron una alternativa a las tendencias que dominaban por aquel entonces la escena artística americana. 



En 1915, mientras trabajaba como profesora de arte en Carolina del Sur y Texas, comenzó a experimentar con la no figuración. Realizó una serie de dibujos abstractos al carboncillo que llegaron a las manos del fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz, que inmediatamente decidió exponerlos en su galería 291. Desde entonces su fama no cesó de crecer y, a mediados de la década de 1920, O’Keeffe ya era una de las artistas más célebres de su país, conocida tanto por sus radicales representaciones de flores como por sus pinturas de rascacielos de Nueva York, símbolo de la modernidad norteamericana por antonomasia.

Durante 1929, O'Keeffe hizo el primero de sus muchos viajes a Nuevo México. La orografía del lugar y la mezcla de culturas de esta remota región inspiraron una nueva dirección en su arte. Durante las siguientes dos décadas, pasó la mayoría de los veranos viviendo y trabajando en Nuevo México, convirtiéndolo en su hogar permanente en 1949.


Calle de Nueva York con luna 1925



Manhattan. 1932.


Desde la década de 1950, la artista, que hasta entonces nunca había abandonado el continente americano, comenzó una serie de viajes internacionales que la llevarían a conocer todos los continentes. Las numerosas horas de vuelo inspiraron una serie de vistas desde la ventana del avión. Durante sus últimos años de vida, en los que debido a su pérdida de visión experimentó con la alfarería, recibió numerosos galardones y se celebraron muchas exposiciones en su honor.

Vista de Georgia. 1952


Los primeros planos de flores fueron un tema frecuente en la producción artística de Georgia O’Keeffe. En numerosas ocasiones estas imágenes han sido explicadas en clave de género y casi siempre interpretadas con un significado sexual. A pesar de que estas disquisiciones no restan un ápice a su importancia plástica, la pintora rechazó sistemáticamente lo que consideraba una interpretación errónea, como puede comprobarse en el texto que publicó en el catálogo de su exposición en la galería neoyorquina An American Place, en 1939, en el que declaraba: «Bien, he conseguido que mires lo que yo he visto y cuando te tomas el tiempo de ver realmente mi flor adjudicas todas tus propias asociaciones sobre las flores a mi flor y escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo»

.











Si bien es difícil obviar las connotaciones sexuales y no relacionar la imagen con los genitales femeninos, tanto este Lirio como muchas de sus flores también pueden ser interpretados como una meditación sobre la creación y sobre las transacciones entre el mundo espiritual y material. No se puede dejar de relacionar esta plasmación visual del mundo orgánico con las nociones sobre el élan vital, el impulso del que surge la vida, del filósofo francés Henri Bergson, que tanto influyeron en el círculo de Stieglitz.

Fuentes:


 https://www.wikiart.org/es/georgia-okeeffe. (Fotografía de la artista).


https://www.museothyssen.org/exposiciones                                



29 de abril de 2021

Carme Pinós. Escenarioa para la vida. En el Museo ICO


LA ARQUITECTA CON VOZ PROPIA: "CON CADA ACTUACIÓN URBANA, HEMOS DE TENER EL PROPÓSITO DE HACER CIUDAD, EL PROPÓSITO DE DIGNIFICAR NUESTRO ENTORNO"

“Carme Pinós. Escenarios para la vida” es un recorrido a través de la arquitectura de Carme Pinós, una de las grandes figuras de la arquitectura española contemporánea, en su primera retrospectiva, comisariada por Luis Fernández-Galiano.

Carme Pinós inicia su carrera en la década de 1980 junto a Enric Miralles, periodo al que se dedica la primera parte de la exposición, y donde se recogen ocho proyectos realizados conjuntamente.

Probablemente, esta primera etapa es la más conocida mediáticamente y, sin embargo, no es la de más peso en la carrera de Pinós. El Museo ICO, perseverando en su compromiso con la inmensa, y en ocasiones desconocida, riqueza de la arquitectura española, apuesta con esta exposición por la puesta en valor de la carrera y figura de Carme Pinós en sí misma, con la apertura, en 1991, del Estudio Carme Pinós, en activo hasta la actualidad. Es a este fructífero periodo al que se dedica la segunda parte de la muestra, la más extensa, con 80 proyectos realizados por el Estudio Carme Pinós en estos treinta años de andadura. Una tercera y última sección recoge la biblioteca de Pinós y relata la importancia de los libros en sus proyectos profesionales y personales.

La arquitectura de Carme Pinós es diversa, adaptada a cada proyecto individual, pero con una base común: la importancia del contexto y del entorno sobre la que esta arquitectura se asienta. Y es que, como ella misma explica, la arquitectura construye paisaje o construye ciudad: no es una escultura. Con cada actuación urbana, hemos de tener el propósito de hacer ciudad, el propósito de dignificar nuestro entorno. Cuando trabajo, considero que mi intervención se propone, en último término, mejorar, embellecer el contexto. Esta férrea creencia en la necesidad de acoger el entorno, sea natural o urbano, se aprecia en todos sus trabajos, entre los que podemos destacar el Caixaforum de Zaragoza (2014), las mejicanas Torres Cube (2005/2014), o la barcelonesa Escuela Massana de Arte y Diseño (2017).




Hasta el 8 de mayo de 2021.


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