29 de abril de 2021

Carme Pinós. Escenarioa para la vida. En el Museo ICO


LA ARQUITECTA CON VOZ PROPIA: "CON CADA ACTUACIÓN URBANA, HEMOS DE TENER EL PROPÓSITO DE HACER CIUDAD, EL PROPÓSITO DE DIGNIFICAR NUESTRO ENTORNO"

“Carme Pinós. Escenarios para la vida” es un recorrido a través de la arquitectura de Carme Pinós, una de las grandes figuras de la arquitectura española contemporánea, en su primera retrospectiva, comisariada por Luis Fernández-Galiano.

Carme Pinós inicia su carrera en la década de 1980 junto a Enric Miralles, periodo al que se dedica la primera parte de la exposición, y donde se recogen ocho proyectos realizados conjuntamente.

Probablemente, esta primera etapa es la más conocida mediáticamente y, sin embargo, no es la de más peso en la carrera de Pinós. El Museo ICO, perseverando en su compromiso con la inmensa, y en ocasiones desconocida, riqueza de la arquitectura española, apuesta con esta exposición por la puesta en valor de la carrera y figura de Carme Pinós en sí misma, con la apertura, en 1991, del Estudio Carme Pinós, en activo hasta la actualidad. Es a este fructífero periodo al que se dedica la segunda parte de la muestra, la más extensa, con 80 proyectos realizados por el Estudio Carme Pinós en estos treinta años de andadura. Una tercera y última sección recoge la biblioteca de Pinós y relata la importancia de los libros en sus proyectos profesionales y personales.

La arquitectura de Carme Pinós es diversa, adaptada a cada proyecto individual, pero con una base común: la importancia del contexto y del entorno sobre la que esta arquitectura se asienta. Y es que, como ella misma explica, la arquitectura construye paisaje o construye ciudad: no es una escultura. Con cada actuación urbana, hemos de tener el propósito de hacer ciudad, el propósito de dignificar nuestro entorno. Cuando trabajo, considero que mi intervención se propone, en último término, mejorar, embellecer el contexto. Esta férrea creencia en la necesidad de acoger el entorno, sea natural o urbano, se aprecia en todos sus trabajos, entre los que podemos destacar el Caixaforum de Zaragoza (2014), las mejicanas Torres Cube (2005/2014), o la barcelonesa Escuela Massana de Arte y Diseño (2017).




Hasta el 8 de mayo de 2021.


28 de abril de 2021

JOANIE LEMERCIER. Paisajes de luz.

 


En el ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA se presenta la primera primera gran exposición individual, Joanie Lemercier (Rennes, 1982) que sumerge al espectador en un recorrido por distintos paisajes que nos transportan desde la contemplación de depuradas líneas abstractas y la fascinación provocada por majestuosas montañas generadas por ordenador a la inquietante realidad de una naturaleza sobreexplotada.  A través de siete grandes instalaciones, esta exposición comisariada por Juliette Bibasse, aborda la importancia de la naturaleza en la trayectoria vital y artística del artista y plantea una reflexión sobre la representación del medio natural a través de la tecnología.

Pionero en el uso artístico del videomapping y co-fundador del colectivo AntiVJ en 2008, la obra de Lemercier se centra en la creación de piezas que utilizan la luz proyectada para generar experiencias que alteran nuestra percepción visual. A través de la programación informática y la manipulación de aparatos, Lemercier consigue convertir los proyectores en una fuente de luz capaz de transformar la apariencia de las cosas y hacernos cuestionar la concepción de la realidad. 


En contraste con la fascinación generada por los entornos «fabricados» digitalmente de la primera parte de la exposición que se presenta en Madrid, la segunda parte de la muestra nos descubre la realidad de una naturaleza repleta de cicatrices causadas por la sobreexplotación humana. Fascinantes instalaciones inmersivas de paisajes generados por algoritmos, evocadores volcanes y geografías imaginarias nacidas de la colaboración entre el ser humano y la máquina, dejan paso a la sobrecogedora imagen de destrucción de una de las minas de carbón más grandes y contaminantes de Europa. A través de colosales imágenes captadas con dron, Lemercier abandona la ficción para enfrentarnos a la urgencia de salvaguardar nuestro entorno.


Hasta el 25 de julio de 2021.


Fuentes:

https://joanielemercier.com/brume/

26 de abril de 2021

Zapadores. Museo del siglo XXI y Pilar Carpio

Ubicado en el antiguo cuartel del ejército de Fuencarral, se encuentra el MUSEO ZAPADORES,  Museo del siglo XXI. Quiere ser una "ciudad del arte" que acoja a toda clase de artistas, galeristas, asociaciones y museos. Busca crear un espacio de reflexión y de apuesta por las nuevas voces del arte.

Los zapadores son soldados, que en tiempos de guerra, construyen  puentes y estructuras para que la vanguardia avance. Esta metáfora da sentido a un proyecto que se basa en principios de economía circular, recursos éticos, y que propone utilizar los edificios sin demolerlos, revisando la arquitectura menor de los mismos para descubrir nuevos usos.
Entre los artistas presentes en sus salas están Antonio Alvarado, Carlos Rivera, Ciria, Almudena Tapia, Pilar Carpio....

Una vista del museo del ala del primer piso, donde están las obras de Antonio Alvarado.



La obra de Pilar Carpio ocupa un lugar de excepción en este nuevo espacio.

Esculturas de Pilar Carpio.

Pilar Espinosa Carpio ,  es una artista valenciana que estudió publicidad en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Valencia en 1969, diseño en la Escuela Massana de Barcelona en 1975, y en la Escuela Superior de Bellas Artes (hoy Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Valencia) donde se especializó en escultura. Durante sus años de formación, conoció y compartió experiencias con otros artistas valencianos como Miquel Navarro y Carmen Calvo. En 1992, se doctoró con una tesis sobre la obra religiosa de artistas valencianos.

Desde esos primeros años de formación hasta nuestros días, su obra, presentada a concursos y certámenes nacionales e internacionales, ha sido premiada en reiteradas ocasiones: desde premios de escultura otorgados por la Facultad de Bellas Artes de Valencia al Primer Premio en Pintura y en Escultura (1986 y 1988 respectivamente) otorgado por el Comité Olímpico Internacional en Lausanne (Suiza) o el Premio Nacional de Cerámica del Ministerio de Agricultura y Pesca.  También  ha sido  nombrada Académica de Honor y  premiada por de Academia Internacional de Ciencias, Tecnología,  Educación y Humanidades (2014/2017), entre otros muchos galardones.

La artista ha participado igualmente en numerosas exposiciones colectivas en galerías de arte, centros culturales y museos (Museo Postal y Telegráfico de Madrid, 1998; Fundación Bancaja de Valencia, 2000; Estampa, Salón Internacional del Grabado de Madrid, 2003…) así como exposiciones individuales (Instituto de Cultura de Burjassot (Valencia), 1999; Coliseo de la Cultura Príncipe de Asturias de Villaviciosa de Odón, 2001; Coliseo de la Cultura Escuela Madrileña de Cerámica de la Moncloa, 2004; Centro de Arte Villa de Móstoles, 2006…). Además su obra está presente en importantes  colecciones públicas y privadas, en España y en muchos museos del del mundo: de Europa (París, Suiza, Irlanda.) y de América (Los Ángeles, Caracas.) y en la Galería de Arte Tíltide.

Aquí tenemos una muestra de la obra de Pilar Carpio que ocupa, permanentemente, una sala  en el Museo Zapadores.















Sara Fernández, directora y comisaria de Tíltide, con la obra de Pilar Carpio,
en el Museo Zapadores.
    
                                                                          
El centro cuenta con la colección permanente del Museo C.A.V. La Neomudéjar, ubicada en una gran sala de 4.000 metros cuadrados situada en la segunda planta del edificio. Esta colección se compone  de obras de artistas como Rafael Peñalver, Paz Muro, Antonio Alvarado, Mahé Boissel, Jacqueline Bonacic-Doric, Orest Antoshkiv, Ana Dévora, Ze Carrión, Marc Janus, Jimena Aragonés, Johana Kirby, Fardou Keuning o Guy Deuning, entre muchos otros
Asimismo, acoge una ciudadela de artistas donde se muestran los estudios de artistas autogestionados, una zona Lab de Asociaciones, que cuenta con sus propios espacios de trabajo y una nave específica donde desarrollar sus actividades, como conferencias, exposiciones, talleres o debates.
Además, dispone de espacios independientes para galerías que quieran desarrollar sus propias exposiciones y actividades.

Vista del museo con la obra de Carlos Rivera Lauría.


Otra vista del museo con la obra de Pilar Carpio.


Exposición del artista Ciria, titulada Tiranía de la igualdad:"El arte no significa nada si la vida no lo rebasa."...


De nuevo la obra de Carlos Rivera Lauría. en esta imagen y la posterior.






www.zapadores.org

24 de abril de 2021

Espeanza y utopía. El diseño entre 1900 y 1939.



 Los ideales de «Hombre nuevo» y de una nueva sociedad significaron el inicio del concepto moderno de diseño y, con él, el desarrollo del denominado Movimiento Moderno. Coincidieron con el crecimiento del consumo de masas, mientras comenzaba a cambiar el modelo de domesticidad, a lo que hay que añadir una intensificación del componente femenino en la definición de los espacios y objetos. Se transformaba el gusto y surgían nuevos materiales y productos tecnológicos.

Esta exposición presenta una mirada a la historia del diseño, principalmente europeo, creado y producido entre 1900 y 1939, y se enfoca en algunos de los principales temas que preocuparon a los diseñadores y a la sociedad de aquel periodo: la búsqueda de una nueva estética basada en el funcionalismo, el racionalismo, y la objetividad; la producción seriada; el diseño de la identidad nacional; la higiene y la salud; o el diseño por y para una nueva mujer. La presencia de la Bauhaus, cuyo centenario se celebra en 2019, resume y subraya los debates de este primer tercio del siglo XX.

Entre los hitos expositivos presentes en esta muestra destacan un prototipo de la silla Barcelona de Mies van der Rohe, la silla rojo-azul de Rietveld, el ventilador de Behrens o la butaca modelo B-301 de Le Corbusier, Charlotte Perriand y Pierre Jeanneret.






A lo largo del siglo XIX y hasta la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la profesión —todavía joven y sin clara definición— había estado inmersa en un proceso de reforma y de modernización estética y técnica, en el que alcanzaron relevancia, entre otras cuestiones, la transmisión de la identidad nacional a través de los objetos de uso cotidiano, el papel del ornamento, la mejora de vida de las clases trabajadoras, la importancia de la belleza para el bienestar, y la producción artesanal frente a la industrial. Sin embargo, a partir de 1918, esos temas abrieron paso a otros como, por ejemplo, el derecho de las personas (sin distinción de clase o condición) a disfrutar de una existencia digna, la adaptación de los objetos y ambientes a las necesidades de la vida moderna, y la mejora de las condiciones higiénicas de la vivienda. 


Y es que, tras la experiencia de la contienda, los artistas, arquitectos y diseñadores más progresistas habían cambiado de intereses: estaban convencidos de que, a pesar de la destrucción que había asolado Europa, se iniciaba una «gran era» que supondría el fin de la avaricia, la ambición desmedida, el egoísmo, y el individualismo que habían originado el conflicto bélico y alimentado la injusticia social durante siglos. Esa «gran era» sería el comienzo de un sociedad «nueva», más universal, igualitaria, libre y justa, en la que surgiría un «hombre nuevo». Los arquitectos y, lo que hoy denominamos diseñadores, querían participar en su configuración, convencidos de que se podía conformar un mundo que fuera mejor en todos sus aspectos. El camino para lograrlo era diseñar y producir objetos, espacios, indumentaria y comunicaciones útiles, bellos —bajo un concepto de belleza basado en la sencillez— y asequibles para el mayor número de personas. Fueron esas las aspiraciones que impulsaron el concepto moderno de diseño. Coincidieron con el crecimiento del consumo de masas, especialmente en países como Gran Bretaña y Estados Unidos, mientras empezaba a cambiar el modelo de domesticidad (con una intensificación del componente femenino en la definición de los espacios y objetos), se transformaba el gusto, y surgían nuevos materiales y productos tecnológicos. 





Fuentes:

https://www.culturaydeporte.gob.es/mnartesdecorativas/exposiciones/actuales.html
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...