Detente, Instante. Una Historia de la fotografía.

 En la Fundación JUAN MARCH hasta el 15 de enero de 2023.

Exposición que ofrece una revisión de la historia de la fotografía desde sus inicios hasta la actualidad.  Entre las piezas que se pueden contemplar se hallan trabajos de autores como Irving Penn, Man Ray, Charles Clifford, Samuel Bourne, Jeff Wall, Cartier-Bresson,  Diane Arbus, Brassaï, Stieglitz, Fenton, Atget, Tillmans… Artistas que han destacado durante sus carreras, y ahora dejan patente en esta exposición, imágenes célebres, otras sorprendentes y algunas desconocidas.

Las lagrimas. Fotografía de Man Ray. 1930

Un resumen compuesto por unas 300 fotografías que han sido cuidadosamente seleccionadas a partir de las colecciones de Dietmar Siegert en Alemania y Enrique Ordóñez e Isabel Falcón en España. Las obras son copias de época y suponen un proyecto muy ambicioso que indaga en cuestiones históricas, geográficas y temáticas relacionadas con este arte desde su nacimiento hacia 1840.

Aquí comienza  la nueva mirada al mundo que significó la invención de este medio que va desarrollándose por la segunda mitad del siglo XIX, todo el XX y los inicios del XXI entre hallazgos,  conquistas, juegos, creaciones...

Instantánea de una calle de Alfred Stieglitz.  

El hilo conductor entre las casi 300 obras es lo que las cataloga como piezas de arte:

¿Qué rasgos comparten todas estas fotografías de estilos, periodos y tipologías  tan diferentes que las hacen estar dentro de la esfera artística? Todas ellas son algo más que la manifestación de conocimiento de una herramienta de la ciencia: Son una expresión artística que refleja el dominio de los fotógrafos del proceso del revelado, la capacidad de estos para  captar la belleza estética en una imagen y la habilidad de sorprender e impactar. Estas son las tres condiciones que debe cumplir, o al menos dos de ellas, una fotografía que se presente como una obra de arte. 

Pero es importante tener  siempre en cuenta que cada fotógrafo tiene su propio lenguaje, y que cada uno interpreta y reinterpreta de una forma distinta la realidad captada por su cámara.

 Autor desconocido 1880-90

Lo que empezó siendo una mimetización de la realidad, con distintos fines: el retrato (como en la imagen anterior), el paisaje o el objeto,  terminó siendo una obra de arte. Pero durante el siglo xix serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar que tenía  la fotografía: el de auxiliar científico a la observación de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte en cuanto se consideraba que era la máquina la que hacía todo el trabajo. 

Daguerre inició sus experimentos, regresando al uso de las sales de plata que habían sido desestimadas en un principio, y en 1839 hizo público, con apoyo del Estado francés y gran despliegue mediático, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó daguerrotipo. 

El daguerrotipo resolvía algunos problemas técnicos como la reducción de los tiempos de exposición necesarios para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas. Y se hizo muy popular porque estos "retratos al daguerrotipo" empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los retratos pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica que llegó  a ser un espectáculo más, como manifiesta este grabado de la época.

El final del siglo XIX y la llegada del siglo XX nos lleva ineludiblemente al periodismo fotográfico, a la fotografía de viajes  y  la relación de las Vanguardias históricas con la fotografía. 

Charles Clifford fue uno de los pioneros de la temática paisajística española y junto con  Jean Laurent, los más destacados fotógrafos extranjeros de paisajes del siglo XIX, lo que tenía mucho que ver con el Romanticismo. En concreto Charles Clifford  desarrolló su carrera profesional en España, aunque era galés.  A él se deben las maravillosas fotografías de la Alhambra y de Madrid.

Patio de los Leones de la Alhambra 1862. Fotografía de Clifford

Pero fue Alfred Stieglitz  uno de  los «revolucionarios» de la fotografía. Quizás el más influyente de todos ellos. Su vida está repleta de vaivenes, conflictos, éxitos y decepciones; pero, sin duda, es y será recordado por haber logrado que la fotografía dejase de ser un ejercicio menor y empezase a ser respetada como una auténtica forma de arte.  Fue el marido de Georgia O’Keeffe, con la que se casó en 1924.

Canal de Venecia por Alfred Stieglitz.

En el deseo de conseguir hacer de la fotografía  una obra de arte por sí misma, no podemos olvidar a Man Ray y a los surrealistas. Influido por el dadaismo y las Vanguardias,  tambien por Steiglitz, Man Ray juega con la imagen, la manipula para introducir en ella la irrealidad y la fantasía, para jugar con la incongruencia. En sus fotografías aparecen elementos ambiguos o contrarios, personas y objetos que interactúan, rompiendo esa difusa  línea  entre lo real y lo irreal, entre lo lógico y lo ilógico.

Además de la fotografía Las lágrimas de Man Ray, que en esta exposición ocupa un lugar muy especial,  en esta que aparece aquí, el fotógrafo juega con la luz y los objetos pata introducir la  irrealidad y la ambigüedad. Así el espectador siempre puede imaginar, tiene que imaginar.

Robert Mapplethorpe (1946 –1989) fue un fotógrafo norteamericano célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente de flores y desnudos masculinos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornográficos, generó más de una polémica durante su carrera.

Alistair Butler. 1980. es el modelo de esta preciosa fotografía de  Mapplethorpe

                                          

Una vista general de una sala

Pero además la fotografía ha tenido un papel fundamental a la hora de construir nuestra visión del mundo y de la sociedad. Puede tratarse de una fotografía puramente objetiva (debido a que es documental), pero también puede abrirse al subjetivismo. En esta última cobra mucha importancia lo artístico, y ha ido evolucionando a lo largo de los años, a medida que las necesidades, los acontecimientos de la sociedad, y la forma de vivir ha ido cambiando. Desde la fotografía de lo cotidiano y las calles de París de Atget, hasta las realidades de la existencia de las personas, sus actitudes, o las situaciones de la vida.

Emil Maier, 1903

Y para terminar la exposición, encontramos la fotografía en color. La auténtica primera placa fotográfica en color, conocida comercialmente como Authocrome, fue patentada en diciembre de 1903 por los los hermanos Lumiere,​ pero no llegó a los mercados hasta 1907. 

Nuestra profesora  y alumnas, en dos momentos de la explicación.

Tanto el color como las nuevas técnicas modificaron la fotografía y  a partir de 1970 el desarrollo del color fue la base para propuestas abstractas y experimentales que se alejan de la representación mimética , y en las que la realidad se desvanece, prueba de ello son las tres enormes fotografías   

del Nadador libre de Wolfgang Tillmans. ¿Las recordáis?

Actividades Culturales Tíltide

Profesora: Sara Fernández. Historiadora, por la UCM.

C. Fernando el Católico, 28

28015 Madrid