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7 de enero de 2014

ACTUALES EXPOSICIONES EN MADRID 2015.

La ACTUALIDAD CULTURAL madrileña EN EL OTOÑO-INVIERNO de 2015.


Peierre Bonnard en la Fundación Mapfre.

Del 19 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016

Pierre Bonnard. Desnudo en un interior.1935.

La Fundación Mapfre presenta una selección de obras del pintor francés Pierre Bonnard, artista clave para el nacimiento del arte moderno, cuyo trabajo, sin embargo, es difícil de clasificar. La sala Recoletos expone cerca de 80 pinturas, una docena de dibujos y medio centenar de fotografías, algunas nunca vistas antes en nuestro país. Proceden de diversas colecciones públicas y privadas, como el Musée d’Orsay, el Centre Georges Pompidou, la Tate de Londres o el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Bonnard (1867-1947) fundó el grupo simbolista de los nabis, cuyos miembros habían recibido influencias de Paul Gauguin y el japonismo. Su obra es clave para entender el paso del post-impresionismo al simbolismo. El estilo del artista francés destaca por su originalidad y viveza, considerado intimista por retratar a menudo interiores reposados, que plasmó en distintos tipos de soportes como biombos, carteles o pinturas murales de gran tamaño.

Pierre Bonnard  fue una figura decisiva en torno al nacimiento del arte moderno y, a la vez, un artista cuya producción, profundamente personal, es difícilmente clasificable. Miembro fundador del grupo simbolista de los nabis, sus aportaciones resultan fundamentales para comprender la transición entre el post-impresionismo y el simbolismo, en un momento en el que la pintura estaba sufriendo una revolución radical a través del color.

Esta muestra es la primera retrospectiva que se realiza en España sobre la obra de Pierre Bonnard en más de treinta años. 

http://www.fundacionmapfre.org/fundacion/es_es/cultura-historia/exposiciones/
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Max Bill en la Juan March

Del 16 octubre 2015 – 17 enero 2016
El artista suizo Max Bill (Winterthur, 1908-Berlín, 1994) fue un multitalento que articuló su vida en torno al trabajo artístico y la reflexión sobre unas pocas, pero grandes, ideas –las de forma, concreción, función, figura, belleza o configuración. Fue un creador inserto en la tradición renacentista del homo universalis, un "configurador" que combinó las virtudes del homo faber y del homo ludens durante toda su intensa vida.


Max Bill, "wegnehmen und zufügen" [Quitar y añadir], 1975
Max Bill, wegnehmen und zufügen 1975. Colección Chantal y Jakob Bill

Esta primera retrospectiva de Max Bill en España exhibe de manera concentrada la obra completa del artista, porque cubre, tanto cronológica como temáticamente, todos los aspectos de su polifacética creación: la pintura, la obra gráfica, la escultura, la arquitectura, el diseño de libros y revistas, el diseño industrial y de mobiliario, el grafismo y la tipografía publicitaria –desde los carteles de gran formato hasta las pequeñas inserciones en publicaciones periódicas– y el diseño de espacios expositivos. Una cuidada selección de 170 obras y documentos procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas europeas y americanas materializan esta idea de "retrospectiva concentrada", que ha guiado desde sus inicios el desarrollo de la exposición y del catálogo que la acompaña.

La obra de Max Bill ha podido verse hasta ahora en España formando parte de exposiciones colectivas y, sobre todo, en la muestra individual que le dedicaron el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid y la Fundació Miró de Barcelona en 1980, la primera en nuestro país que presentaba a un tiempo pinturas, esculturas y obra gráfica. Su arquitectura, a la que se le han dedicado diversos estudios y publicaciones, ha despertado igualmente el interés entre nosotros, como también su paso por la Bauhaus y su relación fundacional con la Hochschule für Gestaltung Ulm (HfG) [Escuela Superior de Diseño de Ulm], creada en 1951.

Tras una serie de exposiciones significativas recientes, celebradas en el Kunstmuseum de Stuttgart, el Kunstmuseum y el Gewerbemuseum de Winterthur y la Haus Konstruktiv de Zúrich entre 2005 y 2008 (en esta última fecha con motivo del centenario de Bill), la muestra que ahora presenta la Fundación Juan March quiere ofrecer una visión actualizada de la obra del artista suizo y de su significado para las artes plásticas, la arquitectura y el diseño.

La muestra ha sido concebida y organizada en estrecha colaboración con la max, binia & jakob bill stiftung y ha contado con el asesoramiento principal de Jakob Bill, y para ello se han seleccionado obras fundamentales y representativas de toda la trayectoria del artista, que fue alumno de la Bauhaus entre 1927 y 1928 y, como se ha dicho, arquitecto y cofundador de la Escuela de Ulm en 1951, además del máximo exponente del llamado konkrete kunst [arte concreto], tendencia que ha marcado la creación suiza contemporánea. Bill destaca, además de por su influencia en la arquitectura española, por su influjo en las corrientes geométricas latinoamericanas, una pista que la Fundación Juan March ya tuvo ocasión de mostrar en la exposición América Fría. La abstracción geométrica en Latinoamérica, 1934-1973. También destaca por sus ensayos, su dedicación a la enseñanza y sus preocupaciones políticas y sociales. A todos esos aspectos de su vida y su obra atiende el catálogo de la muestra, profusamente ilustrado y publicado en dos ediciones, española e inglesa, con ensayos de especialistas internacionales y españoles y una selección de textos inéditos de Max Bill.

La exposición max bill ha estado precedida por una muestra, dedicada a la obra gráfica de del artista, en la que se han exhibido más de un centenar de piezas y que ha tenido como sedes el Museu Fundación Juan March, en Palma de Mallorca (25 de febrero-30 de mayo de 2015) y el Museo de Arte abstracto Español de Cuenca (24 de junio-18 de septiembre de 2015). Algunas de estas obras se muestran también en Madrid.
Max Bill, "begrenzung geht durch das zentrum" [El líimite pasa por el centro], 1972

Max Bill, begrenzung geht durch das zentrum [El líimite pasa por el centro], 1972
Colección Walter + Helga Sonanini, Suiza


En un texto sobre cuestiones relacionadas con el diseño de exposiciones escrito en 1948, Max Bill decía haberse preguntado con frecuencia "por qué se visitan las exposiciones. He llegado a la conclusión […] de que la mayoría de los visitantes esperan recibir una sensación que exceda el ámbito de su vida cotidiana. La visita a una muestra –añadía– es una ocasión para interrumpir la vida diaria con un día de fiesta".

La obra de Bill puede considerarse como una intensa fiesta de las formas; con aquellas formas que encuentran su función en la vida diaria –como las del diseño y la arquitectura–, y con aquellas con las que se celebra una belleza que no tiene función material –la de las obras de arte, que Bill definió frecuentemente como "objetos configurados para el uso espiritual"–. A festejar ese doble juego está dedicada esta exposición.

http://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/maxbill/

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Eduard Munch en el Museo Thyssen

Del 06 de octubre de 2015 al 17 de enero de 2016





El Museo Thyssen-Bornemisza, con la generosa colaboración del Munch Museet de Oslo, presenta la primera exposición dedicada al artista noruego en Madrid desde 1984. Comisariada por Paloma Alarcó, Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza, y Jon-Ove Steihaug, Director de colecciones y exposiciones del Munch Museet, Edvard Munch. Arquetiposexplora la aportación del pintor a la historia del arte moderno, que lo convierte en uno de sus padres junto a Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh.


El recorrido de la exposición reúne un amplio catálogo de arquetipos emocionales y obsesiones existenciales del hombre contemporáneo, como melancolía, amor, deseo, celos, ansiedad, enfermedad, o muerte. Las nueve secciones en las que está subdivida se articulan alrededor de la representación de la figura humana en diferentes escenarios, como la costa, la habitación del enfermo, el abismo, la habitación verde, el bosque, la noche, o el estudio del artista; y en cada una de ellas se combinan obras tempranas y versiones tardías, pinturas y obra gráfica para subrayar la circularidad temática de la producción de Munch. La radicalidad de su lenguaje plástico se revela a su vez en el juego entre las formas planas y sinuosas, en la deformación expresiva del cuerpo, en el color simbólico, o en la utilización de texturas y técnicas experimentales de grabado, con lo que Munch exploró las relaciones entre los signos externos del mundo físico y la dimensión espiritual oculta de la realidad. 


La larga y prolífica carrera de Munch, que continuó creando hasta su muerte en 1944, está representada a través de ochenta obras, la mitad procedentes del Munch Museet, y otras tantas de museos europeos y norteamericanos como el Nasjonalmuseet de Oslo, la Tate, el Städel Museum de Frankfurt, la Kunsthaus de Zúrich o el MOMA de Nueva York.


http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones

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Tadeusz. Peiper. Heraldo de la Vanguardia  entre Polonia y España.
R. A. Bellas Artes de San Fernando.

Hasta el 8 de noviembre de 2015
El polaco Tadeusz Peiper (1891-1969) es objeto de una exposición que tras verse en el Museo Nacional de Varsovia, se presenta en la Calcografía Nacional de Madrid, ciudad en la cual tuvo lugar, durante los años de la Primera Guerra Mundial, su aprendizaje de la vanguardia, en estrecho contacto con otros compatriotas suyos, que al estallar la contienda residían en París, como él, y que al igual que creadores de otras nacionalidades, recalaron en la capital de España, país neutral que jugó en ese sentido un papel similar al de Suiza.

A lo largo de los siglos XIX y XX, frecuentemente las artes plásticas han visto la irrupción de poetas que o bien las han practicado con mayor o menor asiduidad y fortuna, haciéndoles de alguna manera la competencia a los pintores, o han ejercido una influencia sobre ellas. Casos eximios en ese sentido han sido los de Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau, André Breton o Yves Bonnefoy en Francia; Ramón Gómez de la Serna, Guillermo de Torre o Juan Eduardo Cirlot en España; Vicente Huidobro en Chile; Vladimir Maiakowsky en Rusia; F.T. Marinetti en Italia; Frank O’Hara en los Estados Unidos; Octavio Paz en México; Ezra Pound en Gran Bretaña... A esa estirpe de poetas pioneros, todos los cuales han sido objeto de exposiciones museales, pertenece Tadeusz Peiper.




El universo de los polacos de París es evocado en la primera zona de la exposición, a través de obras de Alicja Halicka, Henryk Hayden, Mojzesz Kisling, Roman Kramsztyk, Waclaw Zawadowski, y una Mela Muter que en 1912 había participado en una colectiva polaca barcelonesa, celebrada en las Galeries Dalmau. El Madrid al cual, procedentes de París, llegaron los pintores Lucia Auerbach, Wladyslaw Jahl, Józef Pankiewicz, Marjan Paszkiewicz y Waclaw Zawadowski, y su compatriota el poeta Tadeusz Peiper, era una ciudad donde el primero en practicar el vanguardismo, en materia de literatura, había sido Ramón Gómez de la Serna, el fundador, en 1915, de la mítica tertulia de Pombo e inventor de la greguería, con el cual colaboró en algunas ocasiones Jahl. Tanto éste, como su mujer, Lucia Auerbach, y como Paszkiewicz –cuya influencia sobre los pintores españoles entonces emergentes fue enorme-, pertenecieron al movimiento ultraísta, colaborando como ilustradores en algunas de sus revistas, entre las cuales destacó Ultra. Esta zona de la muestra, en la que además de obra de todos los citados se enseñan cuadros pintados Madrid por Leopold Gottlieb y por Kisling, que estuvieron sólo de paso, evoca el ultraísmo a través de la revista citada y de otras como Grecia o Alfar. También se exponen en esta sección otras manifestaciones del ultraísmo, como el Manifiesto ultraísta vertical publicado por Guillermo de Torre en 1920, como suplemento de Ultra; algunos de los libros representativos del movimiento, entre ellos Fervor de Buenos Aires (1923), de un Borges que expandiría la buena nueva en el Nuevo Mundo; poemas pintados de Vicente Huidobro; cuadros de Jahl, Pankiewicz, Paszkiewicz y Zawadoski; un jarrón pintado por Jahl que es el único objeto que se conoce por el momento de cuantos salieron de su Taller de Arte Decorativo ultraísta, ubicado en la calle de Alcalá; y cuadros, dibujos o estampas del uruguayo Rafael Barradas, de la chilena Norah Borges, de los franceses Robert y Sonia Delaunay, muy próximos, en aquel Madrid, a los matrimonios Jahl y Pankiewicz, y de los españoles Francisco Bores y Daniel Vázquez Díaz. Peiper se empapó de todo eso, frecuentó el Ateneo de Madrid, colaboró en La Lectura, tradujo a Wladyslaw Reymont en colaboración con el mexicano Carlos Pereyra, y una antología de cuentos con Benjamín Jarnés…

Regresado a Cracovia en 1921 tras un periplo iniciado el año anterior, Peiper durante unos años siguió en contacto con el ultraísmo, como lo prueban su condición de corresponsal de diversos diarios españoles, y de Ultra, donde publicó un artículo sobre Leon Chwistek, su presencia en las páginas de Alfar y, sobre todo, sus traducciones de Huidobro –con el cual mantuvo entonces correspondencia-, de Borges, de Guillermo de Torre –con quien terminaría polemizando- y otros, en revistas polacas. Esas traducciones avalan la teoría de que el ultraísmo constituyó una referencia importante para Peiper, en ese arranque de su obra como poeta y como ensayista. Referencia que él terminaría ocultando.

En una Polonia que acababa de recobrar su independencia, Peiper conectó con los individuos y los grupos que pugnaban por la constitución de una vanguardia. Otra sección de la exposición documenta, así, la existencia de movimientos como el formismo –de fuertes conexiones expresionistas- y como la versión polaca del futurismo, de revistas como Blok y Praesens, de figuras como los pintores Tytus Czyzewski, Zbigniew Pronaszko o Mieczyslaw Szczuka, o los poetas Bruno Jasienski o Anatol Stern. Varios de ellos participarían en la aventura de la revistaZwrotnica [El cambio de agujas] (1922-1927), gran creación de Peiper. En sus páginas coexisten poetas como Jan Brzekowski –impulsor en París de la revista bilingüe L’Art Contemporain / Sztuka Wspólczesna (1929-1930)-, Jalu Kurek, Julian Przybosz o Adam Wazyk; pintores como Fortunato Depero, Albert Gleizes, Witold Kajruksztis –pionero de la vanguardia lituana-, Fernand Léger, Kasimir Malevich, Louis Marcoussis, Amédée Ozenfant, Kazimierz Podsadecki o Wladyslaw Strzeminski; y traducciones de textos de Marinetti –al cual Peiper conocería en la Cracovia de 1933-, de Maiakowsky y otros poetas rusos, de Tristan Tzara y del compositor Darius Milhaud, entre otros. La revista estuvo plenamente integrada en la red de publicaciones modernas –principalmente dadaístas y constructivistas- de su época, en varias de las cuales se encuentran versos de Peiper.

Teórico, en 1922, de las tres emes (MiastoMasaMaszyna, es decir, la masa, la ciudad y la máquina), Peiper se interesa entonces por todas las artes, incluidas la arquitectura, el cine y la música. Sus libros los ilustran Kisling, Léger, Strzeminski… Traba amistad con Malevich, y en 1927 viajan juntos a Berlín y a Dessau, donde visitan la Bauhaus. Todo esto coincide con un momento en que Strzeminski y su mujer, la escultora Katarzyna Kobro, en estrecho contacto con el también pintor Henryk Stazewski y con el poeta Jan Brzekowski, fundan sucesivamente elunismo y el grupo a.r., en que Podsadecki y otros practican el fotomontaje.

Durante la segunda mitad de los años treinta, Peiper, aún presente en Linja (1931-1933) –revista también de Cracovia, impulsada por Brzekowski, Kurek y Przybos y que cabe considerar como la heredera de Zwrotnica-, fue desligándose de la vanguardia, a la cual sobreviviría largas décadas, durante las que publicó traducciones del español –entre otros, de Lope de Vega- y críticas teatrales y cinematográficas, trabajó en diversos textos memorialísticos y en un libro sobre Cristóbal Colón.
http://www.realacademiabellasartessanfernando.com/es/actividades/exposiciones/tadeusz-peiper-heraldo-de-la-vanguardia-entre-espana-y-polonia

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La obra de Alvar Aalto en CaixaForum


Del 30 septiembre de 2015 al 10 enero de 2016.




Alvar Aalto (1898-1976) es el arquitecto finlandés más conocido de su generación y uno de los más importantes del siglo XX. .Sus edificios plasman  una magistral interacción de volúmenes, formas y materiales orgánicos, y los objetos diseñados por él son reconocidos en la actualidad como hitos del desarrollo del mobiliario moderno.




Aalto fue una figura clave de la arquitectura y el diseño internacional de vanguardia desde los años veinte. El finlandés realizó encargos en países como Italia, Suiza, Francia, Alemania y Estados Unidos, en la posguerra. Su prolífica carrera llega hasta los años setenta, incluyendo más de 400 edificios y docenas de muebles, objetos de cristal y lámparas. Acabó llevando a cabo encargos a gran escala, como el Auditorio Finlandia de Helsinki (1975), justo un año antes de su muerte, y la Ópera de Essen, que fue finalizada póstumamente, en 1988.

La muestra presenta una amplia panorámica de la vida y la producción de este legendario arquitecto, se detiene en los edificios y los diseños más representativos y revela numerosos nuevos aspectos de su producción. Incluye 20 maquetas históricas y más de un centenar de piezas, entre dibujos originales, muebles, lámparas y objetos de cristal, así como obras de otros artistas con los que compartió inquietudes y amistad, como Alexander Calder o Jean Arp, y fotografías históricas y modernas, a cargo del fotógrafo Armin Linke.



http://agenda.obrasocial.lacaixa.es/-/alvar-aalto-1898-1976

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Del 30 de junio al 12 de octubre en el MUSEO THYSSEN.





La pintura española del Siglo de Oro, el retrato holandés, los cuadros del período victoriano o los Prerrafaelitas… han servido de modelo a los geniales fotógrafos que han forjado la imagen de la revista VOGUE a lo largo de los años.




El Museo Thyssen-Bornemisza, en su nueva exposición “Vogue like a painting”, muestra sesenta y dos imágenes de inspiración pictórica procedentes de los archivos de la revista Vogue, y realizadas por algunos de los fotógrafos más destacados de las últimas décadas.


Las magníficas fotografías de Irving Penn, Annie Leibovitz, Paolo Roversi, David Sims, Mario Testino o Peter Lindbergh, entre otros, nos acercarán a las grandes obras de la pintura universal.
Los ecos de las pinturas de Van Eyck, Botticelli  o Zurbarán; Hopper, Degas, Sargent, Zuloaga o Sorolla; Balthus, Dalí, o Magritte… estarán presentes en las piezas de grandes nombres de la fotografía clásica y en el talento de las nuevas generaciones.



Una muestra en la que se dan cita los mejores fotógrafos del panorama de la moda y el arte, y que a su vez han sido ejemplo para muchos artistas contemporáneos.

Del 30 de junio al 12 de octubre en el Museo Thyssen-Bornemisza.

  1. DirecciónPaseo del Prado, 8, 28014 Madrid


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  • La CASAMUSEO DE LOPE DE VEGA,


    Es la típica vivienda común del siglo XVII. El poeta vivió en ella los últimos veinticinco años de su vida,  con su segunda esposa, Juana Guardo, hasta su fallecimiento en 1635. El inmueble lo heredó una hija y posteriormente un nieto, quien la vendió en 1674. Tras pasar por diferentes propietarios y al no tener herederos, pasó en 1931 a la Real Academia Española, su actual propietaria, que la destinó a Casa-Museo de Lope de Vega.



    El zaguán donde, de frente, está la escalera que nos llevará a la primera planta. 





    Subiendo por la escalera llegamos al estudio. Es la estancia más amplia de la casa y una de las más luminosas, debido a los grandes ventanales. De ella, merece destacar el importante fondo bibliográfico del siglo XVII que alberga en sus estanterías: un depósito realizado por la Biblioteca Nacional, así como tres de sus manuscritos, propiedad de la Real Academia Española, “El bastardo Mudarra”, “El príncipe despeñado” y “La desdichada Estefanía”.





    Esta es la alcoba donde murió Lope de Vega, ya anciano. Desde ella podía oír misa en el cercano oratorio.






    El  comedor se trata de una estancia bastante amplia y luminosa, al igual que ocurre con el  estudio, gracias a los ventanales. Está presidido por una gran mesa rodeada de sillas y amueblado con un mobiliario típicamente español.




    A un lado del comedor, encontramos la cocina, en ella, podemos ver la recreación de una cocina típica de aquella época.


     El cuarto de huéspedes, también conocido como Cuarto del Capitán Contreras, invitado habitual de Lope de Vega. 






    El estrado,  una estancia muy característica del Siglo de Oro que tiene su origen en Oriente. En ella, quienes vivían o visitaban la casa se sentaban en los cojines con las piernas cruzadas o se recostaban en las alfombras. Posteriormente, esta estancia pasa a ser única y exclusivamente femenina. 



    A la salida, desde el zaguán y dejando a un lado la escalera por la que se ascendía a la casa , veremos la puerta de acceso al jardín. El  que  Lope  llamaba “mi güertecillo”, hoy un remanso de paz que nos aleja por completo de la vida fuera de la casa. 



                   



  • En el número 11 de la calle Cervantes.
  • Visitantes: contactar telefónicamente: 914 29 92 16.

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  • En el MUSEO DE ARTE COMTEMPORANEO DEL CONDE DUQUE, el Despacho del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna.




  • Ha sido recuperado para el museo de Arte Contemporáneo del Conde Duque, el Despacho del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna como nueva tarjeta de identidad del museo en conexión con la colección permanente, de la que ahora se muestra además una selección, compuesta por pinturas, esculturas, fotografías, estampas y dibujos.

    El Despacho del escritor Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888 – Buenos Aires, 1963), figura central de las vanguardias artísticas del Madrid del primer tercio del siglo XX, se presenta como un museo dentro del museo, que enriquece y redefine la nueva estructura de la colección. Esta nueva ordenación de la colección permanente se basa en la articulación de cuatro unidades autónomas bajo los epígrafes: “Forma y gesto”; “Figura y realidad”; “Imagen y ciudad” y “Unicidad y multiplicidad”, categorías todas ellas aplicables también al despacho ramoniano.













    La temprana creación de su despacho, en los años diez, con objetos adquiridos preferentemente del Rastro madrileño, y también de otras ciudades europeas que visitó, e imágenes recortadas de libros y de revistas que fueron cubriendo y tapizando las paredes y mobiliario, supone una de las creaciones artísticas más singulares de ese tiempo.


    El Rastro protagonizó una de las mejores obras de Gómez de la Serna , publicada en 1915, y que marcó su irrupción en la literatura y en el mundo de los objetos, clave para entender muchos aspectos de su obra y, en especial, los despachos que construyó a lo largo de su vida, tal y como indica una parte de la muestra.





    Para construir y reconstruir ese entorno, concebido y vivido a lo largo de su vida como un taller que le motivó para realizar una obra en la que es primordial el mundo de la imagen, se valió de dos dispositivos creados por el arte de las vanguardias: el collage y el fotomontaje. Con esos instrumentos creó unos de los  fotocollages más sorprendentes  del arte de la vanguardia española, una de cuyas características esenciales fue su condición de portátil, cualidad que definía la modernidad como la exaltación de lo transitorio, lo fugitivo, y lo contingente.





    La construcción de ese entorno le permitió reforzar su propia psicología personal, al estar rodeado permanentemente de su mundo más querido y afianzar  así su propia imagen. 

    Abarcaba temas tan diversos como el erotismo, la muerte, lo cómico, los sucesos cotidianos, multitud de imágenes de obras de arte, desde la antigüedad hasta los ismos de su tiempo, formando junto a los otros objetos diseminados por el espacio, una cámara de maravillas de la modernidad.




    También se recrea el espacio de la tertulia del café  Pombo, situado , entonces, cerca de la Puerta del Sol de Madrid, en el número 4 de la calle Carretas. Creada por Ramón Gómez de la Serna, fue inmortalizada por su amigo, el pintor y escritor expresionista  Gutiérrez Solana. Aquí tenéis el lienzo.




    A pesar de estar ubicado en pleno centro, no era uno de los grandes cafés (tal y como lo eran el Fornos, el Suizo, el de la Montaña, etc.) Este dato bastó para que Ramón  tomara el Café Pombo como lugar de reunión literaria, sobre el que centrar su proyecto. El lugar tenía un  aire provinciano, pero sin embargo con antigüedad. La tertulia se forma inicialmente con sus más leales y cercanos amigos, debido a tarjetas de invitación enviadas a ellos; y tiene como novedad que se celebra un día de la semana siendo como consenso que sea sólo los sábados. La tertulia se denominó «Sagrada cripta del Pombo».



    Durante cerca de veintitrés años que va desde 1914 hasta 1936 funcionó la tertulia de la «Sagrada cripta del Pombo», inició las actividades la tertulia bajo el permiso de Eduardo Lamela propietario del local, que los sábados procuraba cerrar más tarde. Es en esta época cuando Ramón se hace más madrileño.  El año 1917 lo dedica plenamente al Pombo. La tertulia de la «Sagrada cripta del Pombo» es un éxito del que se habla en todas partes y cafés de Madrid, sus ecos llegan incluso a París. Es el tema de su libro El Pombo, obra que completa en un segundo tomo que años después denomina La sagrada cripta del Pombo








    Generalmente adscrito a la Generación del 14 o novecentismo, Ramón Gómez de la Serna, es inventor del género literario conocido como greguería. Posee una obra literaria extensa que va desde el ensayo costumbrista, la biografía (escribió varias: sobre Valle-Incán o Azorín y sobre sí mismo: Automuribundia), la novela, el teatro. 

    Su vida y obra representan una ruptura con las convenciones. Es así, una unión con el espíritu y la actuación de las vanguardias, a las que dedicará un libro llamado Ismos. Su obra es extensa y su eje central son las Greguerías, un género iniciado por él: conjunto de apuntes en los que encierra una pirueta conceptual o una metáfora insólita. Suelen ser de varios tipos: chistes, juegos de palabras e incluso también pueden ser apuntes filosóficos. He aquí algunos ejemplos.

    • El cometa es una estrella a la que se le ha deshecho el moño.
    • El arcoiris es la cinta que se pone la naturaleza después de haberse lavado la cabeza.
    • La lagartija es el broche de las tapias.
    • El vapor es el fantasma del agua.
    • La escalera de caracol es el ascensor a pie.
    • La leche es el agua vestida de novia.
    • El etc., etc., etc. es la trenza de lo escrito.
    • La cabeza es la pecera de las ideas.
    • La gasolina es el incienso de la civilización.
    • El más pequeño ferrocarril del mundo es la oruga.





    1. DirecciónCalle del Conde Duque, 9-11, 28015 Madrid
    2. Horario
      LunesCerrado
      Martes10:30–14:0017:30–21:00
      Miércoles10:30–14:0017:30–21:00
      Jueves10:30–14:0017:30–21:00
      Viernes10:30–14:0017:30–21:00
      Sábado10:30–14:0017:30–21:00
      Domingo10:30–14:00
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 Espacio de Arte de la FUNDACIÓN TELEFÓNICA.


El renovado Espacio Fundación Telefónica se distribuye en cuatro plantas: en la baja, encontraremos hall de acceso y tienda; en la primera, un auditorio destinado al desarrollo de debates, jornadas educativas, conferencias, proyecciones cinematográficas, presentaciones editoriales y la muestra "Historia de las telecomunicaciones.

Una impresionante vista de la escalera desde abajo


Desde arriba




En la cuarta planta podremos visitar la Colección de arte Cubista de la entidad. 



Múltiples y dinámicas, estas expresiones cubistas buscaron el diálogo entre la pintura y la poesía. Entre otras, destacan las obra de Juan Gris,  André Lhote, Georges Valmier,  Rafael Barradas y María Blanchard.


Bodegón de Maria Banchard.

Sobre todo me encantaron los libros, las revistas de arte, tanto españolas como extranjeras, europeas y americanas, y las publicaciones, en general, relativas al cubismo:  Cahiers d´ArtL´Esprit NouveauTransition, The Little Review... 




La cantante, de Juan Gris.

                                    


Espacio Fundación Telefónica

C/ Fuencarral, 3
Madrid.
espacio.fundaciontelefonica.com
  1. DirecciónCalle Gran Vía, 28, Planta 7ª, 28013 Madrid
  2. Horario


    LunesCerrado
    Martes12:00–21:00
    Miércoles12:00–21:00
    Jueves12:00–21:00
    Viernes12:00–21:00
    Sábado12:00–21:00
    DomingoCerrado

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EL MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL

Acaba de abrirse al público después de una  larga  rehabilitación que ha merecido la pena, porque ha quedado precioso, este museo madrileño. Es por eso, que hoy queremos compartirlo con vosotros.



Se compone de varias áreas: Prehistória, Protohistoria, la Hispania romana, La Edad Media, La Edad Moderna, Egipto y Oriente próximo, Grecia Numismática y Medallística. Esta parte I está dedicada a las tres primeras.
La colección de Prehistoria se fecha en un rango cronológico muy amplio que abarca desde hace más de un millón de años hasta el inicio del primer milenio a. de C. Destacan algunas piezas de especial relevancia como los materiales paleolíticos del Manzanares, en particular San Isidro (Madrid), los omóplatos decorados del Castillo (Cantabria), la cestería y tejido en esparto de la cueva de los Murciélagos en Albuñol (Granada), el ídolo oculado de Extremadura, el conjunto campaniforme de Ciempozuelos (Madrid) o la espada de Guadalajara.










 Especial interés ofrece la rica y variada colección Siret, y series como la de Millares o Argar. A éstas se suman el depósito de la ría de Huelva, las estelas “diademadas” y una buena muestra de orfebrería del Bronce final (cuencos de Axtroki, tesoro de Berzocana y de Sagrajas, entre otros






En la Península Ibérica, la Protohistoria abarca las culturas que se desarrollan entre los inicios de la Edad del Hierro y el proceso de Romanización, es decir, el Primer Milenio a.C. Buena parte de los objetos de esta colección proceden de excavaciones arqueológicas y hallazgos llevados a cabo en la Península y sus islas desde el sigloXIX e incluso antes. 

Destacan las realizadas en Ibiza, Villaricos (Almería), Toya, Galera, Archena, Aguilar de Anguita o Numancia. De importante valor son los conjuntos de orfebrería, con ejemplares fenicios, tartésicos, ibéricos, céltibericos, vacceos y castreños y, entre ellos, sobresalen tesoros como los de Aliseda, Jávea, Salvacañete, Palencia o Cangas de Onís Vegadeo. El conjunto de escultura ibérica es excepcional por su calidad y cantidad, realizada, en piedra, (Damas de Elche, Baza y Cerro de los Santos, relieves de Osuna), y en bronce (exvotos ibéricos de Despeñaperros).











La Hispania Romana. Una colección que se compone de una gran diversidad de objetos, tanto de la vida cotidiana como monumentales, fechados fundamentalmente entre los siglos I a.C. y V d.C. Son destacables por  su variedad y calidad la serie de inscripciones latinas, representativas de la epigrafía hispana sobre piedra (aras, pedestales, estelas o miliarios) o bronce (tablas jurídicas) y  los mosaicos.













                       


C/ Serrano, 13
28001 Madrid
Tel.: (0034) 91 577 79 12

Horario:

LunesCerrado
Martes9:30–20:00
Miércoles9:30–20:00
Jueves9:30–20:00
Viernes9:30–20:00
Sábado9:30–20:00
DomingoCerrado



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LA CASA MUSEO DE JOAQUÍN SOROLLA en Madrid


Joaquín Sorolla  (Valencia27 de febrero de 1863 - Cercedilla, Madrid 1923fue un pintor y artista gráfico español. Uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado a veces como impresionista, en realidad su estilo se define mejor como luminista, porque prestaba una especial atención a los efectos de la luz.

Obtuvo gran éxito en Valencia y, como consecuencia, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma donde, a la vez que trabajaba, conoció el arte clásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas.
Con su amigo, el también pintor Pedro Gil, se desplazó a París durante el primer semestre de 1885, conociendo de cerca la pintura impresionista, que produjo en él, ya de regreso en Roma, variaciones en su temática y estilo. Toma así contacto con las vanguardias europeas, destacando el impacto que le producen las obras de los pintores John Singer SargentGiovanni Boldini y Anders Leonard Zorn.
En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García en Valencia, pero vivirían un año más en Italia, esta vez en la localidad de Asís. Luego se instalaron en Madrid y, en apenas cinco años, Sorolla alcanzó  fama y prestigio como pintor.
 Esta casa se construye entre 1910 y 1911, habitándola la familia a finales de este año. En su disposición Sorolla intentó separar su zona de trabajo, compuesta por tres estudios encadenados y con acceso directo desde el jardín, de la propia vivienda, que se  componía de un amplio salón, un comedor y una pequeña salita en la planta principal y de cuatro dormitorios, en la planta segunda alrededor de un distribuidor. 
Pero los jardines, íntimos y coquetos, un recuerdo de los más genuinamente españoles, van a ser llevados a los lienzos varias veces por Sorolla, consiguiendo una gran libertad técnica y expresiva en su realización. Serán el último refugio del artista, al final de su vida.








 Paseo del General Martínez Campos, 37, 28010 Madrid
Teléfono:913 10 15 84
Horario:                                             
                                                                     lunesCerrado
                                                              martes09:30 – 20:00
                                                           miércoles09:30 – 20:00
                                                            jueves09:30 – 20:00
                                                               viernes09:30 – 20:00
                                                           sábado09:30 – 20:00
                                                             domingo10:00 – 15:00
                                                      ------------------------------------------------------------

El MAVA: Museo Municipal de Arte en Vidrio de Alcorcón.


En un Madrid joven, alegre y colorista se encuentra este museo que conocí solo hace un par de años.

Castillo de San José de Valderas, sede del Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón 


El vidrio, ese material tan próximo a nosotros, pero o la vez tan desconocido, es el resultado de la fusión de una serie de elementos químicos a altas temperaturas. La masa viscosa que se obtiene, como si de lava volcánica se tratara, ofrece infinitas posibilidades de trabajo.  Una vez enfriada la pasta vítrea, puede presentarse como una lámina plana, como un objeto hueco, como un bloque... y  puede ser manipulado de muy distintas formas.



Así, distinguiremos entre trabajo del vidrio en caliente y trabajo del vidrio en frío. El primero implica un rápido y directo proceso con la materia ígnea, manejando cañas y otras herramientas. El resultado será, pues, un vidrio soplado, colado, moldeado, centrifugado, prensado, fundido, pasta de vidrio, estirado, ... 





En cambio, las técnicas del vidrio en frío, implican, por lo general, un proceso mas lento, Sobre piezas ya enfriadas, bien láminas, objetos huecos, estirados, termoformados, varillas de vidrio.
Se trabaja cortando, puliendo, grabando, pintando, esmaltando, mateando con chorro de arena, tallando, modelando al soplete, ... 




Algunos autores agrupan varias de estas técnicos en un paso intermedio entre frío y caliente, y, con frecuencia, en una escultura se combinan varias técnicas de vidrio o se da cabida a otros materiales es la llamada técnica mixta. 


¡Este bodegón, mi pieza preferida del museo!




 Los orígenes del vidrio se remontan a una leyenda para situar su descubrimiento en el Próximo Oriente. Según narra Plinio en su Historia Natural, éste se obtuvo fortuitamente, por primera vez. en los orillas del río Belus. Al principio, desde el tercer milenio a. C., se trabajó vidrio-pasta, hay interesantes restos de los cartagineses, romanos y otras civilizaciones antiguas, que dan testimonio de ello. 

 


Pero cuando se descubrió la técnica del soplado, al parecer en el siglo I a. C. en las costas de Tiro y Sidón, los objetos de vidrio hueco empezaron a proliferar en la cultura romana. Los árabes fueron también grandes vidrieros, pero la Edad de Oro del Vidrio la situamos en Venecia durante la Edad Moderna. Posteriormente tomaron gran relevancia Inglaterra y Bohemia, para dejar paso a Checoslovaquia y a los países nórdicos en la transición a la Edad Contemporánea. 

En España, la tradición vidriera de la Edad Moderna decayó enormemente debido al proceso de industrialización del XIX, y, sólo en Mallorca se ha continuado soplando de manera ininterrumpida. 


Cuerpo de Cristal (De Javier Velasco) 
El New Glass, un movimiento artístico contemporáneo, en nuestro país arranca con figuras vinculados al vidrio laminado y, en lo actualidad, cuenta ya con un nutrido número de artistas que emplean el vidrio como material escultórico, realizando tanto obras en caliente como en frío. 

Estos son algunos de los artistas que han mostrado su obra en este museo durante los últimos añosEstos


  



 


 
Autor Bruno Pedrosa

Philippa Beveridge. Courage (2007) 
Obra de Fhilipa Beveridge
  1. Dirección: Avenida Los Castillos, s/n, 28924 Alcorcón, Madrid
    Teléfono:916 19 90 86




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